“Maniquí” es la típica comedia tonta de los años 80, con todos los defectos y virtudes que eso supone.

La historia que nos cuenta “Maniquí” es de traca y pandereta. La película comienza enseñándonos el antiguo Egipto, donde una mujer, Ema (Kim Cattrall) se queja a su madre de que queiren casarla con hombres que no le interesan y que además ella quiere vivir su vida, y le pide a los dioses que no permitan que su vida sea esa, así que los dioses le conceden esa oportunidad, y Ema desaparece, literalmente. Luego aparecen los créditos iniciales de la película, en formato de dibujos animados, que nos dan a entender que nuestra protagonista pasa por todos los momentos de la Historia. Y así llegamos a la época actual, en la que vemos a un joven escultor, Jonathan (Andrew McCarthy), que trabaja en una fábrica creando maniquíes y que está orgullosísimo de su última creación, un maniquí perfecto. Como el chaval se dedica a convertir cada maniquí en una pieza de arte y es muy lento, pierde el trabajo, y vemos como deambula de trabajo en trabajo, siempre aportando una visión artística y perdiendo el trabajo: desde jardinero a pizzero. Su novia, una ejecutiva agresiva, no comparte su visión romántica y artística de la vida y le reprocha su poca estabilidad continuamente.

Al final, el amigo Jonathan consigue trabajo en unos grandes almacenes en decadencia gracias a salvarle la vida a la dueña, y empieza a trabajar de mozo de almacen, pero resulta que allí, en esos almacenes, está el maniquí perfecto que él ha creado, así que se pone a diseñar un escaparate y de repente, el maniquí cobra vida, con el cuerpo y forma de Kim Cattrall.

Resulta que el maniquí, de nombre Ema, o Emmy, como la llama Jonathan, solo es visible a sus ojos, por la maldición egipcia que le cayó encima. Juntos entablan una relación que da lugar a un montón de embrollos. Jonathan consigue relanzar a los grandes almacenes gracias a sus escaparates, diseñados entre él y Ema, que entablan una relación de dudoso futuro, ya que ella es un maniquí, no lo olvidemos.

Mientras tanto, la competencia intentará descubrir el secreto del chaval, y para ello utilzara espias (el jefe de seguridad de los grandes almacenes, más tonto que un pan) y todo tipo de tretas, siendo el climax de la película el secuestro del maniquí para impedir que Jonathan siga llevando clientes a los grandes almacenes gracias a sus increibles escaparates.

El problema con “Maniquí” es que toda la película nota mucho el paso de los años. El argumento no se desarrolla para nada, y nunca sabemos la historia de Ema o porque le cayó la maldición, y todo se basa en los tontísimos gags de la pareja protagonista en el centro comercial (escenas de la pareja bailando como locos; la pareja pillada besándose, y como los ven más personas, Ema es un maniquí; los líos que se montan otros personajes al oir a Jonathan hablando con alguien y cuando llegan siempre está solo con un maniquí), la mayoría provocados por el hecho de que Ema solo se mueve cuando solo la mira Jonathan, por lo que le pillan besando a un maniquí, durmiendo con él, etc. y la gente piensa que está loco.

Aquí podeis ver el vídeo musical del tema principal de la película “Maniquí”, “Nothing gonna stop us now”, de Starship, un exitazo ochentero, salpicado de imágenes de la película. Os ayudará a haceros una idea de a lo que os enfrentais:

Para colmo los personajes secundarios de la película son típicos y acartonados como pocos: el jefe de seguridad tonto a más no poder (y que tiene perros con nombres como Rambo o Terminator), el directivo malo malísimo (encarnado por un James Spader repeinado hasta el asco), el escaparatista profesional, el insufrible Hollywood Montrose, un gay negro con todos los peores tópicos del género (vestido con colores chillones, siempre gritando, etc.).

Los gags de la película tienen muy poca gracia, la verdad, y si soportas verla es por todos sus tics típicamente ochenteros, empezando por la ¿música? y terminando por el vestuario. De todas formas, se ve con cierto cariño, porque recuerda una época en la que muchas comedias solo pretendían arrancar un par de sonrisas al espectador, sin ninguna pretensión más. Aquí no hay lugar a ninguna reflexión ni a nada que no sea entretenimiento palomitero fast-food puro y duro. Aún así, no se salva ni queriendo: un argumento y un desarrollo tan simplones no llenan los 80 y pico minutos que dura, hasta se te hace larga y todo. Aquí tenemos un vivo ejemplo de lo mal que le sienta el tiempo a una película cuando no tiene una base sólida.

En “Una pandilla alucinante” tenemos una película que cruza el género de monstruos con las películas de grupos de chavales.

Esta curiosa mezcla es lo que nos ofrece “Una pandilla alucinante”, un cruce imposible entre las películas de monstruos con las películas protagonizadas por grupetes de chavales, donde no faltan todos los tópicos: en la pandilla hay un listo, un gordo y un macarra, como debe ser. Pero bueno, ¿de qué va “Una pandilla alucinante”?.

“Una pandilla alucinante” comienza con un flashback hace 100 años, donde vemos a Van Helsing combatiendo a Drácula en un castillo. Una joven recita junto a Van Helsing unas palabras y se abre un vórtice dimensional que absorbe a todos los del castillo. Acto seguido pasamos a la actualidad, donde vemos el típico instituto americano de ciudad pequeña típica americana y conocemos a unos chavales de entre 12 y 14 años calculo que son colegas y se pirran por las películas de monstruos y por todos los temas filosóficos que les rodean (como por ejemplo las formas de matar a un vampiro o si el hombre lobo tiene pelotas o no), y se llaman a si mismos “La pandilla del monstruo” (que es la traducción literal de “The monster squad”, el título original de la película). En la pandilla tenemos al típico líder, Sean, que luce a lo largo de casi toda la peli una camiseta con la frase “Stephen King rules” (Stephen King manda); el Cebao, u Horace, que es el típico chaval gordete y graciosete; Patrick, el colega de Sean y el último que se apunta a la pandilla, que es Rudy, el chungo, porque va en bici con chupa de cuero, fumando, con gafas de sol y calcetines blancos, con un par. Para mi, Rudy el mejor. Todos ellos forman “Una pandilla alucinante”.

El caso es que sin ninguna explicación, con un absurdo argumental tremendo, el diario original de Van Helsing, va a parar a manos de Sean, ya que sus padres lo han comprado en un anticuario y se lo regalan a su hijo, que no puede leer el diario porque está en alemán.

En otro giro argumental absurdísimo pero muy cachondo, vemos como el ataud del conde Drácula, junto con una caja que contiene a Frankenstein van en un avión, que oh casualidad, aterriza en la ciudad de los chavales, donde para más inri, hay una exposición egicpcia y también un tipo en una comisaria que dice ser un hombre lobo.

Antes de seguir aquí teneis el trailer en castellano  de “Una pandilla alucinante”:

En resumen, ya tenemos a todos los monstruos clásicos en la ciudad de los chavales, el diario de Van Helsing también está allí, ¿qué nos falta?, un extraño amuleto que también aparece en una casa del pueblo como por arte de magia. Con todo este batiburrillo, resulta que hay gente que empieza a morir víctima del conde Drácula, de Frankenstein, de la momia, del hombre lobo y del monstruo de la laguna negra, que mira, también pasaba por allí.

Al final los chavalines descubren gracias a un vecino aleman (que casualidad, un diario en aleman y tienen un vecino aleman) que lo que pasa es que cada 100 años el mal tiene la oportunidad de conquistar La Tierra, y una virgen debe recitar un conjuro para enviar a los seres malignos al limbo y que permanezcan otros 100 años allí, más o menos.

¿Y qué hace la pandilla del monstruo? Pues responsabilizarse de acabar con el mal y salvar a la humanidad, ahí es nada, el futuro del planeta en manos de 4 imberbes y un viejete alemán.

Como podeis ver, el argumento es demencial y no tiene ni pies ni cabeza en muchos casos, pero la película es un entretenimiento puro y duro que encima ha aguantado bastante bien el paso del tiempo, puede que por los monstruos creados por Stan Winston o por que a pesar de su aparente inocencia, es una película muy bien concebida para entretener. Es una película llena de clichés y giros muy predecibles, pero la verdad es que tiene un encanto especial y un buen montón de secuencias para el recuerdo, como las conversaciones sobre como acabar con los monstruos, las escenas en las que hacen las balas de plata (como si lo pudiera hacer cualquiera) o las secuencias en las que los jovenzuelos se enfrentan a cada uno de los monstruos.

En realidad, la película es un vehículo de entretenimiento muy bien hecho, con el único fin de divertir al público mezclando dos cosas con mucho tirón en la época: las pandillas de chavales y los mostruos de cine.

Así que ya sabeis, ha llegado el momento de que os senteis a que los protagonistas de “Una pandilla alucinante” os ayuden a resolver grandes enigmas del mundo moderno, como si el hombre lobo es capaz de conducir un coche. A disfrutarla.

“El sentido de la vida” fue la cuarta y última película de los Monty Python originales.

Monty Python se ofrecen en esta película a desvelarnos el sentido de la vida.

Si no habeis visto “El sentido de la vida” es bastante dificil explicar de que va esta película, porque precisamente trata de lo que dice el título, de desvelar el sentido de la vida, ¿por qué estamos aquí?, ¿de donde venimos?, ¿a dónde vamos? y todas esas grandes cuestiones filosóficas, ahí es nada, y encima en un tono de comedia irónica y surrealista. Para arrojar luz sobre semejante tema, los Monty Python nos proponen un viaje a través de la vida, desde el nacimiento hasta la muerte, pasando por diferentes etapas de nuestra existencia que a su vez se dividen en varios sketches. Es decir, “El sentido de la vida” no tiene un hilo argumental común sino que son una serie de sketches entrelazados para que descubramos “El sentido de la vida”. Eso sí, la mala lecha, la ironía, el surrealismo y un humor absurdo y ácido campan a sus anchas por toda la película en una serie de sketches que han hecho historia, como el del restaurante, la donación de órganos o el número musical de la familia católica, “cada esperma es sagrado”.

Hoy en día, casi 30 años después de haber sido estrenada, “El sentido de la vida” mantiene toda su mala leche y toda su validez.

“El sentido de la vida” comienza con una introducción en una pecera y con una animación que es muy recomendable de ver y que contiene los títulos de crédito iniciales. Antes de la introducción algunas versiones de “El sentido de la vida” incluyen un cortometraje que enfrenta a dos compañías de seguros como di fueran barcos de piratas, pero ya digo que no está en todas las ediciones de la película.

Aquí podeis ver los títulos inciales de la película, muy recomendables, en castellano:

Después de los créditos, empieza lógicamente la película, y lo hace con el segmento titulado “El milagro de la vida” que contiene dos sketches, el primero, en el que una mujer da a luz en un quirofano muy particular y saturadísimo de gente y el segundo, en el que una familia católica tradicional de 63 hijos debe decidir que hacer para salir adelante después de que el padre de familia se quede en paro.

El número musical que acompaña a este sketch de “El sentido de la vida”, que se titula “Cada esperma es sagrado” es impagable.

Un número musical bruto, irónico, irreverente y que se mete con el catolicismo más radical de una forma bastante original y musical. Para los que no lo conozcais o querais volver a verlo, aquí teneis el número musical “Cada esperma es sagrado” en castellano:

Tras estos dos sketches llega la segunda parte “Crecimiento y aprendizaje”, que también contiene dos sketches para representar esta fase de la vida. El primer sketch se desarrolla en una escuela tradicional mientras se celebra el oficioso religioso, y el segundo, y más recordado, es en una clase de adolescenets en la que un profesor (John Cleese) les explica, literalmente, como un hombre y una mujer conciben un hijo, utilizando a su propia esposa para el ejemplo práctico, como se puede ver en este vídeo:

La tercera parte de la película “La guerra” (o algo así) también tiene dos sketches que hablan de la guerra y de como nos comportamos las personas en ese entorno. El primer sketch está ambientado en la I Guerra Mundial y el segundo en la guerra de los británicos contra los zulús del siglo XIX. Ambos sketches son bastante buenos, pero en el segundo se ironiza y mucho sobre la flema británica de los oficiales, que no pierden la compostura por nada, ni aunque pierdan una pierna.

Llegados a este punto de “El sentido de la vida” hay un sketch titulado “La mitad de la película” que es precisamente eso, la mitad de la película, y que contiene una invitación a participar en un juego y además una serie de marcianadas tremendas (muñecos de elefantes azules, habitaciones marcianas), etc.

La cuarta parte es “La edad media” (la crisis de los 40, vamos), de un único sketch, y en el que una pareja americana de mediana edad está en un hotel de vacaciones con una ambientación entre hawaiana y de mazmorra medieval. La pareja va a cenar y elige entre un menú de conversaciones que les ofrece el camarero.

La quinta parte “Transplantes de órganos vivos” es burra a más no poder, y casi roza el gore, ya que vemos a dos enfermeros que se presentan en casa de un matrimonio para exigirle al marido la donación de su hígado. El marido responde que lo está utilizando, a lo que los enfermeros replican, “no sea egoista hombre”, para acto seguido proceder a extirparle el hígado de forma muy explícita, ante el asombro de su mujer, a la que se llevan a un número musical sobre las maravillas del universo. Parece y es surrealista, y aquí lo pueden ver ustedes:

La sexta parte “Los años del otoño” contiene dos sketches, el primero es un número musical, y el segundo, yo creo que es el sketch más conocido de esta película, en el que un hombre gordísimo va a un restaurante de lujo a comerse toda la carta, mientras vomita encima de los camareros, maitres y demás. Finalmente, cuando está lleno a  más no poder, el maitre le invita a comer una chocolatina muy muy fina, con lo que consigue que el cliente, literalmente, explote. Hay que verlo (aquí están los dos sketches en versión original y subtitulados al castellano), un clásico no apto para todos los estómagos:

La séptima y última parte de “El sentido de la vida” es “La muerte” que también tiene número musical y un sketch, y luego llega “El final de la película”, un poco menos surrealista que “La mitad de la película”. Y se acabó.

El humor de “El sentido de la vida” no es fácil ni es una película pensada para que cualquiera la disfrute. Es un humor muy de mala leche, muy de ironía y muy de tomárselo todo a coña. Me figuro que cuando la película se estrenó levantaría unas cuantas ampollas por como se descojona de las religiones o por el uso del gore en algunos sketches. Desde luego, la película es para verla, aunque solo sea porque ofrece algo diferente, algo nuevo y una forma de ver la vida entre lo absurdo y lo surrealista, y se agradece que haya puntos de vista diferentes. Desde luego, es una película a la que el tiempo no parece afectar para nada y que conviene volver a ver de vez en cuando.

“Todo en un día” está hecha con un único objetivo: entretener y arrancarte unas cuantas risas. Ni más ni menos.

Todo en un día, las aventuras de Ferris Bueller

“Todo en un día” nos cuenta exactamente eso, un día en la vida del protagonista, un chaval llamado Ferris Bueller que decide que un buen día (el que se nos cuenta en la película) no le apetece ir al instituto y prefiere estar por ahí con su amigo Cameron y su novia, Sloane, que sí va al instituto pero que el se encargara de “rescatar”. Y aunque todo sucede en un único día es alucinante la cantidad de cosas que le da tiempo a hacer al bueno de Ferris. Primero, debe convencer a sus padres de que está enfermo ante el estupor e indignación de su hermana; luego debe convencer a su mejor amigo, Cameron, de que salga de la cama, ya que está enfermo de verdad, para que cojan juntos el Ferrari del padre de Cameron para irse por ahí de parranda; por supuesto irán a buscar al instituto a Sloane, la novia de Ferris, para que se una a ellos, y a partir de ahí a vivir el día: almuerzos en restaurantes carísimos, paseos en Ferrari, participar en una cabalgata masiva por el centro de la ciudad, etc… y todo esto mientras Ferris intenta evitar cruzarse con sus padres y que el director del colegio, obsesionado con cazarle, le pille. De todo esto va “Todo en un día”.

En resumen, podría decirse que la película es lo que todos hemos deseado que nos pase alguna vez en nuestra adolescencia: tener un día para hacer lo que nos de la gana, saliéndonos con la nuestra, toreando a todo el mundo y sientiéndonos invencibles porque nadie nos descubre ni puede chafar nuestros planes, ni nuestros padres, ni el director ni nadie. Para muestra, el vídeo en el que el amigo Ferris, ni corto ni perezoso, se une a una cabalgata que pasa por el centro de la ciudad y se pone a bailar y cantar (en playback de los Beatles) y hace que todo el mundo se marque una coreografía grupal:

Y además Ferris te cae simpático. Es el típico tio al que todo le sale bien. Tiene una novia supermaja, colegas que lo darían todo por él, se burla de la autoridad, arrastra a las masas, ¿quien no quiere ser Ferris Bueller?

Todos queremos ser el Ferris Bueller de “Todo en un día”, ser el tipo de tio al que todo le sale bien siempre y a la primera y que encima despierta admiración entre los demás.

En esta película lo que hay es desde luego entretenimiento puro y duro, sin ningún mensaje ni trascendencia, pero eso sí, hecho con estilo y cuidando bastante los detalles. Esto no es “Los albóndigas en remojo”, no, esto es “Todo en un día”, y Ferris Bueller tiene clase para hacer las cosas. La película nos cuenta lo que promete, un día de saltarse clases y parrandeo, pero lo hace con bastante elegancia y un estilo bastante fresco y desenfadado pero nada vulgar. Por ejemplo, Ferris se sirige en varias ocasiones a los espectadors y no parece algo forzado, de hecho queda muy natural. Todo se debe probablemente al buen hacer de John Hughes, el director de la película, y recientemente fallecido. A él le debemos otras muchas comedias de los ochenta y de principios de los 90.

Aun así, despues de ver la peli, que por cierto ha aguantado muy muy bien el paso del tiempo, mis personajes favoritos son el director, incansable en su afan de perseguir a Ferris por toda la ciudad para demostrar que no está enfermo y que solo es un tío pícaro que se salta las clases cuando quiere, y el personaje que encarna Charlie Sheen, un adolescente marrullero con chupa de cuero y ojeras kilométricas que coincide en una comisaria con la hermana de Ferris. prefiero estos personajes porque Ferris, aunque mola, es muy típico, es un personaje al que todo le sale bien y se sale con la suya. Yo prefiero a estos dos tipos, y desde luego las desventuras del director no tienen precio. El pobre hombre es justo lo contrario de Ferris, de hecho es su némesis. Al tio cosa que intenta cosa que le sale mal y Ferris se la vuelve a jugar. Son como el correcaminos y el coyote. El director se pasa la película intentando cazar a Ferris y desbaratar su día de juerga urbana, y por el camino se queda sin coche, sin cartera, sin ropa y sin honor.

Aquí teneis la aparición de Charlie Sheen con la hermana de Ferris (interpretada por una Jennifer Grey antes de “Dirty Dancing”):

Si os pasa como a mi y os veis obligados a tener que ver la televisión actual, no lo dudeis, una alternativa de entretenimiento con bastante clase y sin esfuerzo mental es “Todo en un día”. Como diría Ferris Bueller, la vida pasa muy deprisa, sin no te paras y miras a tu alrededor, te la podrías perder.

Eddie Murphy rodó “El chico de oro” después de los megataquillazos que consiguió con “Superdetective en Hollywood” y “Entre pillos anda el juego” o “Límite 48 horas”. Más tarde rodaría “Superdetective en Hollywood II” o “El príncipe de Zamunda”. Los 80 fueron suyos y se convirtió en el cómico negro por excelencia.

En “El chico de oro” Eddie Murphy se lució combinando acción, humor, payasadas suyas y un toque de misterio y terror.

El chico de oro. Eddie Murphy hace de gracioso y de Indiana Jones a la vez.

En “El chico de oro” Eddie Murphy encarna a Chandler Jarrell, un investigador privado especializado en resolver casos de desapariciones de niños. Mientras Chandler está buscando a una chica de 16 años desaparecida, Cheryl Mosley, una joven tibetana le pide su ayuda para rescatar a un niño secuestrado en el Tibet, cuyo destino es salvar a la humanidad, ya que es el portador de la compasión. Lógicamente, Chandler, un tipo irónico y de la calle, se toma a guasa lo que la chica le cuenta, pero como ella insiste tanto y como encuentra algunos puntos en común entre la historia de ese chico del Tibet y la desaparición que está investigando, decide ayudarla a encontrar a “El chico de oro”. A partir de aquí nuestro amigo se ve metido en un fregado que incluye viajes al Tibet, culturas perdidas, pruebas dignas de Indiana Jones y enfrentamiento con seres que no son de este mundo, como el inigualable Sardo Numspa. Todo esto, por supuesto, aderezado con las típicas coñas clásicas de Eddie Murphy. La mezcla, la verdad, resulta de lo más atractiva, porque lo que acabamos teniendo es una película de acción con muchos golpes de humor y muchas aventuras e ingredientes sobrenaturales… vamos, que no te vas a aburrir viéndola.

Lo más destacable de “El chico de oro” es desde luego el argumento y el tratamiento de la historia, mezclando tantos elementos diferentes de una forma bastante equilibrada: hay acción, sí, pero la justa; hay humor, también, pero lo justo, porque aquí Eddie Murphy no hace cien papeles, hace uno y punto; hay amor, sí, pero el justito. En resumen, una película muy entretenida y disfrutable que es recordada por los que la han visto por un montón de escenas divertidas, como la forma de pedir el cuchillo, la forma de cantar en el avión o el sueño en el que Chandler Jarrell se enfrenta a Sardo Numspa.

Aunque Eddie Murphy es el protagonista de “El chico de oro”, quien de verdad sobresale es Charles Dance en la piel del maligno Sardo Numspa.

La acción empieza en el Tibet, donde vemos como los malvados secuaces de Sardo Numspa secuestran al chico de oro, a la vez que se nos muestran algunos de los poderes de este chaval y la galería de malos a los que se va a tener que enfrentar nuestro héroe. Del Tibet saltamos a Los Angeles, cuando conocemos a Chandler y le piden su ayuda para rescatar al niño. De Los Ángeles volvemos al Tibet, en la mejor parte de la película, con Eddie Murphy haciendo de las suyas por Katmandu e intentando ayudar al chavalín comportándose en ocasiones como un Indiana Jones salido de un barrio de Los Angeles. Y del Tibet volvemos a Los Angeles para el enfrentamiento final con los malos malísimos.

Desde luego “El chico de oro” nos pasara a la historia por ser una película profunda o llena de significados, pero es hoy en día muy pero que muy disfrutable, sobre todo por esa combinación tan acertada de acción, humor, fantasía y efectos especiales. Es una película poco común y la única pena es que no esté mejor montada, porque hay ocasiones en las que parece que todo pasa de una forma demasiado precipitada y sin muchas explicaciones, pero eso sí, reirte y pasarlo bien, está garantizado.

Aquí os dejo algunos de los mejores momentos para que os animeis a disfrutar de esta película:

Vídeo de “Body talk”, de Ratt, que suena a todo trapo cuando Chandler entra en la guarida de “los dragones amarillos” para descubrir que le hicieron a Cheryl, ya que su desaparición está relacionada con la del chico de oro:

La famosa escena de “quiero el cuchillo”. Así se les piden las cosas a unos monjes tibetanos, si señor:

El vuelo en avión a Katmandu, todo comodidad, y esto antes de que existiera RyanAir:

“This is spinal tap” es un documental sobre el grupo Spinal Tap que nos enseña todos los tópicos del Rock´n´Roll

This is Spinal Tap... ponlo a volumen 11!!!

“This is Spinal Tap” nos cuenta en formato documental la historia de la gira americana de 1982 del grupo de hard-rock / heavy metal Spinal Tap, fundados a finales de los 60. En esta gira los Spinal Tap presentan su nuevo lanzamiento, “Smell the glove” (huele el guante) en USA con una gira en la que van acompañados de Martin DiBergi, el director del documental que entrevista a los miembros del grupo y documenta todas sus venturas y desventuras a lo largo de la gira, que van desde conciertos cancelados hasta la llegada de la novia del cantante, que pretende ejercer de manager, pasando por la vez que los Spinal Tap no son capaces de encontrar la salida al escenario en uno de sus conciertos o dar un concierto en una base militar y otras divertidas aventuras de estos cinco rockeros melenudos. Además de ver el día a día de la gira de Spinal Tap, en “This is Spinal Tap” el director entrevista a los tres principales componentes del grupo, David St. Hubbins, voz y guitarra; Nigel Tufnel, guitarra solista; y Derek Smalls, bajo, y charla con ellos sobre los más diversos temas, desde como se conocieron hasta que hubieran sido de no ser estrellas del rock, y el tema estrella del grupo, la muerte de todos sus baterías.

La gran pregunta es, ¿”This is Spinal Tap” es un documental real o no, lo que se cuenta es verdad o mentira? Y ahí está la gracia

Hasta aquí uno puede pensar, “madre mía, que pedazo de docuemntal, que bestialidad”, y más de uno lo hemos tomado como eso, como un documental sobre el mundo del rock, pero la gracia de “This is Spinal Tap” es que es un documental, sí, pero falso, un “mockumentary”, todo parece real, todo parece un documental de verdad, con sus entrevistas, sus escenas de actuaciones en directo. Nada te hace pensar que está ante un gigantesco teatrillo y que el documental no es real… pero es así, “This is Spinal Tap” es un documental, sí, pero un documental falso, pero eso sí, lo que te ríes y alucinas con él no tiene precio.

Desde luego si tienes sangre en las venas, te guste o no el rock, esta película te hará pasar un buen rato seguro, porque lo tiene todo: desde unos personajes bien definidos y carismáticos hasta una serie de situaciones absurdas que hacen que te rias a la fuerza con los delirantes comentarios de los miembros del grupo. Si que hay que decir, en honor a la verdad, que si te parece que tocan ellos realmente, es porque es así, Spinal Tap son un grupo falso a medias, porque las canciones fueron escritas y tocadas por los tres actores principales: Michael McKean, que interpreta a David St. Hubbins, el cantante y frontman de los Tap; Christopher Guest, que es Nigel Tufnel, el guitarra solista; y mi favorito, Derek Smalls, interpretado por Harry Shearer, que a día de hoy en la versión original de los Simpson es la voz de varios personajes como Flanders o Skinner, entre otros. Ellos tocan las canciones en la película y ellos han grabado también dos discos como Spinal Tap, y todo esto no hace más que agrandar la leyenda y la confusión en torno a Spinal Tap. De hecho, al principio yo creía que eran un grupo real y qu eel documental era de verdad. Y como a mi, muchísima gente no sabe que hay de cierto realmente. Además, si eres fan del rock y/o el heavy metal, en la película se han inspirado en muchas anécdotas reales de grupos y en muchos músicos para crear a los personajes, y eso se nota al verla.

Como llevo mucho texto, lo mejor es que veais (subtitulado, porque la película no se ha doblado al español) la charla entre el director del documental Martin DiBergi y Nigel Tufnel, el guitar-hero, sobre la importancia de tocar la guitarra a volumen 11:

Todo en “This is Spinal Tap” es recomendable, pero aquí os dejo alguno de mis momentos favoritos:

1. Cuando la discográfica boicotea el lanzamiento del disco que presentan en la gira, “Smell the glove” (”Huele el guante”), por su portada lasciva y provocadora, deciden lanzar el disco en una carpeta totalmente negra, sin título ni nombre del grupo… ¿no se inspiraría Metallica en ello para el “Black Album”?
2. El momento en que el grupo se dirige al escenario en un concierto y se pierde por los pasillos gritando “rock´n´roll” todo el rato.
3. Las charlas filosóficas entre los miembros del grupo, hablando del significado de sus letras, y calificando “Sex Farm” (”Granja del sexo”) como una canción muy cuidada y preciosista.
4. La historia de los baterias que ha tenido el grupo, ya que todos han muerto en gira de las razones más rocambolescas que os podais imaginar, como por ejemplo, por combustión espontánea.
5. Los muchísimos cameos de actores, actrices y músicos conocidos o medio conocidos en papeles mayores o menores a lo largo de la película, como Anjelica Huston o Billy Cristal. El mismísimo Blackie Lawless, cantante de W.A.S.P, aparece en la película.

Podría seguir muuuucho rato porque me gusta todo de esta película. Pero que hable la música. Aquí teneis la increible actuación de Spinal Tap cantando uno de sus éxitos, “Rock´n´roll creation” y subtitulado en español. Ahí es nada:

Otro momento magistral de la película, la interpretación de “Stonehenge”. Atentos a los enanos y al “gigantesco” monolito:

Y para rematar este post, el clásico solo de guitarra de Spinal Tap, made in Nigel Tufnel:

Ya estás tardando en ver “This is Spinal Tap”… Smell the glove!!!

La caratula del vhs de “Terrorvision” me daba un miedo importante de chaval. Pensaba que esa película tenía que dar mucho mucho miedo.

Hace ya algo de tiempo decidí que ya estaba preparado para ver “Terrorvision” de una vez y acabar con esa sensación de cosa a medio hacer por no haberla visto de chaval, así que me senté delante de mi televisión y me puse la película.

La caratula de Terrorvision me daba mucho miedo.

“Terrorvision” empieza enseñándonos el departamento de sanidad, división de seres mutantes, del planeta Plutón, donde un horrible monstruo es convertido en energía y disparado al espacio por un funcionario plutoniano. El monstruo viaja en forma de rayo por el universo rebotando de planeta en planeta hasta que aterriza en la flamante y nueva antena parabólica de los Putterman, una familia muy particular. El monstruo vive en la televisión, y cada vez que los Putterman cambian de cadena o hacen algún arreglo, el monstruo se manifiesta físicamente haciendo todo tipo de cositas malas. La familia está compuesta por los padres, un matrimonio salido y peculiar con una fijación preocupante por hacer intercambio de parejas; la hija, una chavala 100% ochentera que aprece Cindy Lauper en versión barata; el hijo, un chavalín obsesionado con las armas y con la estética militar; y el abuelo, un viejo loco obsesionado con la guerra, las armas, la supervivencia y que tiene un cuarto que parece un bunker militar. Con este cuadro de personajes, al que se suma alguno más, como Medusa, una presentadora tetuda de TV de un programa de terror y algún secundario más, parte “Terrorvision“, que básicamente consiste en ver como la familia lucha contra el monstruo hasta el final de la película y el desenlace. No cuento más de momento porque si no os chafo toda la película. Pero seguid leyendo, seguid…

Aquí el trailer original y ochentero de “Terrorvision”, para que os hagais una ide de lo que os vais a encontrar:

“Terrorvision” es la típica película exploitation ochentera. Aprovecha 2 o 3 cosas que funcionaban muy bien en la época (alienígenas, monstruos y tiros) y las combina en un producto 100% serie B.

El argumento de “Terrorvision” la verdad es que es casi lo de menos y se puede reducir en un par de líneas: un monstruo alienígena se introduce en el televisor de una familia aprovechando la nueva antena que se han instalado y los miembros de la familia van dándose cuenta de que algo ocurre cuando algunos desaparecen o se comportan de forma extraña. Aquí lo importante es la ambientación y las disparatadas interpretaciones. Ya sabemos que toda la película va a transcurrir con la familia luchando contra el monstruo, pero es que lo que de verdad llama la atención es el nivel de las interpretaciones, las caracterizaciones o los decorados empleados. Es dificil tomarse esta película como lo que se supone que es, una película de terror. “Terrorvision” más bien parece una película a medio camino entre la comedia de golpes y porrazos, la ciencia ficción más cutrona y algo de gore brutote, pero haciendo que la sangre sea verde, y así parece para menos.

La verdad es que en general vale la pena ver “Terrorvision” porque es una hija de su tiempo, es 100% años 80, pero eso sí, si os animais a verla no espereis una obra de arte ni una profunda reflexión sobre la condición humana. Aquí hay 80 minutos de cutrepelicula ochentera en su estado más puro. Os indico algunos momentos y personajes que hacen que valga la pena ver esta ¿obra de culto?:

1. Las interpretaciones. Los ¿actores? de “Terrorvision” no se toman en serio en ningún momento y de hecho están sobreactuando todo el rato, pero lo gracioso de esto es que dentro de esta peli hasta funciona. Parece que en lugar de una  peli de terror estamos viendo una comedia superexagerada de serie B, o Z. Hay escenas que rozan el surrealismo de tanto que gesticulan y exageran. Mi favorita es cuando O.D, el novio heavy de la hija, huye corriendo del monstruo, porque NO CORRE!!!, simplemente agita los brazos como si lo hiciera.
2. La ambientación y decorados. Todo es tan terriblemente cutre y tan de cartón piedra que sientes hasta cariño por una ambientación tan barata, que parece salida de una tienda de chinos. No se lo que se gastarían, pero vamos, fue la partida presupuestaria más pequeña, eso seguro.
3. La incorrección política. Lo mejor de esta época era que en las películas se hacían y decían burradas a todo trapo, sin estar pendiente de si se ofendía o no a tal o cual colectivo minoritario. En “Terrorvision” hay burradas por un tubo, desde el abuelo, un loco paramilitar que se caragaría a cualqueira, hasta el nieto, al que vemos disparando ametralladoras a sus 10 años, o el matrimonio Putterman, que tiene como objetivo principal de su vida hacer un intercambio de parejas lo antes posible, estén o no sus huijos en casa.
4. El look del novio de la hija. El novio de la hija de la familia se llama O.D, y hay que recordarle por vestir una camiseta de W.A.S.P (de los que suena en la película su tema “Tormentor”) y sobre todo por lucir un pelucón más falso que un billete de 18 euros para simular una melena de heavy del metal. Aquí teneis un vídeo para que podais apreciar el poder de “Tormentor”:

Bueno, espero que con todos estos argumentos de gran nivel os animeis a ver semejante engendro y disfruteis en la medida en que es posible de esta pelicula de mercadillo ochentera.

En “Los gemelos golpean dos veces” Schwarzenegger decidió que quería ser actor de verdad, ¿cómo?, pues haciendo comedias.

Los gemelos golpean dos veces, chorricomedia que hizo que Cuache se creyerá que sabía actuar.

Lo peor es que la jugada le salió bien a Schwarzenegger, ahí es nada. El tio hace “Los gemelos golpean dos veces“, una comedia, se pone a “actuar” y encima triunfa a lo bestia en todo el mundo. Claro, el tio tenía a Danny DeVito cubriéndole las espaldas, que él si sabe actuar y sí sabe hacer comedia, y eso se notó. Encima, “Los gemelos golpean dos veces” es entretenida y te ríes, y esto significo el principio del fin de la carrera de Schwarzenegger, porque el tipo pensó que sabía actuar, y le dió por meterse a hacer comedias familiares, a cual más infecta y aburrida. De la galería de horrores de comedias que hizo Schwarzenegger precisamente solo se salva esta, “Los gemelos golpean dos veces”, porque las demas (”Junior”, “Poli de guardería”, etc) son sencillamente un truño como comedias, un empeño del bueno de Arnie por hacernos creer que sabe actuar y que puede transmitir emociones, y lo siento colega pero no, tú has sido Conan el Bárbaro, has sido Dutch en “Predator”… has sido Terminator!!!, así que no me intentes convencer de que puedes hacer comedias familiares por mucho que “Los gemelos golpean dos veces” funcionara muy bien, no, lo tuyo es matar y machacar cabezas, así de sencillo.

Lo bueno de “Los gemelos golpean dos veces” es que pese a ser una monumental chorrada de película, funciona perfectamente como entretenimiento.

Pero a lo que íbamos, a “Los gemelos golpean dos veces”. El argumento de la película no puede ser más rocambolesco y chorra: Tenemos a dos hermanos gemelos, Julius, fuerte, bondadoso y superinteligente (Schwarzenegger); y a Vincent (De Vito), bajito, picaro y con un puntito de maldad. Aunque son gemelos, no conocen el uno la existencia del otro, ya que fueron creados en un experimento genético que no resultó, ya que toda la inteligencia y virtudes fueron a parar a Julius, y todo lo no tan bueno fue a parar a Vincent.En “Los gemelos golpean dos veces“, Julius, que vive en una isla idílica con su mentor, descubre la existencia de su hermano, y parte a buscarle para que juntos busquen a su madre, a la que nunca han conocido. Cuando Julius encuentra a Vincent, por supuesto éste no se cree que sean hermanos, pero ve una oportunidad de oro de engañar al ingenuo Julius y utilizarle para sacarle dinero y cerrar unos negocios con unos mafiosos, así que se van juntos de viaje con otras dos gemelas, Marnie y Linda, que se parecen tambien como un huevo a una castaña. Linda es la novia de julius, y Marnie pondra sus ojitos en el musculoso Julius. Y así transcurre “Los gemelos golpean dos veces“, entre chorradas varias, como ver a Julius conducir por primera vez o ver una revista porno por primera vez también, y entremedio la búsqueda de la madre y de sus orígenes, así como resolver el lio pseudomafioso en el que se ha metido Vincent.

Y ya digo que encima toda esta mezcla funciona a la perfección. La película hace que te eches unas buenas risas y Schwarzenegger lo borda como fortachón superinteligente pero más inocente que un niño de 2 años, y De Vito también lo borda como el hermano enano y cabrón. Así que todos contentos, porque Schwarzenegger consiguió hacer una película en la que ni disparaba un arma ni mataba a nadie y se metió en el género de la comedia familiar a lo bestia, con un taquillazo brutal. Por supuesto, no estamos hablando de “El Padrino” ni de “Lo que el viento se llevó”, pero lo que es innegable es que la estrategia de “Los gemelos golpean dos veces” funcionó a la perfección.

Guste o no guste, el caso es que hay que verla para saber de lo que hablamos, y reconocer que en esta primera incursión en la comedia, el ahora gobernador de California hizo una jugada redonda.