Con “La Cosa”, John Carpenter firmó su obra maestra, una película de terror perfecta llena de efectos viscerales que asusta y acojona de verdad.

Carpenter tiene un estilo muy propio y distinguible, reconocible por hacer uso del humor más negro de vez en cuando y también por usar siempre recursos propios de la serie B, un lugar en el que el director parece sentirse cómodo.

“La cosa” trata de un grupo de hombres aislados en un lugar inhóspito, la Antartida, que deben enfrentarse a una amenaza desconocida y terrorífica que no comprenden y no saben como combatir.

En “La cosa”, John Carpenter nos cuenta la historia de una estación científica norteamericana en la Antartida, cuyos habitantes, pocos y todos hombres, se despiertan un buen día viendo como un helicóptero persigue y dispara a un perro que corre por la nieve. El perro se refugia en la estación americana, y los ocupantes del helicóptero van a por él, teniendo que enfrentarse con los americanos, que no entienden que pasa y porque son atacados. Los perseguidores del perro mueren en la refriega, y los americanos descubren que son miembros de la estación noruega, así que deciden ir allí a ver que ha pasado, y van en helicóptero, pilotado por MacReady (Kurt Russell, el actor fetiche de Carpenter). Lo que encuentran al llegar es desolador: la estación noruega ha sido quemada y todos sus habitantes están muertos. Una vez allí, encuentran unas cintas de vídeo, que se llevan, junto con un cadaver muy extraño y calcinado.

Con todo ello vuelven a su base, donde descubrirán con espanto que los noruegos encontraron una nave alienígena en el hielo, de donde sacaron a un ser que despertó y acabó con todos ellos imitando su forma (de ahí lo de “la cosa”). A eso se enfrentan el piloto MacReady y todos sus compañeros, y encima solitos en la Antartida.

Aquí podeis ver el trailer de “La cosa” en español, para que os hagais idea de lo que os vais a encontrar:

Con este argumento de base, todo empieza a complicarse, sobre todo cuando queda claro que la cosa puede transformarse en cualquiera de ellos, lo que hace que todos desconfien de todos y nadie se fie de nadie. Además, todos ven como es la cosa cuando deben aniquilar al perro al que perseguían los noruegos, ya que había sido “poseido” por la criatura y se transforma en un monstruo híbrido entre varios perros, tentáculos y no se cuantas cosas más. Un bicho digno de haber salido de la mente de H.P Lovecraft.

Al final, “La cosa” es una historia de la lucha por la supervivencia de unos pocos hombres frente a una amenaza que no comprenden ni saben como combatir. Decididos a impedir que la cosa llegué al mundo civilizado, los hombres de la estación norteamericana deben encontrar una manera de combatir al alienígena y además salvar el culo, con MacReady, el piloto encarnado por Kurt Russell, a la cabeza. Aunque secundado por personajes bastante interesantes, como el furibondo Childs (Keith David) o el inestable Palmer (David Clennon), entre otros.

La película está llena de escenas que rozan el gore, gracias a los efectos especiales creados por Rob Bottin, simplemente magistrales, y que nos muestran toda la capacidad de la criatura para transformarse en las aberraciones más grandes que podamos imaginar, como el perro del principio de la película, o la gigantesca boca-abdomen en el momento de la reanimación cardiopulmonar de Norris, momento en el que también puede verse está famosa escena de la cabeza-araña:

También es antológica la escena de la “prueba de la sangre”, el sistema de que desarrolla el personaje de Kurt Russell para descubrir quien está infectado por “La cosa” y quien es humano.Aquí la famosa escena, en versión original:

Aunque hay que ser justo y reconocer que la película está llena de escenas clásicas en el terror, lo que ayuda a crear esa sensación de soledad absoluta que envuelve toda la película, creando unos ambientes que consiguen que de verdad estes inquieto de principio a fin.

A mi, en su día, me dió un miedo atroz “La cosa” y me impacto por su capacidad de aterrorizar desde el punto de vista físico, con unos monstruos que acojonan, y desde el punto de vista psiquico, con unos protagonistas desquiciados cada vez más porque no saben si quien tienen delante es humano o no, y el espectador tampoco lo sabe.

Aquí teneis una buena recopilación de escenas de “La cosa”:

“La cosa” es un remake de “El enigma de otro mundo”, película de 1951, y lo que sorprende es pensar que aunque hoy es un título imprescindible y de culto, en su momento fuera un fracaso comercial en toda regla, recuperando a duras penas la inversión para hacerla.

Desde luego, el cine de terror moderno le debe mucho a este pedazo de película tanto en lo estético como en lo ambiental, así que no dejeis pasar más tiempo sin echarle un vistazo, sea la primera vez o una más. Yo nunca me canso de verla, de verdad.

“Conan, el bárbaro” es la adaptación de parte de las historias del personaje, que de la mano de John Milius (director y guionista) y Oliver Stone (guionista) se convirtieron en película en 1982. Una película influenciada por las historias de Robert E. Howard, que adapta, y la estética del comic, dado que Conan ya llevaba años apareciendo en las páginas de comics y siendo muy popular.

Para encarnar a “Conan, el bárbaro” el elegido fue Arnold Schwarzenegger, en el papel que le lanzó al estrellato.

Conan el árbaro: espadas, magos, mujeres y aventuras.

“Conan, el bárbaro” nos cuenta la historia de Conan, un Cimmerio, un hombre del norte, que siendo niño ve como su familia y su pueblo son asesinados por un grupo de guerreros desconocidos que llevan un estandarte en el que dos serpientes se enfrentan entre sí con un fondo de sol y luna negros. Conan es hecho prisionero y esclavizado hasta la edad adulta, en la que su dueño lo explota como gladiador, haciendo algo que se le da muy pero que muy bien, combatir a muerte. Cuando sus vistorias son muchas, su dueño lo lleva al este donde aprende el arte de la espada y también tiene acceso a la cultura. Un día, su dueño libera a Conan, dándole la libertad y permitiéndole huir. Desde ese momento, cuando llevamos media hroa de película, lo que vemos en “Conan, el bárbaro” es el viaje que emprende Conan en busca de los hombres que asesinaron a su pueblo, en busca de venganza. En su camino encontrará una tumba donde conseguirá su espada, se cruzará con brujas, conocerá a Subotai, un arquero arquiniano que viajará con él, y finalmente ambos conocerán a Valeria, una guerrera y ladrona rubia junto con la que robarán en el templo de la serpiente de Seth. Al cometer ese robo, los tres son llevados ante el rey Osric, cuya hija se ha unido a los fieles de Seth y a quien él quiere recuperar. Les ofrece muchas riquezas, pero lo que a Conan le interesa es la venganza, ya que el lider del culto de Seth es Thulsa Doom (encarnado por James Earl Jones), el brujo responsable de la muerte de su pueblo.

A partir de este punto, “Conan, el bárbaro” se centra en el viaje de Conan a la montaña del poder de Thulsa Doom y en como el cimmerio buscará la venganza, le ayuden o no le ayuden sus compañeros. En este punto de su viaje conocerá a un mago que le ayudará y se enfrentará finalmente a aquellos que asesinaron a su familia.

En “Conan, el bárbaro” encontramos todo lo necesario para entender porque se ha convertido en película de culto y en la cima del género de espada y brujería: guerreros con espadas, magos, brujería, cultos secretos, serpientes gigantescas, etc…

Hoy en día “Conan, el bárbaro” es todo un clásico, aunque como suele suceder en su época se llevó bastantes palos, aunque fue todo un éxito comercial pese a su nivel de violencia y brutalidad (o precisamente por ello). Para entender lo que nos vamos a encontrar al ver “Conan, el bárbaro” lo mejor es ver el trailer de cine original (en inglés) donde podemos ver parte de lo mejor de la película:

Desde luego, si por algo “Conan, el bárbaro” se ha convertido en una película mítica y en un clásico por derecho propio es por su particular estilo, por su fuerza visual y por su impresionante banda sonora, de Basil Poledouris, que es el complemento perfecto para la película, más allá de algunas lagunas del guión y de la calidad interpretativa de los actores. Algunos momentos de “Conan, el bárbaro” que vale la pena recordar y que la han convertido en la película estandarte del subgenero de espada y brujería:

• En el minuto 23, más o menos, de película, oimos a Conan hablar por primera vez. Sentado en una mesa, le preguntan ¿qué es lo mejor de la vida?, a lo que Conan responde con un contundente “Aplastar enemigos, verlos destrozados y oir el lamento de sus mujeres”. Esto es toda una declaración de principios y lo demás son tonterias. Conan no se anda con chorradas.
• La escena de la orgía. Cuando Valeria, Subotai y Conan se infiltran en la montaña de poder para rescatar a la princesa de las garras de Thulsa Doom llegan al salón principal donde hay un amasijo de gente desnuda entregados a una orgía, mientras un cocinero revuelve y les sirve un potaje, en el que podemos ver parte de los ingredientes: manos y cabezas, humanas por supuesto.
• La crucifixión de Conan en el arbol del infortunio. Nuestro héroe bárbaro es capturado por Thulsa Doom en cierto momento de la película y es crucificado al sol en el arbol del infortunio, donde Conan se desembaraza de los buitres que quieren comerle de una manera muy propia de un bárbaro, a mordiscos.
• El principio de la película. Es simplemente brutal, poniéndote en situación y creándote muchas expectativas en apenas 10 minutos. De los primeros minutos, en los que el padre de Conan le explica quien es Crom, su dios y cual es el secreto del acero, pasamos al ataque de Thulsa Doom y su gente hasta la escena en la que la madre de Conan le protege blandiendo una espada frente al mago.
• Es una película 100% made in Spain. Así es, la película se rodó integramente en España y nuestra aportación en forma de actores fue la de Nadiuska haciendo de madre de Conan y Jorge Sanz, que afortunadamente no habla, hace de Conan niño, en el mejor papel de su carrera, sin duda.
• Su fuerza visual. El punto fuerte de la película no son los diálogos ni las interpretaciones, sino su fuerza visual, lo explicito de los combates, la ambientación de la era hyboria. Te crees que lo que ves pudo ser real, porque estos son guerreros reales, matan, decapitan, mutilan, y lo hacen sin remordimientos ni juicios morales y de una manera brutal y real. Aquí no hay grandes combates que duran 10 minutos. Espada contra espada, 4 o 5 golpes y listo. Desde luego, me parece más real que estar entrechocando espadas durante 10 minutos.

Para muestra, os dejo este vídeo que recopila algunas escenas de la película con la música de Basil Poledouris de fondo:

Y para fin de fiesta, el final de la película, con Conan sentado en untrono y la voz en off del narrador explicándonos que algún día fue rey por méritos propios  te deja con ganas de mucho más.

Si te gustan los uniformes, el ejercito, las historias de amor y la acción, “Oficial y caballero” es tu película.

Oficial y caballero: amorios militares en una academia de las duras.

“Oficial y caballero” nos cuenta la historia de Zack Mayo (Richard Gere), un recluta que se alista para ser piloto y oficial de la marina de los USA. Zack es el típico tio solitario y acostumbrado a desconfiar de todo y de todos, y desde el principio le cae mal a su sargento instructor, el sargento Foley, un auténtico doberman de tipo que se las hará pasar canutas a todos los reclutas durante su proceso de instrucción y formación. A Foley no le gusta Mayo, y se lo hace saber claramente. Durante su periodo de instrucción en la base, los aspirantes a oficiales suelen salir por ahí y mezclarse con las chicas del pueblo donde está la base, y así es como Zack conoce a Paula (Debra Winger), que al igual que casi todas las mujeres de la zona, trabaja en una fábrica, en la típica y deprimente cadena de producción. Los aspirantes a oficial tontean con todas esas chicas, pero casi ninguno quiere nada serio con ellas porque la mayoría busca “cazar a un piloto” para que les resuelva la vida. Mayo tiene que emplearse a fondo en la academia para demostrar que está a la altura y que puede soportar la presión que el sargento Foley le echa encima, ya que no soporta la faceta rebelde y solitaria de Mayo. Entre su relación con Paula, de la que se ha enamorado, y su carrera militar, Zack Mayo deberá elegir cual es su camino (¿es o no es un “Oficial y caballero”?). Hasta que tome la decisión lo pasará bastante mal durante su aprendizaje y se llevara más de una sorpresa desagradable en sus vivencias con la gente de la zona y con sus compañeros de cuartel. ¿Conseguirá Zack Mayo graduarse como piloto de la marina?, ¿su relación con Paula llegará a algo más que el típico ligoteo de turno?.

Puede que el argumento de “Oficial y caballero“, así contado, parezca una simpleza tremenda, que lo es, pero insisto en que el gran valor de esta película está en el equilibrio entre historia de amor y película de cuarteles y adiestramiento militar. Como muestra, aquí teneis una buena recopilación de imágenes de “Oficial y caballero”:

La escena inicial de “Oficial y caballero”, la llegada de los reclutas y como son recibidos por el sargento Foley es de lo mejor de la película.

Y en el otro lado, tenemos la historia de amor de Mayo con Paula, que incluye encuentros furtivos, enfrentamientos con compañeros por ella y todo lo típico de la típica relación amorosa de película made in USA.

“Oficial y caballero” está muy pero que muy bien hecha, porque aunque no tiene una gran historia ni un gran guión, sí que tiene grandes personajes y muy buen ritmo a lo largo de la película, ni se abusa de lo militar ni de lo romántico. Encima, la canción con la que termina la película, “Up where we belong”, cantada por Joe Cocker, fue un pelotazo tremendo, y de postre, “Oficial y caballero” tiene un buen montón de escenas para recordar que ya son clásicas y han sido parodiadas/imitadas hasta la saciedad, como por ejemplo:

• El principio de “Oficial y caballero”, cuando el sargento Foley (Louis Gosset Jr ganó un merecidísimo oscar por interpretar a este cabronazo) se presenta a los reclutas es simplemente memorable, sobre todo la frase que le dice al recluta Worley (que será el mejor amigo de Mayo en la escuela militar): “En Oklahoma solo hay vacas y maricones, y no veo que tú tengas cuernos, así que ¿qué eres tú?” o cuando les pone apodos a los recultas según su apellido, que en el caso de Mayo, pasa a ser “Mayo-nesa”. El rollo de apodos y acojone del sargento ha sido imitado/homenajeado en multitud de películas posteriores, como en “El sargento de hierro” o “La chaqueta metálica“.
• El contrabando que hace Mayo de hebillas y botas limpios para sus compañeros.
• Las flexiones que Mayo debe hacer en el barro.
• La presión a la que el sargento Foley somete a Mayo para que renuncie a la academia y se vaya, ya que no le considera digno de ser piloto de la marina.
• La escena de la pelea en el bar.
• Y por supuesto, la escena final de la película”, momento cumbre del amor y el romanticismo al son de la canción “Up where we belong”. Esta escena fue imitada incluso en un capítulo de los Simpsons, y eso es ya mucho. Aquí la escena del final:

Lo dicho, una película que gustará por igual a hombretones que disfrutan del cine bélico y militar y a mozas que disfrutan con una buena historia de amor, o viceversa. En cualquier caso, la fórmula amor-militar funcionó como nunca en esta película, mucho más, en mi opinión, que en “Top Gun”. Juzguen ustedes mismos.

Yo ví “E.T, el extraterrestre” en el cine, cuando se estrenó en su día, allá por 1982.

Es una de las primeras películas que recuerdo haber visto en pantalla grande, junto con “Tron” o “El retorno del Jedi”. Solo por eso esta película tiene un significado especial, aunque nunca entendí porque E.T le resultaba tan simpático a la gente. A mi me hizo gracia en determinados momentos pero vamos, que yo no me lo llevaría a casa.

E.T., el extraterrestre... mi casa, teléfono y todo eso.

El argumento de “E.T, el extraterrestre” es aparentemente sencillo: una noche, un grupo de seres alienígenas ha aterrizado en una zona boscosa de los Estados Unidos. Es de noche, y los alienígenas recorren el bosque buscando y recogiendo plantas que llevan a su nave, como si tomarán muestras de vida vegetal. Paralelamente, vemos como unos hombres aparecen con luces y camiones, buscando algo. Los alienígenas, asustados, corren para subir a su nave y escapar, pero uno de ellos, se retrasa y deben dejarlo en el planeta Tierra. El alienígena abandonado es E.T, el extraterrestre, nuestro protagonista. E.T, asustado y sin saber donde meterse huye de sus perseguidores para acabar escondiéndose en el cobertizo de la típica casa americana con jardín y cercana al bosque. En la casa vive una familia compuesta por la madre, Mary, y sus tres hijos: Michael, el mayor: Elliott, el mediano; y la pequeña Gertie. Será Elliott el que descubrirá al misterioso visitante y lo esconderá en la casa. Desde el principio E.T y Elliott tendrán una conexión especial, y Elliott expresa los sentimientos y emociones de E.T. Poco a poco el secreto de Elliott es descubierto por los tres hermanos, que se proponen un objetivo: ayudar a E.T, el extraterrestre, a regresar a su casa, y para ello deberán esconder al alienígena de su propia madre y sobre todo, de las personas que le buscan para analizarlo y estudiarlo.

Con estos mimbres, “E.T, el estraterrestre” se convirtió de un plumazo en clásico absoluto que fusionó el cine familiar con el de ciencia-ficción y que nos mostró a los alienígenas como seres llenos de sentimientos y capaces de despertar ternura y cariño a raudales, en lugar de la visión más extendida (hasta la llegada de Steven Spielberg) de unos extraterrestres que buscaban eliminarnos por la vía rápida.

Aquí el trailer original de “E.T., el extraterrestre“, en inglés eso sí:

“E.T., el extraterrestre” dejo para la historia una serie de escenas míticas, además de dar una lección de como hacer cine de entretenimiento con arte y poderío. En estos años, Steven Spielberg no tenía rival ninguno y era capaz de convertir una historia como la de “E.T., el extraterrestre” en un clásico absoluto, dejando muestra de su talento con algunas de las mejores escenas de la historia del cine moderno, como por ejemplo:

El momento en el que E.T y Elliott se encuentran. Elliott ha oido algo raro, sale al jardin a investigar y descubre a E.T entre un maizal pegándose los dos un susto tremendo. Algo con lo que Spielberg nos viene a decir que tanto miedo tiene el alienígena de nosotros, como nosotros de él.

Las bicis voladoras. Sin duda, una de las escenas más recordadas de “E.T., el extraterrestre“, imitadas y parodiadas de E.T. Hacia el final de la película, cuando Elliott su hermano y sus amigos huyen con E.T de la policía, FBI o lo que sea, el extraterrestre hace que las bicis de todos ellos vuelen para poder escapar y ayudarle a llegar a su casa.

El dedo, “mi casa”, etc… El mismo E.T tenía una serie de peculiaridades que han durado en el tiempo, como era lo de “encender” su dedo, con el que curaba las heridas, o la de veces que decía “mi casa” y señalaba al cielo diciéndonos que venía del quinto pino espacial.

E.T borracho perdido. Una escena que parece sacada de la mejor comedia americana de los años dorados de Hollywood. E.T se pone pedo perdido a base de cerveza y vemos como llega la madre de Elliott pero aunque el extraterrestre va borracho perdido por la cocina, ella no consigue verle ni una sola vez. Por supuesto, como Elliott siente lo que siente E.T, él está en clase pero también está borracho.

La lista de momentos, escenas y situaciones memorables podría alargarse muuuucho si quisieramos: la escena de Halloween, con E.T disfrazado; el momento en el que E.T enferma; la flor que refleja el estado de salud de E.T.; como se trata a los adultos en la película, ya que no se le ve la cara a ninguno de ellos, salvo a la madre de Elliott, hasta que E.T es capturado. Como digo, la película en sí es una recopilación de momentos clásicos de la historia del cine moderno.

Aquí podeis ver un resumen completo de toda la película “E.T., el extraterrestre” en apenas 4 minutos:

En la parte más negativa del éxito de E.T, se creo un nuevo subgenero, el de películas de extraterrestres tiernos y buenos acompañados de niños, una combinación que a Steven Spielberg le salió muy bien, pero que no todo el mundo es capaz de repetir. Y en la parte más cachonda, el éxito de E.T generó el que ha sido considerado el peor videojuego de la historia. Se lanzó para Atari y como querían tenerlo para Navidad y aprovechar el exitazo de la película, lo hicieron en tan solo 5 meses. El resultado fue desastroso, porque como digo, aún hoy en día es considerado el peor videojuego de la historia. Para que os hagais una idea y como detalle final, os dejo el anuncio original del videojuego dichoso….  “mi casa, teléfono”:

En “Acorralado” Sylvester Stallone se pone por primera vez en la piel de John Rambo. No sería la última.

La verdad es que hoy en día “Acorralado” no ha perdido nada de su frescura, y sigue siendo una película muy disfrutable, de acción pura y dura, pero a la vez con un mensaje claro en su argumento y con un estilo que definió la manera de hacer mucho del cine de acción que se hizo desde entonces. Volví a ver “Acorralado” hace apenas una semana y pensaba que habría quedado envejecida y obsoleta, pero para nada, sigue siendo 100% dinamita (o napalm, por aquello del Vietnam).

Acorralado, una peli de Stallone que mola.

La historia de “Acorralado” no puede ser más simple: John Rambo (Sylvester Stallone), un veterano del Vietnam, va en busca de un viejo amigo de su unidad en una zona montañosa de los Estados Unidos. Cuando le comunican que su amigo ha muerto de cáncer contraido en Vietnam, deambula hasta llegar a un pueblo en el que el Sheriff local le intercepta y le invita a que no se quede allí, ya que gente de su calaña (sucio, sin afeitar y con el pelo largo) no es bien recibida. El Sheriff se ofrece a llevarle hacia el norte, y cuando deja a Rambo allí éste se da media vuelta y vuelve al pueblo buscando un lugar donde comer. El Sheriff le detiene y le lleva a comisaria, donde le fichan, le encierran y le hacen pasar bastante malos ratos a base de bañarle a manguerazo limpio y reducirle asfixiándole, por ejemplo. Mientras es humillado por los policias, Rambo tiene recuerdos de su estancia en Vietnam y de como fue torturado. Harto y cansado de que le humillen, Rambo estalla, les da una paliza a todos los policias que le rodean y se fuga de la comisaria, robando una moto hasta que llega a un frondoso bosque del norte, donde se esconde de los policias que le persiguen. El Sheriff local, obsesionado con encontrarle, pone en movimiento a todos sus agentes para que capturen a ese hombre, del que acaban de descubrir que es un ex boina verde condecorado en Vietnam y que ahora mismo está, como dice el título de la película, “Acorralado“.

Trailer original de “Acorralado” (en inglés, “First Blood”):

En este punto solo llevamos unos 20 minutos de “Acorralado“, y el resto de lo que nos queda es el juego del gato y el ratón con Rambo. Los policias y militares quieren capturarle y Rambo pone en práctica todo lo que sabe sobre lucha y tácticas de guerra para librarse de ellos y ridiculizarlos. Los policias se ven impotentes para darle caza, más aún cuando Rambo, armado con tan solo un cuchillo, es capaz de reducirlos a todos ocultándose entre la maleza y haciendo un par de trampas con sus manos. Los deja a todos malheridos pero vivos y pide por favor que le dejen en paz, que no ha hecho nada. Pero el Sheriff local no parece dispuesto a dejarlo correr.

“Acorralado” tiene un ritmo frenético y consigue que sintamos la presión de Rambo, rodeado de personas que quieren darle caza a toda costa, como si fuera un animal.

Para rematar la faena, aparece el ejercito dispuesto a dar caza al boina verde loco, y entonces aparece el Coronel Trautman, ex jefe de Rambo, que se presenta allí no para salvar a Rambo de los que quieren darle caza sino para salvarles a ellos de Rambo.

Una de las frases más celebres de “Acorralado”, pronunciada por el el Coronel Trautman:

De principio a fin “Acorralado” tiene un ritmo muy rápido y agil, la verdad, y en ningún momento se hace ni aburrida ni lenta. Eso sí, diálogos en “Acorralado” hay pocos, porque a fin de cuentas lo que vemos en pantalla es un grupo de hombres intentando cazar a un hombre solo, pero el lenguaje visual de la película está muy bien llevado y todo queda claro y conciso, sin necesidad de palabras.

“Acorralado” nos lanza además un doble mensaje: por un lado, el de los veteranos del Vietnam, que después de dejarse el culo por su pais son recibidos como asesinos y socialmente despreciados, algo que explica muy bien el propio Rambo en su charla final con el Coronel Trautman; por otro lado, lo que “Acorralado” nos cuenta también es como los egos personales y la sed de venganza solo conducen a generar violencia sin sentido, sin cuestionarse o no si eso es necesario.

Si algo me ha llamado la atención al volver a ver “Acorralado” es que Rambo no mata a nadie en toda la película y que el personaje inspira incluso cierta ternura y pena, a fin de cuentas solo es un pobre tipo que hizo lo que debía y al que todos han dejado de lado precisamente por eso, por hacer lo que había que hacer. Seguro que si no habeis visto “Acorralado” en mucho tiempo el subconsciente os dice que Rambo se carga a un montón de gente, pero la verdad es que el único muerto que hay ni siquiera puede atribuírsele a Rambo. Y algo que me ha sorprendido, y mucho, es este final alternativo de “Acorralado”, mucho más duro y apropiado que el original, pero eso sí, menos rentable:

Lógicamente, quien decidiera tomo la decisión correcta comercialmente hablando, convirtiendo a las películas de Rambo en una de las franquicias más rentables de los 80 con dos títulos más.

“Poltergeist” es una magistral historia de terror clásico basada en el secreto que esconde la casa y lo que sucede con la joven protagonista, Carol Anne

Poltergeist. La vi en un viaje en bus y me cague de miedo.

La carta de presentación de “Poltergeist” no puede ser mejor de inicio: dirigiendo tenemos a Tobe Hooper, director de culto por ser el responsable de “La matanza de Texas”, y escribiendo tenemos al rey Midas de Hollywood, Steven Spielberg. Con estos dos de por medio, la cosa promete, y si además le metemos unos actores más que solventes y un buen ritmo en la narración pues tenemos el resultado final de “Poltergeist“: una historia de fantasmas y casas encantadas que por momentos te hace pasar muy malos ratos y que se mantiene plenamente vigente a día de hoy, casi 30 años después de haber sido parida, en gran medida gracias a su perfecta ambientación y atmósfera. “Poltergeist” triunfó de modo masivo por la forma de contar una historia que no es precisamente original pero que llegó a un público muy numeroso por su tratamiento de la historia: La familia Freeling se acaba de mudar a una urbanización nueva llamada Cuesta Verde. El padre de familia, Steven, es agente inmobiliario y ha vendido muchas de esas casas y ha decidio instalarse en una con su mujer Diane y sus tres hijos, Dana, una adolescente, y los pequeños Robbie y Carol Anne, la menor de todos. Cuesta Verde es la típica urbanización ideal de casitas americanas con su cesped y espacios libres de peligro en donde los niños pueden jugar, pero no es oro todo lo que reluce. Poco a poco, extraños sucesos inexplicables (llamados poltergeist, y de ahí el título) empiezan a ocurrir en casa de los Freeling, que comienzan divirtiendo a sus ocupantes (como la escena de las sillas que se mueven y se apilan solas) pero acaban aterrándoles cuando llegan a extermos como el ataque de un arbol a la casa y la desaparición de la pequeña Carol Anne, que parece haber sido tragada por la casa y estar en otra dimensión.

Aterrados, asustados y perdidos, los Freeling recurren a un grupo de parapsicólogos para que les ayuden a recuperar a su hija y a descubrir que ocurre en su casa y porque. Con la ayuda de este grupo, descubrirán la verdad sobre la casa en la que viven, no sin darnos un buen montón de sustos por el camino. De esto va “Poltergeist“, ¿a qué entran ganas de verla?

“Poltergeist” mantiene un ritmo muy intenso durante toda la película, y consigue que te quedes pegado a verla terminar de un tirón.

Aquí teneis el trailer (en inglés, versión original) de “Poltergeist” para que os hagais una idea de lo que os espera:

A mí personalmente, me persiguió durante años la imagen de la escena de “Poltergeist” en la que uno de los parapsicólogos decide comerse una pata de pollo y descubre un trozo de carne que se mueve y se transforma, por lo que escupe su pata de pollo y vé que está llena de gusanos. Acojonado se va al baño a lavarse, y tiene una brutal alucinación que da bastante miedito.

También se hizo mundialmente famosa la frase de “Poltergeist “que Carol Anne pronuncia mientras mira el televisor emitiendo niebla… “ya están aquíiiiiii”:

Aparte del brutal éxito de la película, hubo una gran tendencia a crear leyendas urbanas sobre “Poltergeist“, y no solo sobre la primera película sino sobre toda la serie. En total fueron tres las películas de la saga Poltergeist, pero con muchiiiiiisima diferencia la mejor es la primera sin ninguna duda. Hay una serie de historias sobre maldiciones de los actores que intervinieron en las películas de la serie, etc… pero sobre las leyendas urbanas que rodean a esta serie de pelis, las más famosas, y desgraciadamente ciertas, son:

• La niña protagonista, Heather O´Rourke, murió al finalizar “Poltergeist” y fue sustituida por un doble en las siguientes entregas. Lo que si es cierto es que Heather O´Rourke murió, pero fue tras la tercera parte de “Poltergeist” y sencillamente porque padecía la enfermedad de Crohn desde muy niña. Una enfermedad que le obligaba a tomar corticoides de forma continuada, lo que alteró en parte su aspecto y de ahí lo de que en las dos películas posteriores era una doble.
• Dominique Dunne, que intrepretaba a Dana, la hermana mayor, murió al terminar de rodar “Poltergeist“. Pues también es cierto, pero la pobre Dominique Dunne no fue víctima de ninguna maldición, sino que fue víctima de su novio, que la estranguló unos pocos meses después del esterno de “Poltergeist”, justo cuando su carrera comenzaba a despegar.

En resumen, y como viene siendo habitual en estas páginas cuando hablamos de una película, que hay que ver “Poltergeist“. No hay excusa. Es el ejemplo perfecto de película de terror mezclada con cine familiar, y ahí radica su particularidad y el que sea tan distinta a otras que la han imitado. Veras muchas parecidas, pero ninguna la supera, eso seguro.