“Cyborg” es Van Damme en estado puro. Una película de entretenimiento, tortas, acción… pura serie B que bebe de otros clásicos ochenteros.

La historia que nos cuenta “Cyborg” bebe directamente de muchos clásicos del cine ochentero y sobre todo de la saga “Mad Max” refrita con “Terminator” y algún toque de artes marciales made in Van Damme. La película nos cuenta que la Tierra está sumida en la destrucción y el apocalipsis por una plaga que se ha extendido entre la población, y en este furo apocalíptico América está sometida a una anarquía social donde el caos reina a sus anchas, con matones y personajes de todo tipo imponiendo su ley. Únicamente, la hermosa Pearl, mitad humana mitad robot, posee el conocimiento necesario para desarrollar una vacuna que pueda salvar el mundo de su situación actual. Pero Pearl es capturada por un grupo de piratas del futuro que pretenden apoderarse del antídoto y así dominar el mundo. Ahora, sólo el héroe Gibson (Jean Claude Van Damme) con su increíble habilidad para la lucha y el manejo de las armas, podrá rescatarla y salvar lo que queda de civilización enfrentándose a todo tipo de personajes… ¿o no? (currado el argumento y superoriginal, ¿eh?)

Si quereis intuir lo que os vais a encontrar al ver “Cyborg” aquí teneis un adelanto en forma de trailer:

Lo gracioso de “Cyborg” y lo que la hace atractiva como película es su cutrez (eso sí, cutrez digna, que es una serie B, pero no una serie Z) y su historia interna. Los personajes se llaman como marcas de guitarra e instrumentos: Gibson, Fender, Pearl…, los decorados son, esto, ejem, en fin, esa clase de decorados. Pero Van Damme sale victorioso de todo eso erigiéndose como el protagonista absoluto y luciendo todo su repertorio en la película.

La historia interna tiene su guasa, porque “Cyborg” se hizo para que Cannon, la productora, aprovechara el pastizal que se había gastado en disfraces y decorados para dos películas que no llegó a rodar, un film de Spiderman y la secuela de “masters del Universo”. Con tanto dinero gastado, decidieron hacer una peli, y en un fin de semana el director Albert Pyun se sacó el guión de la manga. Se gastaron 500.000 $ en la peli y recaudaron más de 10 millones a nivel mundial, así que si tenemos en cuenta que hablamos de una serie B que se gestó en un fin de semana, la palabra exitazo se queda corta.

Y sí, “Cyborg” es mala, y es olvidable, pero oye, ahí tenemos a Van Damme en su época de esplendor dorado y encima en un futuro tipo Mad Max y repartiendo a saco… ¿quien necesita más para pasar un buen rato?

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“Aventuras en la gran ciudad” es la típica comedia 80s previsible y tontorrona, pero muy disfrutable y entretenida

Lo que nos cuenta “Aventuras en la gran ciudad” es superoriginal, tenemos a Chris Parker (Elisabeth Shue), una chica que planeaba pasar una velada especial cuando su novio (el típico ultracapullo americano) la cancela. Entonces accede a hacer de niñera de dos hermanos, un adolescente (que está coladísimo por Chris) y una niña fan a muerte del superhéroe Thor, el de Marvel. Está convencida de que va a pasar una noche sosegada cuando recibe la llamada de Brenda (Penelope Ann Miller), una amiga que se acaba de escapar de casa y se encuentra acojonada perdida en medio de la gran ciudad. Para ayudar a Brenda, todos viajarán al centro de la ciudad, con algún invitado de más, y por supuesto, deberán salvar a Brenda y voler a la seguridad del hogar sin que los padres de los chavales se enteren absolutamente de nada. Así que ya os podeis imaginar lo que va a pasar aquí: carreras a lo loco, situacioens de lo más variopinto, enredos de todos los tipos y clases, y así hasta saber si los chavales son capaces de cumplir con éxito su misión, ¿lo serán?

Con esta premisa tan tontorrona,  ”Aventuras en la gran ciudad” resulta ser una película disfrutable que mezcla aventuras y comedia. Para muestra, el trailer:

A lo largo de la película, los chavales viven situaciones de lo más variado: enfrentamientos con pandilleros en el metro, colarse en un local de música negra y acabar cantando en el escenario un blues, conocer a un mecánico borde que resulta ser el doble de Thor, el superhéroe… vamos, todo lo que nos pasa a cualquiera en una sola noche.

En fin, “Aventuras en la gran ciudad” es una película disfrutable, inocua, llena de enredos y situaciones típicas, pero que cumple a la perfección su función, servir de inofensivo entretenimiento y conseguir que sonrías algún rato… lo que no es poco. Olvidable, sí, pero también entretenida.

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Ante todo, “Paseando a Miss Daisy” es la historia de profundad amistad de dos personas que vienen de dos mundos radicalmente diferentes.

La historia que nos cuenta “Paseando a Miss Daisy” es la de la Señora Daisy Werthan, una viuda judía de 72 años cuyo hijo se empeña en contratarle un chofer para que pueda desplazarse, ya que ninguna compañía de serguros quiere asegurarla. Su hijo encuentra a un hombre negro, Hoke Colburn, al que ofrece el puesto, pero inicialmente la señora Daisy se niega a recibir la ayuda de Hoke. Poco a poco la señora Daisy llega a aceptar la ayuda de Hoke y el hecho de que le necesita. La señora Daisy descubre que Hoke no sabe leer, y por su antigua profesión como maestra le enseña a hacerlo. A lo largo de los diferentes viajes que hacen, se retratan los prejuicios sociales y raciales de la época. En la película aparecen reflejados momentos históricos de gran importanica, como el discurso de Martin Luther King en Atlanta y otras efemerides muy conocidas. Con el paso de los años y la edad, la señora Daisy deberá verse obligada a vivir en un asilo ante la imposibilidad de vivir sola, pero aún así Hoke seguirá visitándola y juntos recordarán los años y experiencias vividas que ha convertido su relación en algo realmente especial.

Para muestra de lo que os podeis encontrar en “Paseando a Miss Daisy” aquí teneis su trailer original:

La película es la adaptación al cine de la obra de Alfred Uhry Driving Miss Daisy, que fue ganadora del premio Pullitzer, y además, en los Oscar del 89 resultó ganadora en varias catetgorías, incluyendo mejor película y mejor actriz, para Jessica Tandy. La verda es que el duelo de interpretaciones de Morgan Freeman y Jessica Tandy es ejemplar y consituye la verdadera fuerza de una película que hay que ver por lo menos una vez.

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“Tron” supuso un paso arriesgadísimo de Disney. Una película enfocada a un público adolescente y adulto con temática de ciencia ficción y visualmente rompedora… y arriesgada

Cuando termino aquella sesión de cine, hubo imágenes de la película que se me quedaron grabadas a fuego en el cerebro por su potencia visual, uno de los más grandes atractivos de esta arriesgadísima película de Disney, que dibujo un nuevo panorama en los efectos especiales y en la estética de las películas.

“Tron” nos cuenta la historia de Kevin Flynn (Jeff Bridges), un brillante y joven programador, lleno de ego y que se cree superguay, que ve como Dillinger, uno de los ejecutivos de la empresa en la que trabaja le ha robado la autoría de muchos de sus juegos y programas. Como no puede demostrar que las cosas han sido así, debe abandonar la compañía y acabar trabajando en un salón de videojuegos, aunque con la ayuda de excompañeros suyos de trabajo, consigue volver a infiltrarse en la empresa para acceder a cierta información y porque además están probando un nuevo sistema de seguridad. De repente Flynn es absorbido por la computadora de la compañía, pasando a existir en un mundo virtual donde los programas tienen el aspecto de sus creadores y donde deben defenderse del sistema. Inicialmente Fynn es confundido con “Clu”, un programa que el mismo creó, y se lanza a buscar a “Tron”, un programa de ayuda al usuario para intentar volver al mundo real y demostrar la culpabilidad de Dillinger. Para ello, deberá sortear todo tipo de situaciones en este mundo digital que le es ajeno.

Cuando acabé de ver la película en el cine, siendo un crio, estaba flipado por los colores, por la estética, por todo lo visual (las motos de luz, los malos de color rojo…), pero no entendí absolutamente nada del argumento ni de la historia… pero no importaba… a pesar de no entender de que iba la película, “Tron” se hizo un hueco en mi corazoncito por su fuerza visual, que solo se comprende viendo la película y situándola en su contexto. Aquí, en esta peli, y en 1982 vemos los primeros intentos de animación digital, y un juego de colores y una fuerza visual basada en el contraste que no ha vuelto a repetirse.

Para muestra de la fuerza visual de la película “Tron”, echadle un ojo a su trailer:

Aunque solo sea por la estética y la innovación que supuso “Tron” para su época, vale la pena echarle un buen vistazo… probablemente Disney se adelanto muchos años con esta peli, que se entiendo mucho mejor hoy que hace casi 30 años, cuando fue creada.

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“Depredador” es una película redonda, plagada de escenas míticas y que vió nacer a una criatura que daría mucho que hablar (y más películas)

La historia que nos cuenta “Depredador” es, de inicio, más simple que el mecanismo de un chicle: un comando de mercenarios liderado por el carismático Dutch (Schwarzenegger) es contratado por la CIA para rescatar a unos pilotos apresados por la guerrilla en el típico pais de la selva centroamericana. La misión es un éxito (aunque únicamente consiguen rescatar a una chavala que hace de florero durante toda la película), y los mercenarios machacan a los locales (hasta aquí tenemos la típica película de guerra en jungla) pero durante el viaje de regreso se dan cuenta de que algo invisible está dándoles caza uno a uno. Ese algo resulta ser un cazador alienígena provisto de increibles habilidades y cacharrillos de caza varios que se queda con las calaveras de sus víctimas como trofeos. Desde aquí, la película vira a un estilo que cruza la ciencia ficción y la acción pura y dura. Los mercenarios deberán enfrentarse a semejante bestia con los pocos recursos que tienen… ¿conseguirán detenerle?

“Depredador” fue un taquillazo y dió a conocer a una de las crituras más carismáticas del cine, el predator. Aquí podeis ver su trailer:

La película está llena de acción a raudales, a un ritmo trepidante, y el “Depredador” pasa a ser el protagonista principal desde su primera aparición hasta el final. Además, tenemos a un grupo de tios hipermusculosos que no dejan de decir macarradas y frases de esas para el recuerdo, del estilo de “no tengo tiempo para sangrar”.

En resumen, “Depredador” es un clásico moderno y ochentero que no debes perderte

Y oye, si ya la has visto, pues la puedes volver a ver porque vale la pena.

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El precio del poder (Scarface) nos descubrió a Tony Montana, un antiheroe en toda regla, en esta historia de mafia, poder, criminales y venganza

Desde luego es una película con una capacidad de sorpresa e impacto visual de primer nivel, en la que la violencia se muestra muy crudamente y donde los personajes tienen un atractivo que hace que te olvides de que, en realidad, son auténtica escoria. Todo eso y algo más os encontrareis en “El precio del poder”.

La película nos cuenta la historia de Tony Montana (Al Pacino) y Manny Ray (Steven Bauer), dos presos cubanos a los que el régimen de Fidel Castro ha permitido exiliarse en los Estados Unidos. En la ciudad de Miami se integran en el clan del narcotraficante Frank López, organización en la que Montana asciende poco a poco hasta terminar enfrentándose a su propio jefe con el resultado que podemos imaginar. La novia de éste, llamada Elvira (Michelle Pfeiffer), se convierte en el objeto de deseo de Tony, quien acabara casándose con ella en una relación amor-odio de primer nivel. “El precio del poder” es un remake del “Scarface” de Howard Hawks por parte de Brian de Palma y Oliver Stone como guionista, que se ocuparon de actualizar y renovar el clásico de Hawks, convirtiéndolo a su vez en un nuevo clásico que hoy día casi roza la categoría de icono y donde hay míticas secuencias que han quedado ya como clásicos modernos en la retina de muchos espectadores.

“El precio del poder” es una película que a pesar de tener ya casi 30 años y ser un remake no ha perdido valor si no más, al contrario, ha ganado en calidad con unos perfectos y brillantes acabados que la primera versión, quizás por la época, no tuvo, y las presentes no consiguen.

Brian de Palma se alejó por aquellos tiempos del cine hichcockniano para pasarse a un cine que daría de que hablar: una película épica posmoderna sobre gángsteres, casi diría que un precursor de Tarantino en la forma de mostrar la violencia de una forma muy cruda. Una verdadera obra maestra del cine de los últimos 40 o 50 años con una capacidad de impactar visualmente que no está al alcance de cualquiera.

De postre, uno de los trailers origindales de 1983 de “El precio del poder”:

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Pero es que la historia de la película “El Ente” está basada en un hecho real documentado

Sí, sí, como siempre, la realidad supera a la ficción y “El Ente” se convierte en una película que da más miedo aún, si cabe, al saber que se basa en una historia real vivida por una mujer llamada Doris Bither (en la película, Carla Moran). En esta película, los efectos especiales son lo de menos, y apenas hay, lo realmente aterrador es la historia en sí y el sufrimiento de esta mujer y su familia ante semejante situación.

En “El Ente”, la película, se nos cuenta la historia de esta mujer y su tortura, que comienza mientras realiza unos cursos de mecanografía, cuando en ausencia de su novio, Carla Moran (Barbara Hershey) debe hacerse cargo de sus dos hijas, Kim y Julie. Carla apenas puede contar con la ayuda de su hijo mayor Billy, más preocupado por sus cosas. Después de una dura jornada, Carla trata de descansar pero unos extraños fenómenos se producen en su casa, percibiendo la presencia de un ente que no tiene forma definida. Su hijo piensa que Carla pasa por una difícil etapa y cree que se está volviendo una persona desequilibrada, con una serie de alucinaciones. Después de pasar una noche en casa de una amiga, Carla regresa a su hogar, aún a sabiendas que la amenaza sigue allí… Carla acude a la consulta del psiquiatra Phil Sneiderman en busca de respuestas a su actual situación, ya que es continuamente atacada y violada por el ente, pero nadie la cree, aunque finalmente todos serán testigos en primera persona de su terrible situación, cuando finalmente decidan ayudarla creando un entorno especial para ella con el objetivo de capturar al ente.

Para que os hagais una idea de lo que os espera en la película, aquí teneis el trailer original de “El Ente”:

En su momento, “El Ente” debió acojonar lo suyo (y aún lo hace): no es nada complaciente, la banda sonora añade al film una tensión permantente, los efectos especiales están bien logrados y en la mayoría de las escenas aplicados con criterio, sin ningún tipo de abuso ni sin sustituir a la historia. Pero sin duda, el punto fuerte del film de Sidney J.Furie es la magnífica interpretación de Barbara Hershey.

“El Ente” es una película sobria, que expone de forma aterradora y realista la relación de una mujer acosada por una fuerza paranormal con su familia, unos psiquiatras y un grupo de parapsicología de la facultad. De esas pelis que cuando acabas de verlas miras de reojo la habitación, por si acaso…

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Un hombre lobo americano en Londres es sin duda una de las mejores películas sobre licantropos de la historia que ademas combina humor y terror magistralmente

¿Pero de qué va “Un hombre lobo americano en Londres”? Pues para los que no lo sepais, la película nos cuenta la historia de David y Jack, dos jóvenes americanos que, con sus mochilas a cuestas, han decidido pasar tres meses recorriendo Europa. En Inglaterra, en una zona rural desolada, la gente les da unos consejos escalofriantes: “no os apartéis del camino y no os acerquéis a los páramos”, “cuidado con la luna”. Cuando los jóvenes emprenden la marcha en la oscuridad, oyen un aullido terrorífico procedente de los páramos, pero no saben que los persigue una bestia legendaria sedienta de sangre, cuyas víctimas se convierten en muertos vivientes que deben vagar por la Tierra eternamente; en cambio, quienes escapan con vida tienen reservado un destino diferente y que le da todo el sentido al título de la película, “Un hombre lobo americano en Londres”.

Para muestra, y aunque es un poco spoiler, os dejo la escena de la transformación a hombre lobo, porque es sencillamente uno de los puntos más álgidos y recomendables de “Un hombre lobo americano en Londres”:

La transformación en hombre lobo, realizada por el equipo de efectos especiales comandado por Rick Baker a ritmo de Bad Moon Rising de Creedence Clearwater Revival, fue para los espectadores de la época toda una conmoción, habiéndose ganado por derecho propio el calificativo de icono cultural, aparte de que a fecha de hoy no ha sido superada en cuanto a atmosfera y credibilidad por ninguna de las que han venido después. Además de la famosa transformación, también somos testigos de la progresiva putrefacción de las víctimas del hombre lobo, que se le aparecen repetidamente a lo largo de la película, por poner solo algún ejemplo.

Esta película marcó un hito en su día por el tratamiento de la historia y los efectos visuales. A ratos terrorífica, a ratos casi paródica, tiene un equilibrio y una capacidad de sorpresa y un ritmo inmejorables. Definitivamente “Un hombre lobo americano en Londres” merece de vez en cuando una revisión y te garantiza pasar un muy buen rato (incluyendo acojonarse un poco)

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Pero empecemos por el principio. En 1984, James Cameron era un joven director de 30 años que tenía como experiencias dirigiendo el corto “Xenogenesis”, en 1978, y la horrorosa “Piraña 2: los vampiros del mar”, en 1981. En estas que en 1984 el amigo James salta a la fama absoluta por dirigir “Terminator“, una película aparentemente de serie B protagonizada por uno de los cachas ochenteros por excelencia, Arnold Schwarzenegger, hiperfamoso en aquellos años por haber protagonizado las dos entregas de Conan en el cine, “Conan el bárbaro” y “Conan el destructor”.

Terminator, parece humano, pero no lo es, como Belén Esteban.

“Terminator” cambiaría en poco tiempo las vidas de ambos y la de casi todos los que participaron en esta película violenta, futurista y dura, donde los buenos modos no tienen cabida y donde lo oscuro campa a sus anchas. Esta película sentó las bases de un moderno cine de acción y ciencia ficción: más realismo, más dureza y menos elementos amables en una historia clásica, que en momentos parece un western, pero contada de una forma radicalmente nueva. Por si alguien no lo sabe esta historia mitad ciencia ficción mitad acción salvaje cuenta lo siguiente: en el futuro, la humanidad vive dominada por las máquinas, que se han apoderado del mundo lideradas por Skynet, una computadora que casi ha doblegado por completo a la raza humana, pero un grupo de humanos resiste y combate a las máquinas, liderados por John Connor. Para eliminar a John Connor, Skynet envía a un Terminator, un cyborg, una máquina con aspecto humano, al año 1984 para matar a Sarah Connor, la madre del futuro lider de la resistencia y así borrar a éste de la existencia. Pero la propia resistencia, que conoce los planes de Skynet envía a un salvador, Kyle Reese, que deberá destruir al Terminator y proteger a Sarah Connor para que ésta no sufra ningún daño.

“Terminator” es la combinación perfecta de acción, ciencia-ficción, suspense y algo de terror, fusionando de manera magistral todos esos géneros.

Este es el punto de partida de “Terminator“, que empieza con la llegada al presente, a 1984, del Terminator (Schwarzenegger) y de Reese, ambos en pelota picada. Los dos intentan localizar lo antes posible a sarah Connor, uno para matarla, el Terminator, y el otro, para protegerla, Reese. La película es una oscura persecución de ambos buscando a Sarah Connor y persiguiéndose entre sí para ver quien consigue su objetivo antes. Todo esto ante una alucinada Sarah Connor, que no puede creer que ella sea la llave de la esperanza del futuro para la raza humana.

Sin querer desvelar muchos detalle de la película, que hay que verla o es que vives en otro planeta, sí que llaman la atención muchas cosas. No solo la historia, sino más bien la manera de contarla, haciendo protagonista a una máquina de matar sin ningún sentimiento. Prácticamente toda la película transcurre de noche, y hay decenas de escenas y situaciones que han pasado a la historia del cine moderno, como por ejemplo la mecánica que sigue el Terminator para eliminar a Sarah Connor. Como no sabe quien es ni que aspecto tiene, se limita a seguir la guía telefónica e ir “visitando” a todas las Sarah Connor que encuentra. También ha hecho historia el famoso “Volveré”, que el Terminator le dice a un policia cuando éste no le permite pasar al interior de la comisaria. Y por supuesto, el final, que es de traca e infarto…

A mí personalmente, las cosas que más me impactaron de “Terminator” en su día fueron:

• Los efectos especiales. Son pocos y podrían ser mejores, pero están muy muy bien para la época. Especialmente memorable es el final, con el Terminator en todo su esplendor metálico o la escena delante del espejo en la que el Terminator nos deja ver parte de su cara metálica.
• La escena de la discoteca. No es de las más famosas, pero no sé porque me enccanta. el Terminator andando tranquilamente por una discoteca ochentera rodeado de bailongos y en busca de su presa: Sarah Connor.
• La llegada del Terminator. Totalmente desnudo, nuestro querido Terminator se dirige hacia unos punks en busca de ropa para vestirse. Los pobres desgraciados cometen la imprudencia de llevarle la contraria… mala decisión.
• Los flashbacks de Reese sobre el futuro. Verdaderamente no son Flashbacks, pero a lo largo de la película Reese sueña varias veces con su vida en el futuro, como soldado a las ordenes de John Connor y luchando contra las máquinas. Un futuro negro, polvoriento y decadente en el que la raza humana es una especie en vías de extinción.

Creo que todos hemos visto “Terminator” por lo menos un par de veces, pero desde luego si está en un día aburrido y no sabes muy bien que hacer siempre es una buena opción. Para refrescaros la memoria, unos cuantos vídeos:

Trailer de más de 3 minutos de 1984 de Terminator:

La famosa escena del “volveré”, en español:

La escena de la armería en español, así va un Terminator de compras:

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En “La jungla de cristal” Bruce Willis se convirtió por primera vez en John McClane, ese policía irónico y cabroncete que le lanzó al megaestrellato.

La jungla de cristal, la película que convirtió a Bruce Willis en héroe de acción.

“La jungla de cristal” comienza mostrándonos como John McClane llega a la ciudad de Los Angeles procedente de Nueva York. Es un policía que viene a reunirse con su mujer en la fiesta de Navidad que se celebra en la empresa donde ésta trabaja, y cuya sede está en el Nakatomi Plaza, un edificio de oficinas que aún no está terminado (de ahí lo de “La jungla de cristal”, aunque el título original “Die Hard” es más traducible como “Duro de matar”). Nuestro amigo John se va para allá, a ver con qué se encuentra porque se nos da a entender que la relación son su mujer está muy deteriorada. Cuando llega, conoce a algunos compañeros de Holly, su mujer, y se encuentra con ella: charlan a solas en un baño mientras John se refresca, y empiezan a discutir… ella sale del baño porque la reclaman para dar un discurso en la fiesta, y es en ese momento cuando unos terroristas se apoderan del edificio. Han pasado 18 minutos desde que empezó la película y ya están todas las cartas sobre la mesa: el edificio entero cerrado a cal y canto por unos terroristas y todo el personal que trabaja en el Nakatomi Plaza recluido y amenazado por los terroristas salvo uno, John McClane, que al oir los disparos y el follón, se escabulle del baño vestido con un pantalón y una camiseta blanca de tirantes y sin zapatos y huye con su arma reglamentaria hacia los pisos superiores, desde donde intentará pedir ayuda y “ocuparse” de los terroristas. Aquí es donde realmente empieza “La jungla de cristal“.

En “La jungla de cristal” la acción es la verdadera protagonista de la película. Toda la historia está articulada para presentarnos una serie de situaciones de acción pura y dura a cual más intensa.

Desde este momento la película se convierte en lo que todos sabemos que es: un carrusel de acción, mamporros, tiros y golpes en el mejor sentido de la palabra, y todo salpicado por la ironía y los chistes de John McClane, capaz de bromear en más de una ocasión con los tios que están intentando matarle. Y este fue el gran acierto de la película en mi opinión, porque lejos del típico héroe de acción justiciero, John McClane es un tio cargado de mala leche, ironía y una elevada dosis de humor cabrón, algo que se demuestra cuando bromea con los nombres de los terroristas o en sus conversaciones con el sargento Powell, un policía del exterior del edificio con el que consigue contactar. Además, vemos a John McClane usar por primera vez (luego lo hará en todas las secuelas) su famoso chascarrillo “yippie-kay-yay, hijo de puta“. Veámoslo aquí en versión original:

Desde el punto de vista de la acción, “La jungla de cristal” es una película impecable. Desde el momento de la entrada de los terroristas en el edificio Nakatomi Plaza, el ritmo de la película es trepidante y no decae en ningún momento, estando muy bien estructurada y llevándonos hasta el desenlace final en un estado de tensión máximo, en el que conocemos las verdaderas intenciones de los terroristas. Probablemente, “La jungla de cristal” sea una de las mejores películas de acción de los últimos 25 años, y desde luego se nota que hay un trabajo de guión y dirección, porque aquí toda la acción la llevan los personajes, y no hay nada de grandes efectos especiales a lo loco.

Aquí os dejo los que yo recuerdo como los mejores momentos de “La jungla de cristal“, sin desvelar demasiado para aquellos que no la hayais visto aún:

1. La escena de los cristales. Como ya sabeis, McClane huye descalzo cuando entran los terroristas y a lo largo de la película tarda en poder calzarse, primero porque no encuentra botas o zapatillas de su número (ese es el tipo de humor que reina en esta película) y luego por lo que le pasa con unos cristales que le dejan en el camino y que el pobre John tiene que sacarse en un baño.
2. Como llamar la atención de alguien. En un primer momento McClane intenta que la policía venga en su ayuda, pero las comunicaciones están cortadas y el tema no es fácil. Un policía, el sargento Powell, entra en el Nakatomi después de que McClane haya activado la alarma de incendios, pero como no ve nada raro, se marcha. Viendo que su única posibilidad se va, John McClane se las ingenia para llamar su atención de una forma muy espectacular, lanzando una cosita por la ventana. Si quereis saber que es, a ver “La jungla de cristal” tocan.
3. Los nombres de los terroristas. La forma en la que McClane se cachondea de los terroristas y apunta sus nombres para luego jugar con las relaciones entre ellos es también de traca. Algo muy sencillo pero muy bien planteado en la película.
4. El tiroteo en la mesa de reuniones. Una de las escenas de tiros más potentes transcurre en una larga mesa de reuniones en la que McClane juega al ratón y al gato con un terrorista.
5. La escena de la manguera. Una auténtica joya de la pirotecnia y las explosiones. Lo que te puede ayudar una manguera cuando todo parece que vaya a saltar por los aires solo lo sabe John McClane.

Desde luego, “La jungla de cristal” es una de las pocas películas de acción de los últimos años (aunque ya tenga más de 20 años) que recomendaría a cualquiera, y lo cierto es que no solo se conserva estupendamente sino que es muy pero que muy válida hoy en día y desde luego objetivamente mejor que la mayoría de cintas de acción del siglo XXI, más basadas en los efectos y las pirotecnias barrocas que en una buena historia y unos buenos personajes.

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