“Maniquí” es la típica comedia tonta de los años 80, con todos los defectos y virtudes que eso supone.

La historia que nos cuenta “Maniquí” es de traca y pandereta. La película comienza enseñándonos el antiguo Egipto, donde una mujer, Ema (Kim Cattrall) se queja a su madre de que queiren casarla con hombres que no le interesan y que además ella quiere vivir su vida, y le pide a los dioses que no permitan que su vida sea esa, así que los dioses le conceden esa oportunidad, y Ema desaparece, literalmente. Luego aparecen los créditos iniciales de la película, en formato de dibujos animados, que nos dan a entender que nuestra protagonista pasa por todos los momentos de la Historia. Y así llegamos a la época actual, en la que vemos a un joven escultor, Jonathan (Andrew McCarthy), que trabaja en una fábrica creando maniquíes y que está orgullosísimo de su última creación, un maniquí perfecto. Como el chaval se dedica a convertir cada maniquí en una pieza de arte y es muy lento, pierde el trabajo, y vemos como deambula de trabajo en trabajo, siempre aportando una visión artística y perdiendo el trabajo: desde jardinero a pizzero. Su novia, una ejecutiva agresiva, no comparte su visión romántica y artística de la vida y le reprocha su poca estabilidad continuamente.

Al final, el amigo Jonathan consigue trabajo en unos grandes almacenes en decadencia gracias a salvarle la vida a la dueña, y empieza a trabajar de mozo de almacen, pero resulta que allí, en esos almacenes, está el maniquí perfecto que él ha creado, así que se pone a diseñar un escaparate y de repente, el maniquí cobra vida, con el cuerpo y forma de Kim Cattrall.

Resulta que el maniquí, de nombre Ema, o Emmy, como la llama Jonathan, solo es visible a sus ojos, por la maldición egipcia que le cayó encima. Juntos entablan una relación que da lugar a un montón de embrollos. Jonathan consigue relanzar a los grandes almacenes gracias a sus escaparates, diseñados entre él y Ema, que entablan una relación de dudoso futuro, ya que ella es un maniquí, no lo olvidemos.

Mientras tanto, la competencia intentará descubrir el secreto del chaval, y para ello utilzara espias (el jefe de seguridad de los grandes almacenes, más tonto que un pan) y todo tipo de tretas, siendo el climax de la película el secuestro del maniquí para impedir que Jonathan siga llevando clientes a los grandes almacenes gracias a sus increibles escaparates.

El problema con “Maniquí” es que toda la película nota mucho el paso de los años. El argumento no se desarrolla para nada, y nunca sabemos la historia de Ema o porque le cayó la maldición, y todo se basa en los tontísimos gags de la pareja protagonista en el centro comercial (escenas de la pareja bailando como locos; la pareja pillada besándose, y como los ven más personas, Ema es un maniquí; los líos que se montan otros personajes al oir a Jonathan hablando con alguien y cuando llegan siempre está solo con un maniquí), la mayoría provocados por el hecho de que Ema solo se mueve cuando solo la mira Jonathan, por lo que le pillan besando a un maniquí, durmiendo con él, etc. y la gente piensa que está loco.

Aquí podeis ver el vídeo musical del tema principal de la película “Maniquí”, “Nothing gonna stop us now”, de Starship, un exitazo ochentero, salpicado de imágenes de la película. Os ayudará a haceros una idea de a lo que os enfrentais:

Para colmo los personajes secundarios de la película son típicos y acartonados como pocos: el jefe de seguridad tonto a más no poder (y que tiene perros con nombres como Rambo o Terminator), el directivo malo malísimo (encarnado por un James Spader repeinado hasta el asco), el escaparatista profesional, el insufrible Hollywood Montrose, un gay negro con todos los peores tópicos del género (vestido con colores chillones, siempre gritando, etc.).

Los gags de la película tienen muy poca gracia, la verdad, y si soportas verla es por todos sus tics típicamente ochenteros, empezando por la ¿música? y terminando por el vestuario. De todas formas, se ve con cierto cariño, porque recuerda una época en la que muchas comedias solo pretendían arrancar un par de sonrisas al espectador, sin ninguna pretensión más. Aquí no hay lugar a ninguna reflexión ni a nada que no sea entretenimiento palomitero fast-food puro y duro. Aún así, no se salva ni queriendo: un argumento y un desarrollo tan simplones no llenan los 80 y pico minutos que dura, hasta se te hace larga y todo. Aquí tenemos un vivo ejemplo de lo mal que le sienta el tiempo a una película cuando no tiene una base sólida.

En “Una pandilla alucinante” tenemos una película que cruza el género de monstruos con las películas de grupos de chavales.

Esta curiosa mezcla es lo que nos ofrece “Una pandilla alucinante”, un cruce imposible entre las películas de monstruos con las películas protagonizadas por grupetes de chavales, donde no faltan todos los tópicos: en la pandilla hay un listo, un gordo y un macarra, como debe ser. Pero bueno, ¿de qué va “Una pandilla alucinante”?.

“Una pandilla alucinante” comienza con un flashback hace 100 años, donde vemos a Van Helsing combatiendo a Drácula en un castillo. Una joven recita junto a Van Helsing unas palabras y se abre un vórtice dimensional que absorbe a todos los del castillo. Acto seguido pasamos a la actualidad, donde vemos el típico instituto americano de ciudad pequeña típica americana y conocemos a unos chavales de entre 12 y 14 años calculo que son colegas y se pirran por las películas de monstruos y por todos los temas filosóficos que les rodean (como por ejemplo las formas de matar a un vampiro o si el hombre lobo tiene pelotas o no), y se llaman a si mismos “La pandilla del monstruo” (que es la traducción literal de “The monster squad”, el título original de la película). En la pandilla tenemos al típico líder, Sean, que luce a lo largo de casi toda la peli una camiseta con la frase “Stephen King rules” (Stephen King manda); el Cebao, u Horace, que es el típico chaval gordete y graciosete; Patrick, el colega de Sean y el último que se apunta a la pandilla, que es Rudy, el chungo, porque va en bici con chupa de cuero, fumando, con gafas de sol y calcetines blancos, con un par. Para mi, Rudy el mejor. Todos ellos forman “Una pandilla alucinante”.

El caso es que sin ninguna explicación, con un absurdo argumental tremendo, el diario original de Van Helsing, va a parar a manos de Sean, ya que sus padres lo han comprado en un anticuario y se lo regalan a su hijo, que no puede leer el diario porque está en alemán.

En otro giro argumental absurdísimo pero muy cachondo, vemos como el ataud del conde Drácula, junto con una caja que contiene a Frankenstein van en un avión, que oh casualidad, aterriza en la ciudad de los chavales, donde para más inri, hay una exposición egicpcia y también un tipo en una comisaria que dice ser un hombre lobo.

Antes de seguir aquí teneis el trailer en castellano  de “Una pandilla alucinante”:

En resumen, ya tenemos a todos los monstruos clásicos en la ciudad de los chavales, el diario de Van Helsing también está allí, ¿qué nos falta?, un extraño amuleto que también aparece en una casa del pueblo como por arte de magia. Con todo este batiburrillo, resulta que hay gente que empieza a morir víctima del conde Drácula, de Frankenstein, de la momia, del hombre lobo y del monstruo de la laguna negra, que mira, también pasaba por allí.

Al final los chavalines descubren gracias a un vecino aleman (que casualidad, un diario en aleman y tienen un vecino aleman) que lo que pasa es que cada 100 años el mal tiene la oportunidad de conquistar La Tierra, y una virgen debe recitar un conjuro para enviar a los seres malignos al limbo y que permanezcan otros 100 años allí, más o menos.

¿Y qué hace la pandilla del monstruo? Pues responsabilizarse de acabar con el mal y salvar a la humanidad, ahí es nada, el futuro del planeta en manos de 4 imberbes y un viejete alemán.

Como podeis ver, el argumento es demencial y no tiene ni pies ni cabeza en muchos casos, pero la película es un entretenimiento puro y duro que encima ha aguantado bastante bien el paso del tiempo, puede que por los monstruos creados por Stan Winston o por que a pesar de su aparente inocencia, es una película muy bien concebida para entretener. Es una película llena de clichés y giros muy predecibles, pero la verdad es que tiene un encanto especial y un buen montón de secuencias para el recuerdo, como las conversaciones sobre como acabar con los monstruos, las escenas en las que hacen las balas de plata (como si lo pudiera hacer cualquiera) o las secuencias en las que los jovenzuelos se enfrentan a cada uno de los monstruos.

En realidad, la película es un vehículo de entretenimiento muy bien hecho, con el único fin de divertir al público mezclando dos cosas con mucho tirón en la época: las pandillas de chavales y los mostruos de cine.

Así que ya sabeis, ha llegado el momento de que os senteis a que los protagonistas de “Una pandilla alucinante” os ayuden a resolver grandes enigmas del mundo moderno, como si el hombre lobo es capaz de conducir un coche. A disfrutarla.

Una escena clásica de Dirty Dancing: Johnny y Baby ensayando en el agua.

“Dirty Dancing” se ha convertido en la historia moderna modelo del amor entre la chica inocente y el chico malote pero de buen corazón.

Dirty Dancing, amores prohibidos a ritmo de baile.

A mi personalmente nunca me ha entusiasmado “Dirty Dancing”, pero hay que ser justo y reconocer que como película se convirtió en todo un icono, arrastrando a las masas y consiguiendo que Patrick Swayze se convirtiera en un sex-symbol mundial y estuviera en las carpetas de las adolescentes de todo el mundo. Desde luego, eso se consiguió en base a la química de los protagonistas, el carisma de Swayze y a una elección de canciones y bailes que hicieron de la película un producto ideal para hacer soñar a las adolescentes del planeta con esa historia de amor prohibido. El argumento de “Dirty Dancing” es sencillo y claro: estamos  a principios de los 60, y la familia Houseman se va de vacaciones a un hotel de la montaña, donde entre las actividades que hay para entretener a los huéspedes destaca el baile, y en concreto el profesor Johnny Castle, del que se enamora perdidamente Baby, la menor de las 2 hijas del matrimonio Houseman. Baby empieza a intimar con los empleados del hotel y en concreto con Johnny y los bailarines, que viven aparte en el complejo hotelero. La relación entre ambos acaba convirtiéndose en una historia de amor prohibido (una niña bien con un macarra bailongo… no way!!!), descubrimiento de experiencias nuevas (el sexo para Baby, la confianza para Johnny), etc. Johnny le enseña a bailar, y Baby le enseña a él el valor de la confianza y bla bla bla… en resumen, una historia de amor de vacaciones que además pone sobre la mesa cuestiones de fondo, como las diferencias de clases, la hipocresía de los niños bien o el aborto, aunque esas líneas no se explotan a fondo, porque “Dirty Dancing” es sobre todo entretenimiento basado en la música y el baile, no busquemos más. La historia evoluciona conforme van bailando y compenetrándose como pareja, hasta el emotivo climax final, con ambos bailando la canción “Time of my life” en el escenario principal del hotel.

Para que os hagais una idea de lo que os puede ofrecer “Dirty Dancing”, aquí teneis el trailer en español:

Lo cierto es que lo que funciona en “Dirty Dancing” es la química de los protagonistas y el conjunto.

Además, las coreografías y las canciones de “Dirty Dancing” tuvieron un éxito bestial que catapultó a la banda sonora al olimpo de la música y lleno el planeta de jovencitas deseosas de encontrar un profesor de baile como el Johnny Castle interpretado por Patrick Swayze, que se convirtió en el mayor objeto de deseo del planeta, pese a que ya llevaba unos añitos apareciendo en películas de bastante éxito.

Toda la película está plagada de escenas que han quedado grabadas en la retina de la gente que ha visto “Dirty Dancing”, como esta escena en la que Baby y Johnny ensayan al ritmo de “Hey Baby”:

Entre otras muchas escenas de la película, también son especialmente recordadas las escenas en las que Baby ensaya sola sobre un puente, el ensayo del baile final con Baby partiéndose de risa, etc. Como digo, un buen puñado de escenas hiperpopulares y taquilleras a más no poder, sobre todo el baile final, al ritmo de “The time of my life”, que ganó el Oscar a mejor canción:

Para rematar la faena, la banda sonora de la película fue tan o más exitosa que la propia película e incluso sirvió para que Patrick Swayze se estrenará como cantante con su canción “She´s like the wind”, que todavía hoy derrite el corazón de las mujeres de medio mucho con ese ritmo de balada romanticona de factura perfecta:

“RoboCop” nos enseña como será la policía del futuro: cyborgs mitad humanos mitad máquinas.

Robocop, el poster hacia que te apeteciera verla.

“RoboCop“, la película,  nos cuenta una historia del futuro cercano que parece muy real. En un futuro que está a la vuelta de la esquina las empresas privadas tienen tanto poder que incluso gestionan el cuerpo de policía de Detroit, la ciudad protagonista de “RoboCop”. La empresa PCO, una empresa privada, ha pasado a controlar el cuerpo de policía de la ciudad de Detroit a la vez que proyecta construir una nueva Detroit llamada Delta City. Para poder construir la nueva ciudad con garantías necesita erradicar el crimen y de ahí su interés en controlar a la policía (intereses inmobiliarios y urbanísticos, ¿os suena?, real como la vida misma), pero a la PCO no le gusta la policía convencional no, quiere un policía que esté disponible 24 horas al día y que no descanse ni tenga ningún tipo de debilidad, y para eso está el robot policía RP-209, un monstruo metálico para hacer respetar la ley. Pero este descomunal robot tiene muchos problemas y no acaba de funcionar bien y el éxito en controlar a la policía por parte de PCO pasa por el éxito del programa RoboCop, un cyborg creado con los restos de un policía asesinado en el cumplimiento del deber, Alex Murphy (Peter Weller). RoboCop es un policía disciplinado, que protege a los inocentes y hace respetar la ley y que patrulla Detroit evitando crímenes de todo tipo. Pero de forma accidental RoboCop descubrirá que los mismos tipejos que le mataron cuando era un hombre está relacionados con la empresa PCO, y entonces dejará de ser una máquina para recuperar su parte humana y buscar venganza y justicia desenmascarando a quienes le asesinaron.

Aunque RoboCop ha sido creado como una máquina tiene una parte humana que se rebela contra los intereses a los que sirve.

“RoboCop” es la historia de un policía mitad humano mitad máquina con un pistolón tremendo oculto en su pierna derecha que se dedica a despachar a los criminales a tiros, y de ahí no podía salir una mala película. Pero además de ser un peliculón de acción, “RoboCop” es una película llena de mucha ironía y mala leche, además de una crítica bastante dura al poder creciente de las empresas privadas, y todo ello salpicado de unos anuncios de TV que son tremendos, como los anuncios del juego familiar “Guerra termonuclear mundial” o el anuncio del centro de salud que comercializa 7 modelos diferentes de corazón artificial.

Lo dicho, en “RoboCop” encontrareis mucha ironía y mala leche con el futuro que nos espera. Además, los efectos especiales son de Rob Bottin, un auténtico maestro que demuestra su valor en películas como “Legend” o “La cosa”, no hacen sino mejorar el resultado final de “RoboCop“, porque verdaderamente el resultado es creible a la vez que espectacular. Te crees que lo que ves podrías ser cierto. Aquí teneis el trailer en español de “RoboCop”:

Para rematar la faena, “RoboCop” tiene una fuerza visual tremenda que se conserva intacta a día de hoy. Paul Verhoeven, en su segunda película USA después de “Los señores del acero” se lució a base de bien y definió su peculiar estilo mezcla de violencia, humor e ironía, que tan buenos resultados le daría en películas como “Desafío total” o “Straship Troopers” (lástima que sean de los 90). Su uso de una violencia excesiva y exagerada además de la presencia del cyborg policía y lo bien definidos que están el resto de personajes, hace que el resultado final de “RoboCop” siga siendo muy bueno a día de hoy. Una peli por la que no ha pasado el tiempo y en la que hay un montón de escenas y frases clásicas que ya han pasado a la historia, como por ejemplo:

1. “Vivo o muerto vendrás conmigo“, la clásica frase que RoboCop dice antes de detener a los sospechosos.
2. La escena del asesinato de Murphy. Una brutalidad en toda regla. El malo malísimo Clarence Boddicker y sus secuaces destrozan literalmente a un Murphy desarmado e indefenso.
3. Emil, uno de los secuaces de Boddicker, que se empotra con su furgoneta en un tanque de ácido y queda hecho una pena. Escena no apta para estómagos sensibles.
4. Los anuncios y noticias que aparecen a lo largo de la película como fondo a las retransmisiones de TV que ven los protagonistas. Se escuchan noticias como rebeliones en México y similares.
5. El malfuncionamiento del robot policía RP-209, que directamente deja hecho un despojo a un pobre diablo que se ofrece “voluntario” para que los miembros del comité de PCO vean como funciona. Aquí podeis ver como lo despacha, en español:

El personaje conocío dos secuelas en cine, además de una serie de comics en Marvel y una miniserie en TV y otra serie de TV pero de dibujos animados. Ví las secuelas, que no le llegan a la suela de los zapatos a esta película, y me colecciones los comics durante los primeros 12 o 15 números, pero eran bastante bastante malos. Desde luego todo lo bueno y sorprendente de la primera película se perdió en los productos derivados para explotar el personaje. Afortunadamente siempre podemos recuperar esta película para quedarnos con un buen sabor de boca.

“La chaqueta metálica” nos muestra la crudeza de la guerra no solo en el campo de batalla, sino también antes, en el momento de entrenarse para matar.

La chaqueta metálica, la visión de la guerra de Vietnam de Stanley Kubrick

“La chaqueta metálica” es una película dividida claramente en dos partes. La primera transcurre en la isla de Parish, donde un grupo de jóvenes recibe la instrucción militar para ir a la guerra de Vietnam. La segunda parte transcurre ya en Vietnam con ese mismo grupo de jóvenes ya en plena guerra. Cuando yo ví la película, la parte que más me impresionó con diferencia fue la primera, la centrada en el entrenamiento al que son sometidos el grupo de jóvenes. Un entrenamiento en el que directamente pasan de ser personas normales a auténticos animales dispuestos a matar y morir. Para que os hagais una idea, el auténtico protagonista de esta parte de “La chaqueta metálica” es el sargento instructor Hartman, el responsable de convertir a estos muchachos en soldados de verdad, y así se presenta a su nueva compañía de novatos, con este discurso claro y directo a la yugular, para que quede claro como funcionan las cosas durante la instrucción militar por la que van a pasar los reclutas:

La figura del sargento instructor pocas veces ha tenido tanta importancia en una película como en “La chaqueta metálica” donde es un hombre que saca el monstruo que algunos reclutas llevan dentro.

El argumento de “La chaqueta metálica” en sí no es demasiado complejo: un grupo de jóvenes americanos se prepara para ir a combatir a Vietnam, pero previamente deben pasr un periodo de instrucción en la isla de Parish para ser auténticos marines. El sargento Hartman será el encargado de convertirles en unas máquinas de matar perfectamente engrasadas. Desde el principio, Hartman les impone una disciplina durísima y un trato igualmente duro. Les pone motes a todos, y se ceba especialmente con el recluta “patoso” y con el recluta “bufón”. “Patoso” es un joven gordo y torpe que sufrirá en sus carnes toda la dureza y castigos del sargento Hartman, hasta el extremo de perder la cordura poco a poco. La película continua en una segunda parte que se desarrolla ya en Vietnam tiempo después y donde vemos a los que era reclutas combatiendo en el frente, donde algunos se reencuentran y viven experiencias muy duras en el frente de batalla.

Lo realmente singular de “La chaqueta metálica” es el tratamiento que hace Stanley Kubrick del tema, al centrar la parte más potente de la película en el entrenamiento y no en la guerra como suele ser lo habitual. De hecho, la parte del entrenamiento militar es tan poderosa, tan sugestiva y tan magistralmente contada en toda su crudeza, que deja a la segunda parte de la película como una especie de obra menor. En toda la película desde luego la crudeza reina por todos lados, y el lenguaje empleado no es una excepción, como se puede apreciar aquí, con el sargento Hartman cantando su hit single “Aquí mi fusil, aquí mi pistola”:

Como ejemplo de la dureza del sargento y de la crudeza de los castigos en el periodo de entrenamiento, os dejo el incidente del donut del recluta patoso y el castigo a toda la compañía:

En resumen, “La chaqueta metálica” es una película de guerra diferente, donde los malos están no solo en el bando contrario sino también en el propio, y donde se deja muy claro que si algo es la guerra es la pérdida de toda razón, llevando al hombre más que nunca a comportarse como una auténtica bestia, donde lo único que importa es sobrevivir.