Con “La mosca”, David Cronenberg creó una película que combina a la perfección terror, gore, drama, sensibilidad y amor.

“La mosca” es además una película de actores y personajes, mucho más que de efectos y maquillaje, aunque el trabajo de Chris Wallas en efectos y maquillaje es sencillamente espectacular.

Si algún despistado por ahí que no ha visualizado “La mosca”, la película nos cuenta la historia de Seth Brundle (Jeff Goldblum), un científico que ha descubierto el modo de teletransportar objetos de un lugar a otro: mete un objeto en una cabina, y éste aparece en otra cabina situada en otro lugar, y todo ello en un segundo. Lógicamente el invento tiene tela, y Seth Brundle es considerado en parte visionario y en parte loco. Una periodista, Veronica (Geena David), que trabaja en una publicación científica, se interesa mucho por el trabajo de Seth. El bueno de Seth confía en Veronica y le enseña todos los entresijos del teletransporte y el principal problema con el que se encuentra: es capaz de teletransportar objetos sin problemas, pero cuando lo hace con seres vivos (esa escena en la que Seth Brundle teletransporta un mono y este aparece, literalmente, del revés) o con materia orgánica, algo no marcha bien. Veronica lo prueba en sus carnes cuando Seth le da de comer un filete normal y otro teletransportado, y el filete teletransportado a Veronica le sabe francamente mal. Ambos entablan una relación (que se lian, vamos) y entretanto Seth consigue resolver el problema de teletransportar seres vivos, y no se le ocurre mejor manera de probar que funciona, que teletransportándose a sí mismo, pero oh! sorpresa, en el momento en que el se teletransporta había una mosca dentro de la cámara, ¿qué pasara ahora con Seth, dado que al salir del teletransporte la mosca ya no está?, ¿o sí está?.

Si os he despestardo la curiosidad, aquí teneis el trailer original de “La mosca” en inglés, para que vayais abriendo boca:

A partir del momento en el que Seth Brundle se teletransporta con la mosca, la película gira primero hacia el suspense y el misterio y luego hacia el terror y el gore, y todo ello a un ritmo constante y muy intenso, con la maestría de Cronenber y un ritmo envidiable: nada sobra y nada falta, y todo a su justo momento. Primero descubrimos que la mosca se ha fusionado con Seth y luego vamos viendo poco a poco como éste cambia de personalidad, primero, y de aspecto, después.

Tras su fusión con la mosca, Seth pasa de ser un tipo tímido a un animalote sexual, desarrolla una fuerza y resistencia sobrehumanas y cada vez le gusta más el dulce, pero poco a poco esos cambios se irán acentuando y derivando a lo físico. Veronica le descubre unos extraños pelos en la espalda que son solo el principio de una mutación física de órdago, porque vamos viendo poco a poco como al amigo Seth se le cae el pelo, las uñas, los dientes y no sabemos si algo más, y va evolucionando hacia un ser que es un híbrido de mosca y humano, literalmente, con elementos de los dos, sin alas ni ojos grandes, pero capaz de pegarse a las paredes aunque también de hablar.

Para que os hagais una idea del cambio físico que experimenta Seth Brundle, aquí teneis un “Tras las cámaras”, en inglés, en el que vemos como se hizo una escena de las gores de verdad, del gore bueno, con viscera fina y desde luego no apta para gente a la que le de repelús encontrase un bicho por el suelo:

En la transformación, que es el verdadero eje de la película, muchísima gente ha querido ver una metáfora de Cronenberg sobre la enfermedad o los cambios que experimenta una persona cuando padece un sentimiento extremo. No sé cual sería la intención de Cronenberg en la película, pero desde luego “La mosca” cuenta con una de las transformaciones físicas más impactantes de la historia del cine, y lo mejor es que esa tranformación, no solo física, sino también psíquica, tiene un sentido y es coherente.

ULTRASPOILER!!!, el climax de la transformación es la escena final de la película, con la transformación definitiva de hombre a hombre-mosca, o como diría el propio Seth Brundle a Brundle-mosca. No apta para estómagos sensibles. En inglés y con calidad cutre, como debe ser:

Desde luego, “La mosca” merece por derecho propio un puesto en lo más alto del cine de terror moderno, además de contar una historia muy bien hilada (solo hay tres personajes humanos en la película, algún secundario muy secundario y los animales) y tener un fondo de historia de amor pero creible, no llena de babosadas ni romanticismo barato. Una película a la que el tiempo ha tratado muy bien y ha revalorizado más aún, si cabe, por lo que nuestra obligación es siempre darle un visionado de vez en cuando. David Cronenberg se lo merece, y Seth Brundle también.

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“Todo en un día” está hecha con un único objetivo: entretener y arrancarte unas cuantas risas. Ni más ni menos.

Todo en un día, las aventuras de Ferris Bueller

“Todo en un día” nos cuenta exactamente eso, un día en la vida del protagonista, un chaval llamado Ferris Bueller que decide que un buen día (el que se nos cuenta en la película) no le apetece ir al instituto y prefiere estar por ahí con su amigo Cameron y su novia, Sloane, que sí va al instituto pero que el se encargara de “rescatar”. Y aunque todo sucede en un único día es alucinante la cantidad de cosas que le da tiempo a hacer al bueno de Ferris. Primero, debe convencer a sus padres de que está enfermo ante el estupor e indignación de su hermana; luego debe convencer a su mejor amigo, Cameron, de que salga de la cama, ya que está enfermo de verdad, para que cojan juntos el Ferrari del padre de Cameron para irse por ahí de parranda; por supuesto irán a buscar al instituto a Sloane, la novia de Ferris, para que se una a ellos, y a partir de ahí a vivir el día: almuerzos en restaurantes carísimos, paseos en Ferrari, participar en una cabalgata masiva por el centro de la ciudad, etc… y todo esto mientras Ferris intenta evitar cruzarse con sus padres y que el director del colegio, obsesionado con cazarle, le pille. De todo esto va “Todo en un día”.

En resumen, podría decirse que la película es lo que todos hemos deseado que nos pase alguna vez en nuestra adolescencia: tener un día para hacer lo que nos de la gana, saliéndonos con la nuestra, toreando a todo el mundo y sientiéndonos invencibles porque nadie nos descubre ni puede chafar nuestros planes, ni nuestros padres, ni el director ni nadie. Para muestra, el vídeo en el que el amigo Ferris, ni corto ni perezoso, se une a una cabalgata que pasa por el centro de la ciudad y se pone a bailar y cantar (en playback de los Beatles) y hace que todo el mundo se marque una coreografía grupal:

Y además Ferris te cae simpático. Es el típico tio al que todo le sale bien. Tiene una novia supermaja, colegas que lo darían todo por él, se burla de la autoridad, arrastra a las masas, ¿quien no quiere ser Ferris Bueller?

Todos queremos ser el Ferris Bueller de “Todo en un día”, ser el tipo de tio al que todo le sale bien siempre y a la primera y que encima despierta admiración entre los demás.

En esta película lo que hay es desde luego entretenimiento puro y duro, sin ningún mensaje ni trascendencia, pero eso sí, hecho con estilo y cuidando bastante los detalles. Esto no es “Los albóndigas en remojo”, no, esto es “Todo en un día”, y Ferris Bueller tiene clase para hacer las cosas. La película nos cuenta lo que promete, un día de saltarse clases y parrandeo, pero lo hace con bastante elegancia y un estilo bastante fresco y desenfadado pero nada vulgar. Por ejemplo, Ferris se sirige en varias ocasiones a los espectadors y no parece algo forzado, de hecho queda muy natural. Todo se debe probablemente al buen hacer de John Hughes, el director de la película, y recientemente fallecido. A él le debemos otras muchas comedias de los ochenta y de principios de los 90.

Aun así, despues de ver la peli, que por cierto ha aguantado muy muy bien el paso del tiempo, mis personajes favoritos son el director, incansable en su afan de perseguir a Ferris por toda la ciudad para demostrar que no está enfermo y que solo es un tío pícaro que se salta las clases cuando quiere, y el personaje que encarna Charlie Sheen, un adolescente marrullero con chupa de cuero y ojeras kilométricas que coincide en una comisaria con la hermana de Ferris. prefiero estos personajes porque Ferris, aunque mola, es muy típico, es un personaje al que todo le sale bien y se sale con la suya. Yo prefiero a estos dos tipos, y desde luego las desventuras del director no tienen precio. El pobre hombre es justo lo contrario de Ferris, de hecho es su némesis. Al tio cosa que intenta cosa que le sale mal y Ferris se la vuelve a jugar. Son como el correcaminos y el coyote. El director se pasa la película intentando cazar a Ferris y desbaratar su día de juerga urbana, y por el camino se queda sin coche, sin cartera, sin ropa y sin honor.

Aquí teneis la aparición de Charlie Sheen con la hermana de Ferris (interpretada por una Jennifer Grey antes de “Dirty Dancing”):

Si os pasa como a mi y os veis obligados a tener que ver la televisión actual, no lo dudeis, una alternativa de entretenimiento con bastante clase y sin esfuerzo mental es “Todo en un día”. Como diría Ferris Bueller, la vida pasa muy deprisa, sin no te paras y miras a tu alrededor, te la podrías perder.

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“Los inmortales” es una historia de espadas, honor, inmortalidad y lucha entre el bien y el mal.

Los inmortales: gente que no muere, duelos a espada y Rock´n´Roll.

En lo que a la película se refiere, “Los inmortales” tiene todo lo necesario para que le guste a cualquiera: tios con espadas, gente inmortal, acción, las dosis justas de fantasía, un poco de sentido del humor y peleas a espada en las que se cortan cabezas… ahí es nada amigos. Ah, y también hay una historia de amor (no, dos), por supuesto. Entonces direis, ¿pero de qué va “Los inmortales” con toda esta mezcla de cosas que acabas de decir? La historia comienza con un tipo (Christopher Lambert) viendo un combate de lucha libre en el Madison Square Garden. A mitad del combate, el tipo se levanta y se dirige al aparacamiento, donde se encuentra con otro hombre, con el que empieza a hablar como si se conocieran de toda la vida. Repentinamente, ambos sacan una espada cada uno y comienzan a pelear como posesos con el único objetivo de acabar el uno con el otro. Al final del combate, el vencedor es el primero al que vimos viendo el combate. Su nombre es Connor McLeod, y es inmortal. Pertenece a una raza de hombres elegidos por los dioses con el único objetivo de exterminarse entre ellos a lo largo de los años hasta que solo quedé uno, que recibirá el premio final de los dioses como regalo por haber acabado con todos los demás inmortales.

Es dificil encuadrar a “Los inmortales” en un género concreto, porque tiene elementos de acción, ciencia-ficción, fantasía, amor…

La película tiene un hilo narrativo centrado en la actualidad, en el presente, en el que Connor vive como un anticuario de exito y se ve presionado por la policía, al estar siempre relacionado con esas extrañas peleas con espadas y las consecuentes decapitaciones; y tiene otro hilo narrativo, que es el mejor, en el que se nos cuenta su historia desde que descubrió en el siglo XVI que era inmortal, al caer herido de muerte a manos de Victor Kruger, un sanguinario inmortal cuyo único objetivo es acabar con todos los demás inmortales para ganar el premio.

Aquí teneis el trailer original de “Los inmortales“:

La película está salpicada de la historia de Connor a lo largo de los años, así que en “Los inmortales” vemos como Connor es exiliado en el siglo XVI, como combate medio borracho en un duelo en la Francia del siglo XVII, como se enfrenta a los nazis en la segunda guerra mundial, etc… Conocemos su historia a lo largo de los años y también como se hace amigo y aprendiz de otro inmortal de origen egipcio y que ahora tiene una identidad española, Juan Sánchez Villalobos Ramírez, interpretado por Sean Connery, que le enseña tanto el manejo de la espada como los beneficios y problemas de ser inmortal. Ambos se hacen grandes amigos, y en esta parte es donde Connor aprenderá lo más duro de ser inmortal: él sobrevive, pero aquellos a los que ama mueren.

Ramírez dándole lecciones a Connor McLeod. En este caso, la importancia del equilibrio:

Con todos estos hilos argumentales, y alguno más que me dejo, “Los inmortales” es en resumen la historia de un duelo entre el bien y el mal, entre Connor McLeod y Victor Kruger, que a lo largo de cientos de años se buscan y se encuentran para ser el único inmortal que quede en pie. Connor evita siempre los enfrentamientos, pero Victor Kruger busca la manera de enfrentarse a él, especialmente cuando son los dos únicos inmortales que quedan sobre la faz de la tierra.

A pesar de que el protagonista sea Connor McLeod, interpretado por ese armario inexpresivo que es Christopher Lambert, la atención se la roban facilmente Juan Sánchez (Sean Connery) y Victor Kruger (Clancy Brown), dos personajes mucho más carismáticos y atractivos que el propio protagonista. Ni hablemos ya de los actores, porque comparar a Sean Connery con Christopher Lambert es casi ofensivo.

La historia, hoy en día, es totalmente válida, más de 20 años después de su estreno. Una película que mezcla acción, saltos en el tiempo, fantasía, suspense… de ahí no puede salir nada malo. “Los inmortales” es hoy igual de entretenida que hace 20 años. No cambiara la forma de pensar de nadie ni falta que hace. Es una película de entretenimiento con música de Queen de fondo, así que solo por eso ya vale la pena verla. Para muestra de la unión música de Queen + película, aquí teneis el vídeo del tema “Princes of the universe”, bien salpicado de imágenes de “Los inmortales“:

En el lado negativo, el éxito de “Los inmortales” generó dos secuelas (o tres, que ya he perdido la cuenta) totalmente prescindibles y horrorosas, además de una serie de TV protagonizada por Duncan McLeod, otro inmortal, primo de Connor McLeod. Esta es la consecuencia negativa, mucha cantidad de producto de muy baja calidad para aprovechar el tirón que generó la idea de unos tíos inmortales batiéndose en duelo con espadas en la actualidad.

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“El sargento de hierro” es recordada por muchos por las frases que contiene la película, algunas tan sutiles como “como alambre de espinas y bebo napalm”

Nada más empezar “El sargento de hierro” lo primero que oyes es una frase del personaje de Clint Eastwood, Tom Highway, en la que si hay 10 palabras, 8 son tacos. Y acto seguido, una buena pelea en la carcel, y no llevamos ni 5 minutos de película. Esa es la tarjeta de presentación de “El sargento de hierro“, y oye, a mi me funcionó, porque la disfruté, y la disfruto, como un tocinete, con toda su violencia y exaltación de la virilidad a todo trapo.

El sargento de hierro, un tio duro pero de verdad, de los que acojona.

El argumento de “El sargento de hierro” es sencillo: un marine en los últimos años de su carrera militar, Tom Highway (encarnado por Clint Eastwood), un sargento de artillería, vuelve a uno de sus destinos anteriores en Estados Unidos, a hacerse cargo de un pelotón de reconocimiento, con la desaprobación de su superior, el mayor Powers (Everett McGill), que le ve como un soldado del pasado, como una máquina de matar vieja y caduca. Highway tendrá como misión enderezar al pelotón de marines, más ocupados bebiendo y pasando el rato que centrándose en su entrenamiento. A pesar de que el pelotón le odia por su caracter y por sus maneras de adiestrarles, cuando se vean obligados a entrar en acción real por la invasión de la isla de Granada, descubrirán que lo que Highway les ha enseñado no es otra cosa que la realidad de la guerra, y de eso Tom Highway sabe un rato, porque es veterano de Corea y Vietnam y en “El cerro de la muerte” (el “Heartbreak Ridge” del título original) él solo se cargó unos nidos de ametralladoras y recibió la medalla del congreso, uno de los máximos honores militares. A base de hacerles mil perrerías y de enfrentarse a todo y a todos con su particular y poco sutil estilo, el sargento Highway consigue que los hombres del pelotón de reconocimiento se comporten como lo que son, marines, y además se sientan orgullosos de ello, algo que necesitarán cuando les destinen al frente, en la guerra de Granada.

Si eres un alma sensible amante de las buenas maneras y la exquisita educación, no veas “El sargento de hierro” porque te pitarán los oidos durante toda la película.

“El sargento de hierro” no es una película que destaque por su sensibilidad o por su análisis de problemas sociales: es directamente un festival de frases y actitudes de supermachos, pero desde luego es políticamente incorrectísima y tremendamente divertida. Ha envejecido estupendamente y es hasta más divertida hoy que en su día. Escenas como la de “sueco” Johansson, uno de los marines del pelotón que pretende cargarse a Highway, son memorables:

Probablemente hoy en día nadie se atrevería a hacer una película como esta, en la que el personajed e Clint Eastwood se mete con todo Dios sin miramientos y haciendo coñas sueprcrueles de todo tipo. Tom Highway es como un cruce imposible entre Harry el sucio y el profesor más cabronazo que tuvisteis de niños. Para muestra, algunas de las frases que salen de la boca del sargento Tom Highway… simplemente inmejorables:

1. “Mis cojones contra los vuestros, y perdereis”
2. “Vete a machacártela por ahí, cara de perro, antes de que te rompa los morros”
3. “Soy el sargento de artillería Highway. He bebido más cerveza, he meado más sangre, he echado más polvos y he chafado más huevos que todos vosotros juntos, capullos.”

Estas son solo algunas perlitas de “El sargento de hierro”, que está repleta de diálogos parecidos. Aquí teneis un par de recopilaciones de frases que no tienen ningún desperdicio. Para anotarlas mentalmente y soltarlas cuando la situación lo requiera:

Una de mis películas favoritas por su mensaje claro y sencillo: “Os voy a hacer falta hasta para haceros una paja”. así es Tom Highway, “El sargento de hierro”, fino y delicado como una barra de acero.

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La caratula del vhs de “Terrorvision” me daba un miedo importante de chaval. Pensaba que esa película tenía que dar mucho mucho miedo.

Hace ya algo de tiempo decidí que ya estaba preparado para ver “Terrorvision” de una vez y acabar con esa sensación de cosa a medio hacer por no haberla visto de chaval, así que me senté delante de mi televisión y me puse la película.

La caratula de Terrorvision me daba mucho miedo.

“Terrorvision” empieza enseñándonos el departamento de sanidad, división de seres mutantes, del planeta Plutón, donde un horrible monstruo es convertido en energía y disparado al espacio por un funcionario plutoniano. El monstruo viaja en forma de rayo por el universo rebotando de planeta en planeta hasta que aterriza en la flamante y nueva antena parabólica de los Putterman, una familia muy particular. El monstruo vive en la televisión, y cada vez que los Putterman cambian de cadena o hacen algún arreglo, el monstruo se manifiesta físicamente haciendo todo tipo de cositas malas. La familia está compuesta por los padres, un matrimonio salido y peculiar con una fijación preocupante por hacer intercambio de parejas; la hija, una chavala 100% ochentera que aprece Cindy Lauper en versión barata; el hijo, un chavalín obsesionado con las armas y con la estética militar; y el abuelo, un viejo loco obsesionado con la guerra, las armas, la supervivencia y que tiene un cuarto que parece un bunker militar. Con este cuadro de personajes, al que se suma alguno más, como Medusa, una presentadora tetuda de TV de un programa de terror y algún secundario más, parte “Terrorvision“, que básicamente consiste en ver como la familia lucha contra el monstruo hasta el final de la película y el desenlace. No cuento más de momento porque si no os chafo toda la película. Pero seguid leyendo, seguid…

Aquí el trailer original y ochentero de “Terrorvision”, para que os hagais una ide de lo que os vais a encontrar:

“Terrorvision” es la típica película exploitation ochentera. Aprovecha 2 o 3 cosas que funcionaban muy bien en la época (alienígenas, monstruos y tiros) y las combina en un producto 100% serie B.

El argumento de “Terrorvision” la verdad es que es casi lo de menos y se puede reducir en un par de líneas: un monstruo alienígena se introduce en el televisor de una familia aprovechando la nueva antena que se han instalado y los miembros de la familia van dándose cuenta de que algo ocurre cuando algunos desaparecen o se comportan de forma extraña. Aquí lo importante es la ambientación y las disparatadas interpretaciones. Ya sabemos que toda la película va a transcurrir con la familia luchando contra el monstruo, pero es que lo que de verdad llama la atención es el nivel de las interpretaciones, las caracterizaciones o los decorados empleados. Es dificil tomarse esta película como lo que se supone que es, una película de terror. “Terrorvision” más bien parece una película a medio camino entre la comedia de golpes y porrazos, la ciencia ficción más cutrona y algo de gore brutote, pero haciendo que la sangre sea verde, y así parece para menos.

La verdad es que en general vale la pena ver “Terrorvision” porque es una hija de su tiempo, es 100% años 80, pero eso sí, si os animais a verla no espereis una obra de arte ni una profunda reflexión sobre la condición humana. Aquí hay 80 minutos de cutrepelicula ochentera en su estado más puro. Os indico algunos momentos y personajes que hacen que valga la pena ver esta ¿obra de culto?:

1. Las interpretaciones. Los ¿actores? de “Terrorvision” no se toman en serio en ningún momento y de hecho están sobreactuando todo el rato, pero lo gracioso de esto es que dentro de esta peli hasta funciona. Parece que en lugar de una  peli de terror estamos viendo una comedia superexagerada de serie B, o Z. Hay escenas que rozan el surrealismo de tanto que gesticulan y exageran. Mi favorita es cuando O.D, el novio heavy de la hija, huye corriendo del monstruo, porque NO CORRE!!!, simplemente agita los brazos como si lo hiciera.
2. La ambientación y decorados. Todo es tan terriblemente cutre y tan de cartón piedra que sientes hasta cariño por una ambientación tan barata, que parece salida de una tienda de chinos. No se lo que se gastarían, pero vamos, fue la partida presupuestaria más pequeña, eso seguro.
3. La incorrección política. Lo mejor de esta época era que en las películas se hacían y decían burradas a todo trapo, sin estar pendiente de si se ofendía o no a tal o cual colectivo minoritario. En “Terrorvision” hay burradas por un tubo, desde el abuelo, un loco paramilitar que se caragaría a cualqueira, hasta el nieto, al que vemos disparando ametralladoras a sus 10 años, o el matrimonio Putterman, que tiene como objetivo principal de su vida hacer un intercambio de parejas lo antes posible, estén o no sus huijos en casa.
4. El look del novio de la hija. El novio de la hija de la familia se llama O.D, y hay que recordarle por vestir una camiseta de W.A.S.P (de los que suena en la película su tema “Tormentor”) y sobre todo por lucir un pelucón más falso que un billete de 18 euros para simular una melena de heavy del metal. Aquí teneis un vídeo para que podais apreciar el poder de “Tormentor”:

Bueno, espero que con todos estos argumentos de gran nivel os animeis a ver semejante engendro y disfruteis en la medida en que es posible de esta pelicula de mercadillo ochentera.

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Eddie Murphy rodó “El chico de oro” después de los megataquillazos que consiguió con “Superdetective en Hollywood” y “Entre pillos anda el juego” o “Límite 48 horas”. Más tarde rodaría “Superdetective en Hollywood II” o “El príncipe de Zamunda”. Los 80 fueron suyos y se convirtió en el cómico negro por excelencia.

En “El chico de oro” Eddie Murphy se lució combinando acción, humor, payasadas suyas y un toque de misterio y terror.

El chico de oro. Eddie Murphy hace de gracioso y de Indiana Jones a la vez.

En “El chico de oro” Eddie Murphy encarna a Chandler Jarrell, un investigador privado especializado en resolver casos de desapariciones de niños. Mientras Chandler está buscando a una chica de 16 años desaparecida, Cheryl Mosley, una joven tibetana le pide su ayuda para rescatar a un niño secuestrado en el Tibet, cuyo destino es salvar a la humanidad, ya que es el portador de la compasión. Lógicamente, Chandler, un tipo irónico y de la calle, se toma a guasa lo que la chica le cuenta, pero como ella insiste tanto y como encuentra algunos puntos en común entre la historia de ese chico del Tibet y la desaparición que está investigando, decide ayudarla a encontrar a “El chico de oro”. A partir de aquí nuestro amigo se ve metido en un fregado que incluye viajes al Tibet, culturas perdidas, pruebas dignas de Indiana Jones y enfrentamiento con seres que no son de este mundo, como el inigualable Sardo Numspa. Todo esto, por supuesto, aderezado con las típicas coñas clásicas de Eddie Murphy. La mezcla, la verdad, resulta de lo más atractiva, porque lo que acabamos teniendo es una película de acción con muchos golpes de humor y muchas aventuras e ingredientes sobrenaturales… vamos, que no te vas a aburrir viéndola.

Lo más destacable de “El chico de oro” es desde luego el argumento y el tratamiento de la historia, mezclando tantos elementos diferentes de una forma bastante equilibrada: hay acción, sí, pero la justa; hay humor, también, pero lo justo, porque aquí Eddie Murphy no hace cien papeles, hace uno y punto; hay amor, sí, pero el justito. En resumen, una película muy entretenida y disfrutable que es recordada por los que la han visto por un montón de escenas divertidas, como la forma de pedir el cuchillo, la forma de cantar en el avión o el sueño en el que Chandler Jarrell se enfrenta a Sardo Numspa.

Aunque Eddie Murphy es el protagonista de “El chico de oro”, quien de verdad sobresale es Charles Dance en la piel del maligno Sardo Numspa.

La acción empieza en el Tibet, donde vemos como los malvados secuaces de Sardo Numspa secuestran al chico de oro, a la vez que se nos muestran algunos de los poderes de este chaval y la galería de malos a los que se va a tener que enfrentar nuestro héroe. Del Tibet saltamos a Los Angeles, cuando conocemos a Chandler y le piden su ayuda para rescatar al niño. De Los Ángeles volvemos al Tibet, en la mejor parte de la película, con Eddie Murphy haciendo de las suyas por Katmandu e intentando ayudar al chavalín comportándose en ocasiones como un Indiana Jones salido de un barrio de Los Angeles. Y del Tibet volvemos a Los Angeles para el enfrentamiento final con los malos malísimos.

Desde luego “El chico de oro” nos pasara a la historia por ser una película profunda o llena de significados, pero es hoy en día muy pero que muy disfrutable, sobre todo por esa combinación tan acertada de acción, humor, fantasía y efectos especiales. Es una película poco común y la única pena es que no esté mejor montada, porque hay ocasiones en las que parece que todo pasa de una forma demasiado precipitada y sin muchas explicaciones, pero eso sí, reirte y pasarlo bien, está garantizado.

Aquí os dejo algunos de los mejores momentos para que os animeis a disfrutar de esta película:

Vídeo de “Body talk”, de Ratt, que suena a todo trapo cuando Chandler entra en la guarida de “los dragones amarillos” para descubrir que le hicieron a Cheryl, ya que su desaparición está relacionada con la del chico de oro:

La famosa escena de “quiero el cuchillo”. Así se les piden las cosas a unos monjes tibetanos, si señor:

El vuelo en avión a Katmandu, todo comodidad, y esto antes de que existiera RyanAir:

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En “Dentro del laberinto” contemplamos un mundo de fantasía ideado por Jim Henson y con David Bowie como rey y señor.

Dentro del laberinto, fantasía de la mano de David Bowie

Volvamos atrás en el tiempo hasta 1986 y vayámonos al cine a ver “Dentro del laberinto”, ¿qué es lo que nos vamos a encontrar?. Pues un cuento clásico de hadas y fantasía. La película nos cuenta la historia de Sarah (Jennifer Connelly), una adolescente que disfruta leyendo sobre mundos de fantasía y jugando a que son realidad. Una tarde, Sarah está en el parque jugando a que está en su mundo de fantasía cuando se da cuenta de que llega con mucho retraso a casa para cuidar a su hermano pequeño, ya que sus padres se marchan. Sarah llega bastante tarde a casa y se lleva la típica bronca de sus padres y se queda sola con su hermano pequeño, al que tiene cuidar y al que culpa de todos sus males. Encima, su hermano no para de llorar, y ella, harta de él, empieza a pedir a los goblins de su mundo de fantasía que se lo lleven y que no vuelva nunca. Para su sorpresa y espanto, sus deseos se hacen realidad, y los goblins se llevan a su hermano pequeño al laberinto, hogar del rey de los goblins, Jareth (David Bowie). El mismísimo Jareth se presenta ante Sarah y le da una posibilidad de recuperar su hermano: tiene 13 horas para intentar llegar a su castillo, atravesando el laberinto, y así impedir que su hermano se convierta en un goblin. Con este argumento de base, en “Dentro del laberinto” se nos van presentando unas cuantas criaturas y personajes que acompañarán a sarah en la búsqueda de su hermano y en su intento por cruzar el laberinto. En su aventura, Sarah conocerá a Hoggle, un enano gruñón; a Ludo, una bestia enorme pero muy tierna; y mi favorito, Sir Dydimus, un zorro que se cree un caballero medieval y va a lomos de su corcel: un perro. Todos estos personajes y alguno más acompañarán a Sarah en su aventura de cruzar el laberinto y salvar a su hermano de ser convertido en un goblin por el rey Jareth.

“Dentro del laberinto” es, de las películas de fantasía de los 80, la que mejor combina los personajes reales con los “puppets”.

“Dentro del laberinto” utilizó una técnica muy habitual para la época: la fusión de muñecos y actores de carne y hueso para recrear un mundo de ilusión y fantasía. Cuando hablo de muñecos me refiero precisamente a eso, a muñecos, no a personas con trajes simulando ser criaturas, sino a muñecos (marionetas) que eran literalmente las criaturas. Los efectos digitales eran poco más que un sueño en aquella época. Y lo mejor es precisamente eso, la ambientación, las criaturas y el ambiente de magia que desprende “Dentro del laberinto”. La historia es casi lo de menos, porque es un pretexto para presentarnos a una serie de personajes bastante divertidos y entrañables. Y además ha aguantado bastante bien el paso del tiempo y no se ve para nada desfasada o caduca. Echadle un ojo al trailer y juzgad vosotros mismos:

Quizás lo más pesado de la película sean las canciones, ya que Bowie, en su papel de rey Jareth, aunque está bastante bien, adorna su actuación con unas cuantas canciones, de forma que “Dentro del laberinto” a veces es una especie de pseudo-musical fantasioso, y hombre, un par de canciones están bien, pero las 5 que nos meten entre pecho y espalda pues pueden llegar a hacerse pesadas, más que nada porque pertenecen a la época más edulcorada y tecnopop de Bowie (época de los discos Let´s dance y Tonight, por ejemplo). Aquí podeis ver el fragmento en el que Jareth, David Bowie, canta “Magic Dance”, una de las canciones de la banda sonora de “Dentro del laberinto”:

Para su época fue una apuesta arriesgada porque el estudio invirtió la friolera de unos 25 millones de dolares en esta película, pero tan solo recaudó unos 13 en USA, lo que no es comparable por ejemplo al éxito de, por ejemplo “La historia interminable” (que costó más o menos lo mismo y recaudó 4 veces su presupuesto a nivel mundial), una película de argumento y realización similar.

De todas formas, a mi me gusta más “Dentro del laberinto” y si no la habeis visto os recomiendo que lo hagais, porque lo que si os garantiza es un buen rato metido en un mundo de fantasía, con una historia mil veces contada pero no por ello menos interesante. Así que ya sabeis, a deshacer el laberinto.

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