El precio del poder (Scarface) nos descubrió a Tony Montana, un antiheroe en toda regla, en esta historia de mafia, poder, criminales y venganza

Desde luego es una película con una capacidad de sorpresa e impacto visual de primer nivel, en la que la violencia se muestra muy crudamente y donde los personajes tienen un atractivo que hace que te olvides de que, en realidad, son auténtica escoria. Todo eso y algo más os encontrareis en “El precio del poder”.

La película nos cuenta la historia de Tony Montana (Al Pacino) y Manny Ray (Steven Bauer), dos presos cubanos a los que el régimen de Fidel Castro ha permitido exiliarse en los Estados Unidos. En la ciudad de Miami se integran en el clan del narcotraficante Frank López, organización en la que Montana asciende poco a poco hasta terminar enfrentándose a su propio jefe con el resultado que podemos imaginar. La novia de éste, llamada Elvira (Michelle Pfeiffer), se convierte en el objeto de deseo de Tony, quien acabara casándose con ella en una relación amor-odio de primer nivel. “El precio del poder” es un remake del “Scarface” de Howard Hawks por parte de Brian de Palma y Oliver Stone como guionista, que se ocuparon de actualizar y renovar el clásico de Hawks, convirtiéndolo a su vez en un nuevo clásico que hoy día casi roza la categoría de icono y donde hay míticas secuencias que han quedado ya como clásicos modernos en la retina de muchos espectadores.

“El precio del poder” es una película que a pesar de tener ya casi 30 años y ser un remake no ha perdido valor si no más, al contrario, ha ganado en calidad con unos perfectos y brillantes acabados que la primera versión, quizás por la época, no tuvo, y las presentes no consiguen.

Brian de Palma se alejó por aquellos tiempos del cine hichcockniano para pasarse a un cine que daría de que hablar: una película épica posmoderna sobre gángsteres, casi diría que un precursor de Tarantino en la forma de mostrar la violencia de una forma muy cruda. Una verdadera obra maestra del cine de los últimos 40 o 50 años con una capacidad de impactar visualmente que no está al alcance de cualquiera.

De postre, uno de los trailers origindales de 1983 de “El precio del poder”:

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“En los límites de la realidad” es una película tributo a la serie “The Twilight Zone” en la que 4 prestigiosos directores nos ofrecen 4 historias inspiradas en la serie de TV original.

Con estos mimbres, lo que nos encontramos en “En los límites de la realidad” es un prólogo protagonizado por dos amigos (Dan Aykroyd y Albert Brooks) que van conduciendo de noche mientras escuchan y cantan música. Cuando la radio se estropea, comienzan a hablar de lo que asusta y así es como acaban hablando de la serie “En los limites de la realidad” (“The Twilight Zone”) y recordando episodios de la serie. Después de un final de prólogo que acojona bastante y que no os voy a contar comienzan las 4 historias principales de la película, cada una de ellas dirigida por un director de prestigio en el terreno de lo fantástico. Así, la primera historia, que nos habla de como un hombre racista y xenófobo cambia su visión de la vida cuando se ve transportado a la Alemania nazi (siendo tratado como un judio) o a la América de la segregación racial, es dirigida por John Landis (autor, entre otras de “Aullidos”). La segunda historia nos cuenta la historia de unos simpaticos viejecillos de residencia que tienen la oportunidad única de volver a ser niños otra vez, y está dirigida por Steven Spielberg. En la tercera historia de “En los límites de la realidad” vemos como una enfermera acompaña a un niño a su casa tras atropellarlo y descubre que la familia de éste le teme, más que nada porque el niño tiene unas habilidades bastante especiales. El autor de la tercera es Joe Dante (director de “Gremlins”). Y en la cuarta y última historia de “En los límites de la realidad“, que a mi me dió un miedo horroroso cuando la vi por primera vez, un pasajero de un avión es presa del pánico y del terror en estado puro cuando se da cuenta de que durante el vuelo “algo” está en el ala del avión destrozándolo. Esta última historia está firmada por George Miller (“Mad Max III”). Y tras las historias, un epílogo, de nuevo con el personaje de Dan Aykroyd, para cerrar “En los límites de la realidad” pegándonos un buen susto.

La mejor manera de saber que nos espera si nos sentamos a ver una película como “En los limites de la realidad” es ver su trailer, que solo sugiere, pero ambienta muy bien:

Desde luego cuando yo vi en su dia esta película me encanto por esa mezcla de historias inofensivas, sobre todo la segunda, la de Spielberg, y de historias de auténtico terror, como la cuarta y última, protagonizada por John Litgow y que directamente me acojono hasta el extremo de que ahora cada vez que me subo a un avión y me toca estar sentado cerca del ala, la miro de vez en cuando no sea que vaya a haber algo ahí que no debería estar.

Pero esto que a mi me gusta es precisamente lo que mucha gente critica de “En los limites de la realidad”, el que no son cuatro historias de terror, sino 4 historias de temática fantástica siendo solo la última terror puro y duro, y del bueno. Pero bueno, digamos que la película tiene dos mitades bien diferenciadas. Las dos primeras historias son las menos impactantes y las dos últimas son la artillería pesada, concentrando toda la dosis de terror y fantasía más enloquecida.

Desde luego el capítulo de Spielberg es ñoño como pocas cosas pueden verse y casi sale azucar de la pantalla, y la primera historia está bien, pero vamos, es una cosa muy normal. Pero insistó en que esa combinación de lo ñoño de Spielberg con el carrusel de miedo y pánico de la última historia de George Miller es algo que a mi me gusta.

Desde luego 100% recomendable y sobre todo el último capítulo, en el que John Litgow se vuelve literalmente loco cuando descubre lo que está amenazando el avión en el que viaja. Un auténtico clásico moderno. Ala, ya estais tardando si no la habeis visto.

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Por hacer un poco de historia rápida, la primera película de Harry el sucio, titulada así, “Harry el sucio” (el original si titula tal cual “Dirty Harry”) es de 1971, a las que luego siguieron “Harry el fuerte” en 1973 (horrible traducción del original “Magnum force”), “Harry el ejecutor” en 1976 (otro asesinato de título, el original es “The enforcer”) y la cuarta, la que nos ocupa, porque es de los 80, “Impacto súbito” de 1983, y esta si que la tradujeron bien mira, ya que el título original es “Sudden impact”. Y aún queda una “La lista negra” (bien traducida), de 1988, pero esta para otro post, ¿ok?

En “Impacto súbito”, la cuarta película de Harry el sucio, Harry se enfrenta a un asesino en serie muy particular

A pesar de ser la cuarta película con el personaje del inspector Harry Callahan como protagonista, “Impacto súbito” probablemente sea la más parecida y continuista con la primera película, porque aquí Harry el sucio vuelve a ser lo que era al principio, un tipo aspero, duro, un poco pasado de vueltas, sin fe en el sistema y que solo entiende la justicia si el criminal recibe el castigo que se merece. En este caso, la historia de “Impacto súbito” nos cuenta como Harry debe enfrentarse a un caso en el que debe descubrir la identidad de un asesino en serie que en principio parece que va matando personas sin aparente relación entre sí, aunque poco a poco descubrirá que todas las victimas pertenecían a una banda criminal que hace años se ensañó con dos hermanas como víctimas. Este es el hilo argumental, que es prácticamente una excusa para todo un festival de macarradas y situaciones de acción y violencia al más puro estilo Harry el sucio. En “Impacto súbito” si que es cierto que vemos a un Harry a ratos un poco más humano e incluso con amagos de relaciones románticas, pero cuando hablamos de este hombre está claro que lo más importante son las palabras con las que adorna cada uno de los disparos de su Magnum. En su investigación en busca del asesino, Harry se instalará en un pequeño pueblo costero donde colaborara con las autoridades locales para intentar averiguar quien está matando a esas personas y porque, y al final, y para su sorpresa, encontrara el asesino en la persona que menos esperaba, aunque los espectadores sabemos quien es desde el minuto 5 o 6 de película.

Para abrir boca un poquito, sobre todo quienes no la hayais visto o la tengais muy olvidada, el trailer en inglés de la película “Impacto súbito”:

La verdad es que a “Impacto súbito“, para mi gusto, le sobran unos cuantos minutos, sobre todo por el hecho de que el espectador sabe practicamente desde el principio quien es el asesino y conoce sus motivos y porque, con lo que todo se reduce a ver cuanto tarda el amigo Harry en descubrir el pastel. Pero desde luego, esta es una película de Harry el sucio amigos, y eso no es cualquiera cosa. La película está reppleta de macarradas y frases antológicas del personaje interpretado por Clint Eastwood, que sin llegar a las barbaridades que decía en “El sargento de hierro” suelta unas cuantas perlas por esa boquita… algunas frases se han hecho clásicos en todas regla, como por ejemplo la escena del famoso “alégrame el día”:

O la escena en la que Harry el sucio se refiere a si mismo como “nosotros”, la escena de “¿nosotros, quienes? Smith, Wesson y yo”:

Y para terminar, la escena en la que Harry el sucio compara a un delicuente con una cagada de perro:

También es muy destacable, aunque no lo pongo aquí por no chafar, la escena final, la de la persecución y el tio vivo, aunque el final final es desde luego bastante sorprendente por lo extraño que queda… y no digo más.

Desde luego, esta película no pasara a la historia por ser una deliciosa historia de relaciones humanas en el marco de una campiña o cosas así, pero si lo que buscas es pasar un rato entretenido a base de macarradas variadas, frases de vacile de lo más burro y acción y tiros a todo trapo, pues ya estás tardando en recuperar “Impacto súbito”

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“Rebeldes” es una película sobre los 50, sobre bandas callejeras y sobre desigualdad, sueños y esperanzas. Es un cruce entre una película de acción urbana y un drama.

Para la ocasión, Francis Ford Coppola reunió a un elenco de actores jovencísimos que acabarían triunfando en lo más alto de Hollywood en los años siguientes. En “Rebeldes” podemos ver a Patrick Swayze, Rob Lowe, Matt Dillon, Diane Lane, Tom Cruise, Emilio Estevez, Ralph Macchio o C. Thomas Howell, entre otros.

Con estos mimbres y la novela de base, la historia que “Rebeldes”, la película, nos cuenta se centra en dos adolescentes de unos 14 años amigos del alma y pertenecientes a la clase trabajadora, Ponyboy Curtis (C. Thomas Howell) y Johnny (Ralph Macchio), que son jóvenes pseudomarginales que pertenecen a la banda de los greasers, junto con otros jóvenes como Dallas (Matt Dillon), con los que se juntan y se dedican a vagar por las calles. En el otro lado, tenemos a los dandys, los niños bien, cuyo personaje más representativo es el de Cherry Valence (Diane Lane), una chica de clase media-alta con la que Ponyboy hará muy buenas migas. Pero su amistad desemboca en una pelea entre varios dandys y Ponyboy y Johnny, en la que éste último asesina a uno de los dandys. Muertos de miedo, y con la ayuda de Dallas y los hermanos de Ponyboy, Sodapop (Rob Lowe) y Darrel (Patrick Swayze), Johnny y Ponyboy se ocultan del crimen en una iglesia abandonada, pero una serie de acontecimientos los convertirá en héroes y cambiará sus vidas… pero no sigo que si no lo destripo todo.

Para hacer boca, el trailer de “Rebeldes” en inglés:

El resultado final de “Rebeldes” es una película que mezcla el drama con la acción tipo bandas callejeras de una manera magistral, con las aventuras de sus dos protagonistas como hilo conductor. Ese equilibrio entre historia seria y formal y película de tipos duros callejeros con sus peleas y sus trapicheos es algo que desde luego le quedó clavado a Coppola. Es un dibujo de jóvenes marginales que solo creen en sí mismos y que viven atrapados en los típicos clichés. No es acción, no es comedia, no es drama, es una historia muy bien hilada y definida que tiene un “algo” especial.

Desde luego “Rebeldes” es una película especial, por esa combinación de elementos y por el ritmo que tiene.

Además, aunque fueran muy jóvenes, el nivel de los actores es muy bueno, sobre todo los olvidados C. Thomas Howell como Ponyboy y Ralph Macchio como Johnny, porque el resto de personajes son más bien secundarios para sujetar la historia de los dos personajes principales, aunque para mi destacan dobre todo el personaje de Matt Dillon, Dallas, el de Patrick Swayze, Darrel, y el de Cherry Valence, interpretado por Diane Lane. Y desde luego es un puntazo ver a jovencísimos Tom Cruise o Rob Lowe en papeles secundarios.

En “Rebeldes” además hay dos cosas muy llamativas, los títulos de crédito, nada del otro mundo pero muy personales, y el tema principal de la película, “Stay Gold”, de Stevie Wonder, que podeis oir aquí junto con imágenes de la película:

Y para terminar y que os animeis a ver “Rebeldes”, aquí os dejo una recopilación de escenas de la película de casi 10 minutos de duración. CUIDADÍN, que contiene spoilers, así que si aún no has visto la peli igual es mejor que no lo veas:

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“El día después” es una película ofrece una visión realista, dura y que asusta de lo que pasaría en caso de una guerra nuclear a gran escala.

Desde luego el tema no es nuevo hoy en día y ha sido explotado innumerables veces, dando cancha a un montón de películas de ciencia-ficción, pero en ésta el tono es de los más reales que pueden verse. En “El día después” no hay héroes ni villanos, solo hay personas que sobreviven, que sufren y que acaban siendo víctimas de una sinrazón.

“El día después” nos cuenta en su primera mitad, la más sosa, la vida cotidiana de un grupo de personas que viven en los alrededores de Kansas City, una zona llena de silos nucleares. Conocemos a los personajes principales y a sus familias: un prestigioso médico (interpretado por Jason Robards) y su familia, una familia de granjeros, un estudiante universitario (Steven Guttenberg), un militar, etc. Realmente, esta parte de “El día después” es un poco lenta y ha envejecido, vista hoy, un poco mal. Simplemente es una sucesión de personajes que son presentados y de los que conocemos lo básico de sus vidas, mientras de fondo, en las noticias que se ven en la tele y se oyen en la radio, se habla de la creciente tensión internacional y de que la URSS empieza a bombardear Alemania Occidental. A partir de aquí, del minuto 4o, se desarrolla la segunda parte de “El día después”, la más interesante sin duda de la película, porque lo que todos temen, lo que todos no quieren que pase, pasa: los Estados Unidos son víctimas de un ataque nuclear masivo.

A partir de aquí es cuando “El día después” se pone interesante de verdad, mostrando los devastadores y brutales efectos de una guerra nuclear. Para muestra un botón, el momento en el que los Estados Unidos recibe la lluvia de bombas atómicas del enemigo:

Vale que los efectos especiales, vistos hoy, parecen cutres, pero desde luego las imágenes impactan, y como, y pensemos que esta película se emitió en 1983.

El mayor mérito de la película es centrarse en los efectos de la guerra nuclear, no en quien la ha empezado ni en rollos patrioticos de esperanza, y en eso “El día después” lo borda.

A partir del ataque lo que vemos es la degradación y degeneración progresiva de la sociedad y las protagonistas, víctimas no solo de la radiación (con espeluznantes efectos en todos ellos) sino víctimas del caos, la desinformación y el desconcierto, lo que acaba creando anarquía, revueltas, etc. y todo ello con un tono bastante realista, lo que acojona bastante, porque te crees que es posible. Aquí no hay nadie que sea un héroe que se salva de todo e insufla esperanza a los demás, no, aquí todos pagan de una manera o de otra, y todos pierden. Y de hecho, en la parte final de la película, la crítica a políticos y medios es brutal, con un final con voz en off que acaba diciendo que lo visto en la película puede parecer duro, pero que si esa guerra nuclear sucediera de verdad, la realidad sería peor. Todo un llamamiento a naciones y gobiernos para que no hagan el gilipollas con las bombas atómicas.

Desde luego “El día después” debió ser un bombazo (sin doble intención) en su época, por lo que había en el entorno político de ese momento y el miedo a la temida guerra nuclear. Y hoy en día la película no ha perdido su fuerza, aunque como digo sus primeros minutos se hacen un poco largo y luego hay bastantes lagunas argumentales, que se justifican porque lo que la película busca es acojonar con el pánico nuclear y no contarnos la historia de nadie en concreto, y eso lo borda, amigos, porque acojona bastante, sí señor.

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“El sentido de la vida” fue la cuarta y última película de los Monty Python originales.

Monty Python se ofrecen en esta película a desvelarnos el sentido de la vida.

Si no habeis visto “El sentido de la vida” es bastante dificil explicar de que va esta película, porque precisamente trata de lo que dice el título, de desvelar el sentido de la vida, ¿por qué estamos aquí?, ¿de donde venimos?, ¿a dónde vamos? y todas esas grandes cuestiones filosóficas, ahí es nada, y encima en un tono de comedia irónica y surrealista. Para arrojar luz sobre semejante tema, los Monty Python nos proponen un viaje a través de la vida, desde el nacimiento hasta la muerte, pasando por diferentes etapas de nuestra existencia que a su vez se dividen en varios sketches. Es decir, “El sentido de la vida” no tiene un hilo argumental común sino que son una serie de sketches entrelazados para que descubramos “El sentido de la vida”. Eso sí, la mala lecha, la ironía, el surrealismo y un humor absurdo y ácido campan a sus anchas por toda la película en una serie de sketches que han hecho historia, como el del restaurante, la donación de órganos o el número musical de la familia católica, “cada esperma es sagrado”.

Hoy en día, casi 30 años después de haber sido estrenada, “El sentido de la vida” mantiene toda su mala leche y toda su validez.

“El sentido de la vida” comienza con una introducción en una pecera y con una animación que es muy recomendable de ver y que contiene los títulos de crédito iniciales. Antes de la introducción algunas versiones de “El sentido de la vida” incluyen un cortometraje que enfrenta a dos compañías de seguros como di fueran barcos de piratas, pero ya digo que no está en todas las ediciones de la película.

Aquí podeis ver los títulos inciales de la película, muy recomendables, en castellano:

Después de los créditos, empieza lógicamente la película, y lo hace con el segmento titulado “El milagro de la vida” que contiene dos sketches, el primero, en el que una mujer da a luz en un quirofano muy particular y saturadísimo de gente y el segundo, en el que una familia católica tradicional de 63 hijos debe decidir que hacer para salir adelante después de que el padre de familia se quede en paro.

El número musical que acompaña a este sketch de “El sentido de la vida”, que se titula “Cada esperma es sagrado” es impagable.

Un número musical bruto, irónico, irreverente y que se mete con el catolicismo más radical de una forma bastante original y musical. Para los que no lo conozcais o querais volver a verlo, aquí teneis el número musical “Cada esperma es sagrado” en castellano:

Tras estos dos sketches llega la segunda parte “Crecimiento y aprendizaje”, que también contiene dos sketches para representar esta fase de la vida. El primer sketch se desarrolla en una escuela tradicional mientras se celebra el oficioso religioso, y el segundo, y más recordado, es en una clase de adolescenets en la que un profesor (John Cleese) les explica, literalmente, como un hombre y una mujer conciben un hijo, utilizando a su propia esposa para el ejemplo práctico, como se puede ver en este vídeo:

La tercera parte de la película “La guerra” (o algo así) también tiene dos sketches que hablan de la guerra y de como nos comportamos las personas en ese entorno. El primer sketch está ambientado en la I Guerra Mundial y el segundo en la guerra de los británicos contra los zulús del siglo XIX. Ambos sketches son bastante buenos, pero en el segundo se ironiza y mucho sobre la flema británica de los oficiales, que no pierden la compostura por nada, ni aunque pierdan una pierna.

Llegados a este punto de “El sentido de la vida” hay un sketch titulado “La mitad de la película” que es precisamente eso, la mitad de la película, y que contiene una invitación a participar en un juego y además una serie de marcianadas tremendas (muñecos de elefantes azules, habitaciones marcianas), etc.

La cuarta parte es “La edad media” (la crisis de los 40, vamos), de un único sketch, y en el que una pareja americana de mediana edad está en un hotel de vacaciones con una ambientación entre hawaiana y de mazmorra medieval. La pareja va a cenar y elige entre un menú de conversaciones que les ofrece el camarero.

La quinta parte “Transplantes de órganos vivos” es burra a más no poder, y casi roza el gore, ya que vemos a dos enfermeros que se presentan en casa de un matrimonio para exigirle al marido la donación de su hígado. El marido responde que lo está utilizando, a lo que los enfermeros replican, “no sea egoista hombre”, para acto seguido proceder a extirparle el hígado de forma muy explícita, ante el asombro de su mujer, a la que se llevan a un número musical sobre las maravillas del universo. Parece y es surrealista, y aquí lo pueden ver ustedes:

La sexta parte “Los años del otoño” contiene dos sketches, el primero es un número musical, y el segundo, yo creo que es el sketch más conocido de esta película, en el que un hombre gordísimo va a un restaurante de lujo a comerse toda la carta, mientras vomita encima de los camareros, maitres y demás. Finalmente, cuando está lleno a  más no poder, el maitre le invita a comer una chocolatina muy muy fina, con lo que consigue que el cliente, literalmente, explote. Hay que verlo (aquí están los dos sketches en versión original y subtitulados al castellano), un clásico no apto para todos los estómagos:

La séptima y última parte de “El sentido de la vida” es “La muerte” que también tiene número musical y un sketch, y luego llega “El final de la película”, un poco menos surrealista que “La mitad de la película”. Y se acabó.

El humor de “El sentido de la vida” no es fácil ni es una película pensada para que cualquiera la disfrute. Es un humor muy de mala leche, muy de ironía y muy de tomárselo todo a coña. Me figuro que cuando la película se estrenó levantaría unas cuantas ampollas por como se descojona de las religiones o por el uso del gore en algunos sketches. Desde luego, la película es para verla, aunque solo sea porque ofrece algo diferente, algo nuevo y una forma de ver la vida entre lo absurdo y lo surrealista, y se agradece que haya puntos de vista diferentes. Desde luego, es una película a la que el tiempo no parece afectar para nada y que conviene volver a ver de vez en cuando.

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“Tygra, hielo y fuego” es una película de espada y brujería hecha para adultos en formato de dibujos animados.

Además del hecho de ser una película de dibujos animados y estar orientada a un público adulto, lo que llama la atención de la película, entre otras cosas, es el tono sensual de los personajes femeninos (Tygra, la protagonista, se pasa toda la película embutida en un bikini minúsculo e insinuando sus curvas) y el realismo de su técnica de animación, con unos movimientos perfectos, que aunque tengan casi 30 años parecen hechos por personas y no por dibujos animados (se uso la técnica del rotoscopio, primero se filmaba a los actores y luego se dibujaba encima de sus movimientos, consiguiendo un realismo alucinante).

Todo esto está muy bien, pero, ¿de qué va “Tygra, hielo y fuego”?. En resumen, la película nos cuenta que en un mundo gobernado por la magia, el manejo de la espada y criaturas fantásticas, el reino del hielo, gobernado por Nekron, quiere conquistar el mundo, y para ello Nekron va expandiendo sus glaciares por toda la tierra. Solo el reino de fuego, lleno de volcanes y gobernado por el rey Jarol resiste de momento a la invasión de los glaciares. Nekron expande sus glaciares hacia el reino de fuego y destruye todos los pueblos con los que se encuentra, incluido el de Larn, un joven guerrero que ve como los subhumanos de Nekron aniquilan a su pueblo, aunque él consigue escapar con vida. Para doblegar al rey Jarol, Nekron ordena secuestrar a Tygra, su hija, que es raptada de sus aposentos por los subhumanos, aunque consigue escapar hasta una ciudad perdida y abandonada donde conocera a Larn que también ha llegado hasta allí. Aún así, los subhumanos consiguen volver a secuestrar a Tygra y la llevan ante Nekron. Larn, con la ayuda de un misterioso guerrero que empuña un hacha llamado Darkwolf, convence al rey Jarol para intentar un último ataque a la fortaleza de Nekron con el único objetivo de acabar con él y con su reino de hielo. De esto va “Tygra, hielo y fuego” y no os destripo el final ni la chicha de la película, que si no esto pierde toda la gracia.

Para que os hagais mejor idea de lo que os espera si os decidía a ver “Tygra, hielo y fuego“, aquí teneis el trailer en inglés:

En “Tygra, hielo y fuego” lo que vais a encontrar es una historia sencilla con argumento más sencillo aún. Todo ello con bárbaros, espadas, mujeres jamonas, bestias de reinos olvidados y demás parafernalia.

Desde luego, el punto fuerte de “Tygra, hielo y fuego” es sin duda la técnica de animación que se empleo, que hace que los movimientos de los protagonistas sean 100% reales. A ver, a nivel de animación lo que se puede hacer hoy en día poco tiene que ver con esto, pero desde luego, lo que se ve en esta película es bastante veraz a nivel de movimientos, y la historia, por su simpleza, tiene mucho de físico y de acción en plan primitivo, y en ese punto la animación de la película brilla. Aquí podeis ver a Darkwolf en acción para que veais como se las gastan estos bárbaros:

También es cierto que “Tygra, hielo y fuego” tiene la misma complejidad que un chicle, pero ey, esto no es cine de arte y ensayo. Una película con bárbaros, espadas, magia y bestias voladoras que se llaman dragones halcones no puede esconder nada más que la sana intención de hacernos pasar menos de hora y media en un mundo de fantasia donde los heroes son muy machos y las mujeres son muy voluptuosas, algo que le viene de casta a Frank Frazetta, el ilustrador que parió esta película, y si no aquí podeis ver unas cuantas mujeres desde el punto de vista de Frank Frazetta:

El que espere encontrar otra cosa que no sea lo que he contado se va a dar de morros contra una película basada en los paisajes, la acción y lo típico de sus personajes, entre los que brillan los dos secundarios, Darkwolf y el malvado Nekron, que tienen bastante más carisma que los protas, Tygra y Larn.

En resumen, una pequeña joya a recuperar por lo atrevido de su propuesta (fue un fracaso absoluto en taquilla) y por intentar hacer algo diferente al tratar de llevar literlamente un comic de espada y brujería a la gran pantalla. De poster, el combate final entre Darkwolf y Nekron -- SPOILER: Si quereis ver la película y que no os destripe el final, no veais este vídeo. Avisados estais:

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“Juegos de guerra” es una película que lleva los problemas de la guerra fría a un tono adolescente y casi geek por la importancia de los ordenadores en la trama.

La película comienza a modo de preámbulo mostrándonos como en un complejo militar secreto unos militares americanos deben lanzar sobre la URSS (Unión Soviética) un ataque nuclear ya que los rusos han atacado a los USA. Uno de los dos militares que debe activar el lanzamiento duda sobre si hacerlo o no y al final no se atreve. Finalmente, resulta que es un simulacro, pero los militares, visto que las personas dudan a la hora de decidir matar a millones de seres humanos, deciden que todo el proceso de ordenar y ejecutar un ataque nuclear a gran escala sea realizado por un ordenador, al que llaman WOPR.

Juegos de guerra. La tercera guerra mundial en el 83.

Hasta aquí la introducción de la película, que sirve para ponernos en situación frente a lo que nos vamos a encontrar: una película que mezcla intriga, acción y algo de humor con la tercera guerra mundial, los ordenadores y el poder de las máquinas como telón de fondo. “Juegos de guerra” nos cuenta la historia de David, un chaval adolescente típicamente americano muy aficionado a la informática, pero a la informática de 1983, ya sabeis, pantallas de fósforo, líneas de comandos, etc… David suele cambiar sus notas accediendo via modem al ordenador del instituto (una muy primitiva internet) y un buen día decide buscar en la red como entrar en el sistema de una compañía de juegos de ordenador para ver un juego antes de que se lance al mercado, pero, sin quererlo, acaba accediendo al sistema del ordenador WOPR, que es el ordenador que se encarga de lanzar un ataque nuclear sobre la URSS en caso de que USA sea atacado. Como David vé que el ordenador tiene juegos para entrenarse (de ahí el título de la película “Juegos de guerra“, con títulos tan sugerentes como “Guerra termonuclear mundial”) decide jugar con el ordenador una partida a “Guerra termonuclear mundial”, y claro, el amigo David cree que es un juego, pero la computadora juega como si fuera el mundo real y de hecho en la central militar de los USA creen que la URSS les está atacando, y se preparan para lo peor: la tercera guerra mundial ya está aquí, y todo por darle a un ordenador la potestad de decidir si lanza un ataque nuclear sobre el enemigo o no.

Uno de los mensajes de “Juegos de guerra” es que los ordenadores, por muy perfectos que sean, no pueden tomar decisiones como un humano. En eso, somos únicos.

Por supuesto, David (Matthew Broderick, en su primer papel protagonista; luego llegarían “Lady Halcón“  o “Todo en un día“), una vez que se da cuenta de la que ha liado, intentará por todos los medios hacer que el ordenador detenga la partida y no provoque la tercera guerra mundial, y para ello deberá hacer cosas que van desde infiltrarse en instalaciones militares, hackear ordenadores, localizar científicos perdidos hasta deshacer los sistemas de seguridad de puertas, y un larguísimo etcetera que hacen que parezca un cruce imposible entre James Bond, un chavalín de instituto americano y Bill Gates.

Aquí teneis el trailer original de 1983 (en inglés, eso sí) de “Juegos de guerra“:

Con este argumento y estos mimbres, “Juegos de guerra“, a pesar de ser una película destinada a entretener no deja de ser también una crítica feroz a la situación política de la época, la guerra fría, y lo absurdo de aquello, además de poner de manfiesto (antes que en Terminator o Matrix, por ejemplo) el poder que les vamos otorgando a las máquinas y ordenadores y lo muchísimo que dependemos de ellos, hasta para defendernos de nuestros enemigos. De hecho, en la película, es un ordenador el que lleva a la humanidad al borde de la tercera guerra mundial simplemente porque no sabe distinguir la realidad de la ficción, y el juego que juega con David para él es el mismo juego, sea una guerra real o no.

La verdad es que al verla en pleno 2009, parte del encanto de “Juegos de guerra” está en los ordenadores que aparecen en la película, las actividades de hacker de David, o el muy primitivo internet que utiliza. Lo ves ahora, y sonries o te descojonas directamente, pensando que hace no tanto tiempo un ordenador personal funcionaba con aquellos discos tan enormes (o con cassettes, como el Amstrad CPC 464 que me compraron a mi en 1985) o que un modem era como un teléfono analógico de los de antes.

Aquí podeis ver el pedazo de modem y de ordenador que utiliza el amigo David:

Lo que no ha variado y lo que ayuda a que la peli funcione hoy en día es que la base sigue siendo válida: el peligro de robotizar todo y dejar en manos de máquinas decisiones que solo deben ser humanas porque no pueden tomarse tomando únicamente datos como referencia. El tema de la guerra fria por supuesto ya está superado desde que cayó el Muro de Berlín en 1989, pero esta es una de esas películas de la época que ya ponían de manifiesto que aquello del mundo dividido en dos bloques y con la amenaza de una guerra mundial nuclear no tenía mucho sentido (y la de películas que se hicieron con este argumento de fondo, amigos).

Lo que diferencia a este película de la mayoría de pelis que trataron el tema de la guerra fria y los peligros de una tercera guerra mundial nuclear, es que el tono es bastante ligero. Es una película apta para todo el mundo, con su historieta de a chica le gusta chico de fondo, algunas bromas, etc… pero también es un mérito hacer una película así, buscando el entretenimiento, con un tema tan serio y de tanto calado político y social, sobre todo en la época en la que se hizo. Así que ya sabeis, si buscais pasar un rato agradable sin más pretensiones que entreteneros con la tercera guerra mundial como argumento, esta es vuestra película.

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