“El día después” es una película ofrece una visión realista, dura y que asusta de lo que pasaría en caso de una guerra nuclear a gran escala.

Desde luego el tema no es nuevo hoy en día y ha sido explotado innumerables veces, dando cancha a un montón de películas de ciencia-ficción, pero en ésta el tono es de los más reales que pueden verse. En “El día después” no hay héroes ni villanos, solo hay personas que sobreviven, que sufren y que acaban siendo víctimas de una sinrazón.

“El día después” nos cuenta en su primera mitad, la más sosa, la vida cotidiana de un grupo de personas que viven en los alrededores de Kansas City, una zona llena de silos nucleares. Conocemos a los personajes principales y a sus familias: un prestigioso médico (interpretado por Jason Robards) y su familia, una familia de granjeros, un estudiante universitario (Steven Guttenberg), un militar, etc. Realmente, esta parte de “El día después” es un poco lenta y ha envejecido, vista hoy, un poco mal. Simplemente es una sucesión de personajes que son presentados y de los que conocemos lo básico de sus vidas, mientras de fondo, en las noticias que se ven en la tele y se oyen en la radio, se habla de la creciente tensión internacional y de que la URSS empieza a bombardear Alemania Occidental. A partir de aquí, del minuto 4o, se desarrolla la segunda parte de “El día después”, la más interesante sin duda de la película, porque lo que todos temen, lo que todos no quieren que pase, pasa: los Estados Unidos son víctimas de un ataque nuclear masivo.

A partir de aquí es cuando “El día después” se pone interesante de verdad, mostrando los devastadores y brutales efectos de una guerra nuclear. Para muestra un botón, el momento en el que los Estados Unidos recibe la lluvia de bombas atómicas del enemigo:

Vale que los efectos especiales, vistos hoy, parecen cutres, pero desde luego las imágenes impactan, y como, y pensemos que esta película se emitió en 1983.

El mayor mérito de la película es centrarse en los efectos de la guerra nuclear, no en quien la ha empezado ni en rollos patrioticos de esperanza, y en eso “El día después” lo borda.

A partir del ataque lo que vemos es la degradación y degeneración progresiva de la sociedad y las protagonistas, víctimas no solo de la radiación (con espeluznantes efectos en todos ellos) sino víctimas del caos, la desinformación y el desconcierto, lo que acaba creando anarquía, revueltas, etc. y todo ello con un tono bastante realista, lo que acojona bastante, porque te crees que es posible. Aquí no hay nadie que sea un héroe que se salva de todo e insufla esperanza a los demás, no, aquí todos pagan de una manera o de otra, y todos pierden. Y de hecho, en la parte final de la película, la crítica a políticos y medios es brutal, con un final con voz en off que acaba diciendo que lo visto en la película puede parecer duro, pero que si esa guerra nuclear sucediera de verdad, la realidad sería peor. Todo un llamamiento a naciones y gobiernos para que no hagan el gilipollas con las bombas atómicas.

Desde luego “El día después” debió ser un bombazo (sin doble intención) en su época, por lo que había en el entorno político de ese momento y el miedo a la temida guerra nuclear. Y hoy en día la película no ha perdido su fuerza, aunque como digo sus primeros minutos se hacen un poco largo y luego hay bastantes lagunas argumentales, que se justifican porque lo que la película busca es acojonar con el pánico nuclear y no contarnos la historia de nadie en concreto, y eso lo borda, amigos, porque acojona bastante, sí señor.

“Superman II” es una digna continuación de la primera película, pero es muy distinta, y para mi, no alcanza el nivel de la primera ni de lejos, aunque tiene su encanto.

Superman II. El cartel promete, pero lo que te encuentras no mola tanto, de verdad.

En “Superman II” hay ingredientes que invitan al optimismo: Superman se enfrenta a tres supervillanos con superpoderes, además pierde sus poderes y es tachado de cobarde por la sociedad, etc., pero esas cosas que prometen se ven comprometidas por los ingredientes que “estorban” en la película, como demasiados gags cómicos, el poquísimo protagonismo de personajes como Lex Luthor o Jimmy Olsen o el nulo carisma de Margot Kidder como Lois Lane (lo siento, pero nunca me ha convencido esta actriz como Lois Lane). Eso sí, Christopher Reeve está enorme, tanto en lo cómico como en lo dramático, y es, desde luego, lo mejor de la película. Pero bueno, vamos al grano y hablemos de lo que nos cuenta “Superman II”. La película arranca con un resumen de casi 10 minutos de la primera película mientras nos muestra los títulos de crédito, para luego contarnos la historia de tres criminales de Krypton, el general Zod, Non y Ursa, que son condenados por Jor-El, el padre de Superman, a vagar por la eternidad encerrados en la zona fantasma. A todo esto, de vuelta a la actualidad, unos terroristas amenazan con volar la Torre Eiffel con una bomba de hidrógeno. En París está Lois lane, y para allá que va Clark Kent. Superman se deshace de la bomba, lanzándola al espacio, pero ésta explota y libera a los tres criminales de la zona fantasma, que se dirigen a la Tierra a sembrar el caos y la destrucción, ya que al llegar a nuestro planeta adquieren los mismos poderes que el hombre de acero, ¿podrá Superman hacer frente a tres criminales con sus mismos poderes?.

Con este argumento inicial la cosa promete, ¿verdad?. El trailer original de “Superman II” (en inglés) nos ponía la miel en los labios:

Porque además de enfrentarse a tres supercriminales con sus mismos poderes, en “Superman II” el personaje interpretado por Christopher Reeve revela su identidad secreta, pierde sus poderes de forma voluntaria o comprueba en sus propias carnes lo que es el dolor y sangrar cuando en una pelea callejera es vapuleado por un camionero en un bar de carretera.

Entonces, ¿cual es el problema de “Superman II”?, pues la continuidad, que el conjunto no funciona como lo hizo la primera parte.

Desde su estreno “Superman II” tuvo su ración de pelémica ya que el director original (el mismo de la primera parte), Richard Donner, fue sustituido, por diferencias con los productores, por Richard Lester. El hecho de mezclar el trabajo de dos directores tan distintos (Donner, más “serio”; Lester, más orientado a la comedia) hace que el resultado final no tenga fuerza y que a veces haya huecos en la historia. Incluso las escenas de acción, como el combate entre los tres supercriminales y Superman en las calles de Metropolis, se quedan a medias, ya que Lester decide intercalar entre explosiones, puñetazos y demás escenas de comedia tontísimas, que hacen que el conjunto pierda fuerza, y además de los protagonistas tienen más protagonismo aquellos que menos carisma tienen.

Como no todo es blanco o negro, hay cosas buenas y no tan buenas en “Superman II”. Aquí 5 razones por las que “Superman II” me gusta bastante menos que su primera parte:

1. El poquísimo protagonismo de Lex Luthor. Teniendo a Gene Hackman como villano y un personaje como Lex Luthor es inexplicable que en esta segunda parte el personaje apenas intervenga y tan solo lo hace de forma forzada y metido con calzador en el argumento. Parece ser que en la versión original de Richard Donner, Lex Luthor tenía muchísimo más protagonismo.
2. El mucho protagonismo de Lois Lane (Margot Kidder). Lo siento, pero no me gusta Margot Kidder como Lois Lane, y su personaje resulta cansino e insufrible en esta película. No me la creo.
3. El exceso de comedia tontorrona. Que en medio de una pelea a muerte entre cuatro tipo que están destrozando una ciudad te metan una escena en la que a un transeunte se le vuela el helado para estamparse en la cara de otro le quita toda la fuerza. ¿Esto es comedia o acción?, porque las dos cosas juntas son igual a nulo éxito en ninguna de ellas.
4. La parte de la película en las cataratas del Niágara. Para mi, lo peor de la película. Ñoñisima parte que no aporta prácticamente nada salvo que la identidad de Superman es descubierta por Lois (no hace falta ser Einstein cuando el disfraz consiste en unas tristes gafas, eso sí, feísimas).
5. La sensación de huecos e inconexión a lo largo de toda la película. Todo el film está lleno de situaciones mal resueltas o sin ninguna explicación, como cuando Superman recupera sus poderes de nuevo (no sabemos como lo hace ni se nos cuenta en ningún momento), o el final, en el que nada queda claro. En general, a la peli le falta toda la fuerza que tenía la primera parte.

Y ahora, para no ser injusto y miserable, 5 cosas que sí me gustan en “Superman II”:

1. Christopher Reeve. Al no aparecer Marlon Brando en esta segunda parte y con Gene Hackman apareciendo solo en plan anecdótico, el protagonismo de Christopher Reeve es absoluto. El tipo brilla con luz propia tanto en su vertiente cómica como en la dramática. Solo Terence Stamp, en el papel de General Zod, le hace sombra a nivel de carisma.
2. Algunas escenas de comedia. Solo algunas, las que no se ven metidas con calzador y resultan naturales, como por ejemplo cuando los tres supervillanos cambian las caras del Monte Rushmore (a pesar de la cagada que se pegan diciendo la antiguedad que tienen cuando se acabaron en 1941 ) por las suyas propias.
3. El juicio en Krypton. Aunque no está muy bien resuelto, la verdad es que la ambientación del planeta Krypton, el tribunal y la zona fantasma resultan más creibles que muchas escenas posteriores.
4. La pelea entre Clark Kent y el camionero. Un Clark Kent sin los poderes de Superman es apaleado por un camionero, experimentando por primera vez la vulnerabilidad y el dolor de ser derrotado. Cuando recupera sus poderes se toma la revancha (claro, con superpoderes yo yambién me atrevo)

Se que había dicho que diría 5 cosas que me gustan de “Superman II” pero la verdad es que no me viene a la cabeza ninguna más que sea de verdad importante.

En fin, es una película que hay que ver con cierta perspectiva, que ya tiene más de 30 años, y no compararla demasiado con la primera parte, porque entonces vale muy poco. Siempre queda la duda de como hubiera sido “Superman II” de haber sido hecha integramente por Richard Donner. Parte de esta respuesta se desveló en la edición especial en DVD de la película con el montaje de Donner, a la que corresponde este trailer:

La verdad es que la versión de Donner tiene mucha más fuerza y continuidad respecto a la primera parte, pero bueno, “Superman II” quedó como quedó (por el interés en hacer caja de los productores) y eso es lo que hay que valorar. Si teneis tiempo, echad un rato viendo las dos primeras partes seguidas y vereis las difrerencias, pese a que se rodaron a la vez en su casi totalidad.

Desde luego, no sé como se vería “Flash Gordon” en 1980, pero 30 años después, el tiempo le ha pasado muuuuucha factura, y es una película ultrahortera aunque con cierto encanto y desde luego una cierta reputación de film “de culto”. Si digo que es tan hortera es porque el vestuario, los decorados, los personajes, TODO es hortera en esta película, que parece hecha a trozos por un principiante y con un argumento que es un despropósito, tanto si conoces el comic original de Flash Gordon como si no.

En “Flash Gordon” todos los cliches horteras de los 80 están presentes en formato de ciencia ficción, mezclados con la serie B.

Flash Gordon, el cartel sí que mola. La peli, no tanto

Pero empecemos por el principio y a ver como lo cuento para que se entienda. “Flash Gordon” es la adaptación de un cómic de aventuras espaciales nacido en los años 30. El argumento de la película es una chorrada como un piano, pero tiene su encanto, por lo absurdo y bizarro que es: el emperador del planeta Mongo, Ming, decide destruir La Tierra, y empieza a hacer que en nuestro planeta sucedan todo tipo de cataclismos. Al mismo tiempo parten desde un pequeño aeropuerto en un avión el jugador de futbol americano Flash Gordon y la periodista Dale Arden. Los pilotos de la avioneta desaparecen en medio de un extraño fenómeno atmosférico provocado por Ming, con lo que Flash hace aterrizar la avioneta justo (que casualidad) en casa del Doctor Zarkov, un científico que sabe que Ming es el culpable. Ming obliga a Dale y a Flash a viajar con él a Mongo para detener a Ming y salvar a La Tierra.

Una vez han llegado a Mongo, los tres son llevados ante Ming, que encuentra especialmente atractiva a Dale Arden y se propone hacerla suya, a la vez que su hija, Aura, se encapricha de Flash Gordon, ante los celos de su prometido, el príncipe Barin.

Para que os hagais una idea de lo que os espera si decidís invertir tiempo en ver “Flash Gordon” aquí teneis el trailer original de la película:

A lo largo de la película Flash deberá enfrentarse a todo tipo de situaciones hasta que consiga que los pueblos de Mongo, principalmente los hombres halcón, liderados por Vultan, y el pueblo del príncipe Barin, se unan para derrocar al tirano Ming y así salvar a La Tierra de su amenaza.

Aunque el argumento sea rocambolesco y absurdo, quizás si la película tuviera buenos efectos, un guión bien cosido y un par de actores solventes, la cosa sería para tener en cuenta, pero es que no hay nada en “Flash Gordon”, que se salve, es que es todo como muy cutre pero sin querer serlo. No es como esas películas que saben que son serie B y no se toman nada demasiado en serio. No, aquí tenemos una película muy mala que en todo momento nos quieren colar como una superproducción, y no cuela. De hecho, fue un fracaso tremendo en la taquilla.

A pesar de su cutrerio y lo hortera que es, hoy en día “Flash Gordon” es una película de culto.

Nada es creible en esta película, ni los efectos especiales, que parecen de instituto, ni el vestuario, cutrísimo y horterisima, ni los actores, todos horribles, aunque salvo a Max Von Sydow en el papel de Ming, que por lo menos tiene presencia. La historia es que ni existe, es un desproposito en si misma: Dale y Flash se enamoran y se prometen amor eterno en menos de un día, los hombres lagarto parecen muñecos del Ikea, Aura pasa de mala malísima a buena buenísima en dos minutos, de repente están en un sitio y luego en otro sin ninguna explicación, los decorados parecen los de una obra de alumnos de colegio, la capacidad de actuación de Sam J. Jones, el protagonista que hace de Flash, es la de una figura de porcelana…

Pero eso sí, hay que verla, porque “Flash Gordon” es una de esas película, que por lo bueno o por lo malo ha trascendido a su tiempo y se ha hecho un hueco en la memoria. Seguro seguro que todos los que la hayais visto la recordareis, a pesar de que habreis visto otro montón de películas de la época mucho mejores. Pero esas no las recordais.

Lo que todo el mundo recuerda es la canción principal de la película, obra de Queen, en sus horas más bajas. Aquí teneis el videoclip de la canción principal de “Flash Gordon”, titulada “Flash”. Desde luego, la época más confusa del grupo de Freddie Mercury, aunque es de lo poco salvable de la película, y eso si le tienes cariño al grupo, que si no ni así:

Para terminar y podais contemplar la obra maestra de la ciencia ficción hortera, aquí una recopilación de escenas de la película en castellano:

Por supuesto, espero que después de haber leido esto y visto estas maravillas audiovisuales, corrais a hacer un hueco en la agenda para sumergiros en este mundo de purpurina espacial y teatrillo que es “Flash Gordon”.

En “Enemigo mio” dos enemigos de una guerra, un humano y un alienígena, deben convivir en un mismo planeta hostil.

Enemigo mio, filosofía ligera y ciencia ficción.

“Enemigo mio” comienza mostrándonos las típicas batallas espaciales de los 80 (benditas sean). Los humanos estamos en guerra con los drac, una raza alienígena con aspecto de reptil (la influencia de la serie V o viceversa). En la batalla espacial con la que empieza la película, vemos como un piloto humano, Willis Davidge, es derribado por un piloto drac, pero su nave también queda dañada, y ambos caen en el mismo planeta, un lugar hostil, volcánico (es el parque de Timanfaya, en Lanzarote) y con algunas criaturas poco recomendables. En los primeros minutos de “Enemigo mio” el piloto humano pronto localiza al alienígena e intenta acabar con él, pero acaba siendo capturado por el drac, de nombre Jeriba, que le deja con vida porque no quiere quedarse solo en ese polvoriento y desierto planeta. A partir de aquí, “Enemigo mio” se centra en la curiosa relación que se establece entre los dos protagonistas, enemigos, pero obligados a convivir por las circunstancias, y es aquí donde apreciamos que aunque la película puede calificarse de ciencia-ficción, está más cercana al drama que a lo que podríamos esperar de una clásica película con naves espaciales y rayos laser, porque se centra en la relación entre ambos y como evoluciona ésta, pasando de odiarse a convertirse en compañeros de fatigas y aventuras en el desolado planeta, pasando todo tipo de penurias, y es que en “Enemigo mio” se demuestra una vez más que las similitudes entre los seres son mayores que sus diferencias.

Para que os hagais una idea de lo que os espera al ver “Enemigo mio” que mejor introducción que su trailer original de los 80 y en castellano:

A lo largo del metraje de “Enemigo mío”, la relación entre el humano y el drac va cambiando, y de enemigos pasan a ser, con el tiempo, prácticamente una familia.

Teniendo en cuenta su argumento no es de extrañar que se la haya comparado muchísimas veces con “Infierno en el Pacífico” y que se considere que “Enemigo mio” es una actualización en clave de ciencia-ficción de aquella. En “Infierno en el Pacífico” dos enémigos de la segunda guerra muendial, un japones y un americano, se ven obligados a convivir en una isla desierta del pacífico, y su relación pasa de ser la de dos personas que se odian a muerte a la de dos buenos amigos. Por tanto, la comparación entre “Enemigo mio” e “Infierno en el Pacífico” es bastante acertada.

A lo largo del tiempo que pasan juntos humano y drac, se conocen mejor y sus diferencias son cada vez menores. “Enemigo mio” es una película antibelicista en toda regla.

Como muestra de ello, aquí podeis ver como Willis Davidge aprende el lenguaje drac alienígena y como se da cuenta de que las grandes verdades humanas y de los drac son exactamente las mismas:

Lamentablemente la última parte de la película hecha un poco a perder la ambientación conseguida hasta entonces, al centrarse en la acción y la ciencia-ficción pura y dura. No es algo malo ni mucho menos, pero si que choca con el desarrollo previo de la película.

Por no chafarla no contaré más pero desde luego es una película muy recomendable, sobre todo por los dos actores principales, Dennis Quaid (el humano) y Louis Gossett Jr (el alienígena drac), que durante buena parte de la película son lo único que vemos, junto con el planeta en el que ambos están y donde deben convivir juntos, ¿para siempre?. Si quereis saberlo desempolvadla de la estanteria y echadle un vistazo a esta película 100% ciencia-ficción ochentera.

Yo ví “E.T, el extraterrestre” en el cine, cuando se estrenó en su día, allá por 1982.

Es una de las primeras películas que recuerdo haber visto en pantalla grande, junto con “Tron” o “El retorno del Jedi”. Solo por eso esta película tiene un significado especial, aunque nunca entendí porque E.T le resultaba tan simpático a la gente. A mi me hizo gracia en determinados momentos pero vamos, que yo no me lo llevaría a casa.

E.T., el extraterrestre... mi casa, teléfono y todo eso.

El argumento de “E.T, el extraterrestre” es aparentemente sencillo: una noche, un grupo de seres alienígenas ha aterrizado en una zona boscosa de los Estados Unidos. Es de noche, y los alienígenas recorren el bosque buscando y recogiendo plantas que llevan a su nave, como si tomarán muestras de vida vegetal. Paralelamente, vemos como unos hombres aparecen con luces y camiones, buscando algo. Los alienígenas, asustados, corren para subir a su nave y escapar, pero uno de ellos, se retrasa y deben dejarlo en el planeta Tierra. El alienígena abandonado es E.T, el extraterrestre, nuestro protagonista. E.T, asustado y sin saber donde meterse huye de sus perseguidores para acabar escondiéndose en el cobertizo de la típica casa americana con jardín y cercana al bosque. En la casa vive una familia compuesta por la madre, Mary, y sus tres hijos: Michael, el mayor: Elliott, el mediano; y la pequeña Gertie. Será Elliott el que descubrirá al misterioso visitante y lo esconderá en la casa. Desde el principio E.T y Elliott tendrán una conexión especial, y Elliott expresa los sentimientos y emociones de E.T. Poco a poco el secreto de Elliott es descubierto por los tres hermanos, que se proponen un objetivo: ayudar a E.T, el extraterrestre, a regresar a su casa, y para ello deberán esconder al alienígena de su propia madre y sobre todo, de las personas que le buscan para analizarlo y estudiarlo.

Con estos mimbres, “E.T, el estraterrestre” se convirtió de un plumazo en clásico absoluto que fusionó el cine familiar con el de ciencia-ficción y que nos mostró a los alienígenas como seres llenos de sentimientos y capaces de despertar ternura y cariño a raudales, en lugar de la visión más extendida (hasta la llegada de Steven Spielberg) de unos extraterrestres que buscaban eliminarnos por la vía rápida.

Aquí el trailer original de “E.T., el extraterrestre“, en inglés eso sí:

“E.T., el extraterrestre” dejo para la historia una serie de escenas míticas, además de dar una lección de como hacer cine de entretenimiento con arte y poderío. En estos años, Steven Spielberg no tenía rival ninguno y era capaz de convertir una historia como la de “E.T., el extraterrestre” en un clásico absoluto, dejando muestra de su talento con algunas de las mejores escenas de la historia del cine moderno, como por ejemplo:

El momento en el que E.T y Elliott se encuentran. Elliott ha oido algo raro, sale al jardin a investigar y descubre a E.T entre un maizal pegándose los dos un susto tremendo. Algo con lo que Spielberg nos viene a decir que tanto miedo tiene el alienígena de nosotros, como nosotros de él.

Las bicis voladoras. Sin duda, una de las escenas más recordadas de “E.T., el extraterrestre“, imitadas y parodiadas de E.T. Hacia el final de la película, cuando Elliott su hermano y sus amigos huyen con E.T de la policía, FBI o lo que sea, el extraterrestre hace que las bicis de todos ellos vuelen para poder escapar y ayudarle a llegar a su casa.

El dedo, “mi casa”, etc… El mismo E.T tenía una serie de peculiaridades que han durado en el tiempo, como era lo de “encender” su dedo, con el que curaba las heridas, o la de veces que decía “mi casa” y señalaba al cielo diciéndonos que venía del quinto pino espacial.

E.T borracho perdido. Una escena que parece sacada de la mejor comedia americana de los años dorados de Hollywood. E.T se pone pedo perdido a base de cerveza y vemos como llega la madre de Elliott pero aunque el extraterrestre va borracho perdido por la cocina, ella no consigue verle ni una sola vez. Por supuesto, como Elliott siente lo que siente E.T, él está en clase pero también está borracho.

La lista de momentos, escenas y situaciones memorables podría alargarse muuuucho si quisieramos: la escena de Halloween, con E.T disfrazado; el momento en el que E.T enferma; la flor que refleja el estado de salud de E.T.; como se trata a los adultos en la película, ya que no se le ve la cara a ninguno de ellos, salvo a la madre de Elliott, hasta que E.T es capturado. Como digo, la película en sí es una recopilación de momentos clásicos de la historia del cine moderno.

Aquí podeis ver un resumen completo de toda la película “E.T., el extraterrestre” en apenas 4 minutos:

En la parte más negativa del éxito de E.T, se creo un nuevo subgenero, el de películas de extraterrestres tiernos y buenos acompañados de niños, una combinación que a Steven Spielberg le salió muy bien, pero que no todo el mundo es capaz de repetir. Y en la parte más cachonda, el éxito de E.T generó el que ha sido considerado el peor videojuego de la historia. Se lanzó para Atari y como querían tenerlo para Navidad y aprovechar el exitazo de la película, lo hicieron en tan solo 5 meses. El resultado fue desastroso, porque como digo, aún hoy en día es considerado el peor videojuego de la historia. Para que os hagais una idea y como detalle final, os dejo el anuncio original del videojuego dichoso….  “mi casa, teléfono”:

“RoboCop” nos enseña como será la policía del futuro: cyborgs mitad humanos mitad máquinas.

Robocop, el poster hacia que te apeteciera verla.

“RoboCop“, la película,  nos cuenta una historia del futuro cercano que parece muy real. En un futuro que está a la vuelta de la esquina las empresas privadas tienen tanto poder que incluso gestionan el cuerpo de policía de Detroit, la ciudad protagonista de “RoboCop”. La empresa PCO, una empresa privada, ha pasado a controlar el cuerpo de policía de la ciudad de Detroit a la vez que proyecta construir una nueva Detroit llamada Delta City. Para poder construir la nueva ciudad con garantías necesita erradicar el crimen y de ahí su interés en controlar a la policía (intereses inmobiliarios y urbanísticos, ¿os suena?, real como la vida misma), pero a la PCO no le gusta la policía convencional no, quiere un policía que esté disponible 24 horas al día y que no descanse ni tenga ningún tipo de debilidad, y para eso está el robot policía RP-209, un monstruo metálico para hacer respetar la ley. Pero este descomunal robot tiene muchos problemas y no acaba de funcionar bien y el éxito en controlar a la policía por parte de PCO pasa por el éxito del programa RoboCop, un cyborg creado con los restos de un policía asesinado en el cumplimiento del deber, Alex Murphy (Peter Weller). RoboCop es un policía disciplinado, que protege a los inocentes y hace respetar la ley y que patrulla Detroit evitando crímenes de todo tipo. Pero de forma accidental RoboCop descubrirá que los mismos tipejos que le mataron cuando era un hombre está relacionados con la empresa PCO, y entonces dejará de ser una máquina para recuperar su parte humana y buscar venganza y justicia desenmascarando a quienes le asesinaron.

Aunque RoboCop ha sido creado como una máquina tiene una parte humana que se rebela contra los intereses a los que sirve.

“RoboCop” es la historia de un policía mitad humano mitad máquina con un pistolón tremendo oculto en su pierna derecha que se dedica a despachar a los criminales a tiros, y de ahí no podía salir una mala película. Pero además de ser un peliculón de acción, “RoboCop” es una película llena de mucha ironía y mala leche, además de una crítica bastante dura al poder creciente de las empresas privadas, y todo ello salpicado de unos anuncios de TV que son tremendos, como los anuncios del juego familiar “Guerra termonuclear mundial” o el anuncio del centro de salud que comercializa 7 modelos diferentes de corazón artificial.

Lo dicho, en “RoboCop” encontrareis mucha ironía y mala leche con el futuro que nos espera. Además, los efectos especiales son de Rob Bottin, un auténtico maestro que demuestra su valor en películas como “Legend” o “La cosa”, no hacen sino mejorar el resultado final de “RoboCop“, porque verdaderamente el resultado es creible a la vez que espectacular. Te crees que lo que ves podrías ser cierto. Aquí teneis el trailer en español de “RoboCop”:

Para rematar la faena, “RoboCop” tiene una fuerza visual tremenda que se conserva intacta a día de hoy. Paul Verhoeven, en su segunda película USA después de “Los señores del acero” se lució a base de bien y definió su peculiar estilo mezcla de violencia, humor e ironía, que tan buenos resultados le daría en películas como “Desafío total” o “Straship Troopers” (lástima que sean de los 90). Su uso de una violencia excesiva y exagerada además de la presencia del cyborg policía y lo bien definidos que están el resto de personajes, hace que el resultado final de “RoboCop” siga siendo muy bueno a día de hoy. Una peli por la que no ha pasado el tiempo y en la que hay un montón de escenas y frases clásicas que ya han pasado a la historia, como por ejemplo:

1. “Vivo o muerto vendrás conmigo“, la clásica frase que RoboCop dice antes de detener a los sospechosos.
2. La escena del asesinato de Murphy. Una brutalidad en toda regla. El malo malísimo Clarence Boddicker y sus secuaces destrozan literalmente a un Murphy desarmado e indefenso.
3. Emil, uno de los secuaces de Boddicker, que se empotra con su furgoneta en un tanque de ácido y queda hecho una pena. Escena no apta para estómagos sensibles.
4. Los anuncios y noticias que aparecen a lo largo de la película como fondo a las retransmisiones de TV que ven los protagonistas. Se escuchan noticias como rebeliones en México y similares.
5. El malfuncionamiento del robot policía RP-209, que directamente deja hecho un despojo a un pobre diablo que se ofrece “voluntario” para que los miembros del comité de PCO vean como funciona. Aquí podeis ver como lo despacha, en español:

El personaje conocío dos secuelas en cine, además de una serie de comics en Marvel y una miniserie en TV y otra serie de TV pero de dibujos animados. Ví las secuelas, que no le llegan a la suela de los zapatos a esta película, y me colecciones los comics durante los primeros 12 o 15 números, pero eran bastante bastante malos. Desde luego todo lo bueno y sorprendente de la primera película se perdió en los productos derivados para explotar el personaje. Afortunadamente siempre podemos recuperar esta película para quedarnos con un buen sabor de boca.

Es una pena que no podamos hablar de “Mad Max”, la primera peli de la trilogía, porque es de 1979, pero sí que podemos hablar aquí de la segunda, “Mad Max 2, el guerrero de la carretera“, porque es de 1981. Esta película nació lógicamente al abrigo del éxito de la primera parte, protagonizada por un Mel Gibson al principio de su carrera, antes de embarcarse en grandes producciones hollywoodienses.

¿De qué trata “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”?

Mad Max 2, el guerrero de la carretera. Peliculón de acción-ciencia-ficción.

“Mad Max 2, el guerrero de la carretera” empieza con un prólogo narrado por una voz en off que nos cuenta como la humanidad entró en una guerra mundial que destruyó la civilización tal y como la conocíamos y como Max, un policía, acabó conviertiéndose en Mad Max (vamos, que nos resume la primera película). La voz en off acaba su narración justo cuando empieza la película, con Max en su coche oxidado y polvoriento, acompañado por un perro y recorriendo áridas carreteras solitarias llenas de polvo y solo transitadas por pseudo-punks motorizados y vestidos a medio camino entre una tribu india y un  jugador de rugby. Tras un encuentro fugaz con unos motoristas y conseguir un poco de gasolina de un camión abandonado, el bien más preciado de este futuro apocalíptico, Max cae en una trampa cuando se dirige a un vehículo volador que parece abandonado en medio del desierto. Un personaje le captura para apoderarse de su vehículo, pero las tornas cambian y es Max quien le hace prisionero. A cambio de no perder la vida, el personajillo le dice a Max que puede conseguir toda la gasolina que quiera en un sitio al que le puede llevar… y allí se encaminan. Cuando llegan, lo que Max encuentra es una refinería en toda regla, fortificada y asediada por una tribu de motoristas y tios chungos postapocalípticos que quieren apoderarse de esa gasolina. ¿Ayudará Max a los pobres de la refinería a buscar un futuro mejor o se aliará con los personajes que la asedian para tener su parte del pastel (de gasolina)? Esta incognita quedará desvelada si veis “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”

En “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”, tan protagonista como los actores es la ambientación de un mundo devastado por la guerra nuclear

La historia de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es sencilla y sin ningún tipo de giro argumental raro ni profundidad social… estamos hablando de una película que cruza el cine de acción con el de ciencia-ficción de manera magistral, pero desde luego el gran mérito de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” está en crear un mundo propio y postapocalíptico, un futuro sucio, malvado y repleto de personajes como Humungus o el propio Max, con una estética a medio camino entre motoristas de Harley-Davidson, punks de barrio y jugadores de rugby. Para comprobar esto, echadle un ojo al trailer de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera“:

Como ya digo la historia de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es sencilla y directa: unos malos muy malos quieran apoderarse de la gasolina que tienen los buenos, que queiren empezar un mundo nuevo, y en medio está Mad Max, que ni es bueno ni malo, y solo mira por él mismo, aunque al final intervendrá para que la balanza de la justicia se decante del lado de los buenos. Y el gran valor de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es esa estética y una serie de momentos memorables para el cine de acción y ciencia ficción que han sido copiados hasta el asco en multitud de películas, como por ejemplo la escena del lanzamiento del boomerang-cuchillo o los combates en plena carretera entre Mad Max y los salvajes que pueblan ese mundo hostil, eso sin contar el montón de películas que surgieron a la sombra de esta y cuyo argumento era siempre el mismo: futuro postapocalíptico lleno de bandas de criminales malísimos y un héroe (o antihéroe) solitario que desafía a todos.

Solo por su ritmo, su estética y la fauna que desfila por la película vale la pena verla, que además tiene el mérito de que todo el protagonismo del guión vaya a parar a las situaciones, a la actitud de los personajes y a la ambientación y poco o muy poco al diálogo. en este futuro lleno de polvo, cuero y gasolina las palabras no son mejores que un buen cartucho de escopeta. Como remate, una de las escenas más famosas de la película, la de la escena del lanzamiento del boomerang:

En “El final de la cuenta atrás” encontramos un cruce entre película bélica y película de ciencia-ficción, incluyendo viajes en el tiempo.

Portaaviones + guerra + viajes en el tiempo = bastante buena pinta

Madre mía, cuanta filosofía. Al grano, “El final de la cuenta atrás” nos cuenta la historia de un analista, Warren Lasky (interpretado por Martin Sheen después de haber hecho “Apocalypse Now”), que se embarca en el portaaviones USS Nimitz, atracado en Pearl Harbor (un portaaviones real) con la misión de analizar el funcionamiento del barco. Es recibido por la tripulación con cierto escepticismo sobre su trabajo, aunque cuenta con el apoyo y la ayuda del capitán del barco, Matthew Yelland (un  Kirk Douglas de 64 años y toda una estrella del cine clásico) y del comandante Owens (James Farentino), el mejor piloto del portaaviones. Hasta aquí todo correcto, el barco zarpa mar adentro, vemos como despegan y aterrizan aviones, etc… hasta que una inmensa y extraña tormenta tropical envuelve el barco al completo. La tormenta provoca a todos los tripulantes del USS Nimitz una fuerte conmoción, pero pasa rápidamente y todo parece estar bien, pero empiezan a darse cuenta de que no hay comunicación por radio y de que las cosas no están como las dejaron. Con el paso de las horas, descubrirán que el portaaviones ha viajado en el tiempo, hasta el 6 de diciembre de 1941, un día antes del ataque japonés a Pearl Harbor. Ahora, el capitán Yelland y sus hombres tienen la oportunidad, al tener un portaaviones nuclear y aviones a reacción, de evitar que el ataque se produzca y alterar así los acontecimientos históricos, ¿qué harán?.

Este es el argumento principal de “El final de la cuenta atrás“, y la verdad es que la cosa promete. La película, además, está muy bien hecha desde el punto de vista técnico y podemos ver la vida dentro de un portaaviones de esastas características, una auténtica bestia de barco, que tiene capacidad para 6.000 tripulantes y 90 aviones más helicopteros: toda una ciudad militar flotante. La actividad del portaaviones, los despegues, aterrizajes y maniobras de los aviones en el barco tienen un todo casi documental (la película se rodó realmente en el USS Nimitz) y el argumento invita a encontrarnos con un combate en la segunda guerra mundial pero con un portaaviones moderno.

El problema es que “El final de la cuenta atrás” se queda un poco a medias, la verdad, o al menos es el sabor que a mi me quedó tras verla.

La historia tiene mucho potencial, pero hay un par de líneas argumentales que prometen mucho y tampoco se desarrollan, y para colmo de males, no llega a haber ningún combate aéreo en condiciones (si que hay escaramuzas) ni naval entre los aviones y barcos de la segunda guerra mundial contra los aviones y barcos modernos, que es lo que todos esperamos que pase al ver la película.

Además, las situaciones de paradojas temporales están resueltas como con prisa y sin cerrar correctamente las tramas, sobre todo el final de la película. Pero no dejeis que esta opinión mia os condicione y si podeis hacerle un hueco un día por la tarde, echadle un ojo porque no os defraudará como película. Aquí podeis ver (en inglés) un resumen de “El final de la cuenta atrás” un tanto acelerado:

Y es una pena, porque la película podría haber sido un pelotazo de acción bélica, y se queda solo en una entretenida declaración de intenciones, que se salva por lo interesante de su planteamiento y por el trabajo de Kirk Douglas y Martin Sheen, que se comen a todos sus compañeros de metraje, a pesar de que no hacen nada extraordinario. Se echa en falta el jugar más con una situación tan jugosa, sobre todo cuando capturan prisioneros de la época, de 1941, que al verse en un barco de 1980 lo flipan en colores.

Aún así “El final de la cuenta atrás” es una película más que recomendable, porque tiene una factura técnica impecable y porque a todos nos gusta ver viajes en el tiempo y si hay portaaviones de por medio, cazas japoneses y paradojas temporales ya ni te cuento. Da un poco de rabia porque de haber mejorado dos cositas sería un peliculón y se queda simplemente en una buena película. Eso sí, ha aguantado perfectamente el paso del tiempo y es 100% válida casi 30 años después de haber sido parida, y eso es así porque la ambientación y la atmósfera de la película son ejemplares, además de que conserva todo su potencial y es francamente entretenida y te engancha desde el principio.

Si os animais a verla, prestad especial atención a la paradoja temporal del final, porque a día de hoy sigo sin ver claro ese punto, para mi lo más flojo de toda la película con diferencia.

La caratula del vhs de “Terrorvision” me daba un miedo importante de chaval. Pensaba que esa película tenía que dar mucho mucho miedo.

Hace ya algo de tiempo decidí que ya estaba preparado para ver “Terrorvision” de una vez y acabar con esa sensación de cosa a medio hacer por no haberla visto de chaval, así que me senté delante de mi televisión y me puse la película.

La caratula de Terrorvision me daba mucho miedo.

“Terrorvision” empieza enseñándonos el departamento de sanidad, división de seres mutantes, del planeta Plutón, donde un horrible monstruo es convertido en energía y disparado al espacio por un funcionario plutoniano. El monstruo viaja en forma de rayo por el universo rebotando de planeta en planeta hasta que aterriza en la flamante y nueva antena parabólica de los Putterman, una familia muy particular. El monstruo vive en la televisión, y cada vez que los Putterman cambian de cadena o hacen algún arreglo, el monstruo se manifiesta físicamente haciendo todo tipo de cositas malas. La familia está compuesta por los padres, un matrimonio salido y peculiar con una fijación preocupante por hacer intercambio de parejas; la hija, una chavala 100% ochentera que aprece Cindy Lauper en versión barata; el hijo, un chavalín obsesionado con las armas y con la estética militar; y el abuelo, un viejo loco obsesionado con la guerra, las armas, la supervivencia y que tiene un cuarto que parece un bunker militar. Con este cuadro de personajes, al que se suma alguno más, como Medusa, una presentadora tetuda de TV de un programa de terror y algún secundario más, parte “Terrorvision“, que básicamente consiste en ver como la familia lucha contra el monstruo hasta el final de la película y el desenlace. No cuento más de momento porque si no os chafo toda la película. Pero seguid leyendo, seguid…

Aquí el trailer original y ochentero de “Terrorvision”, para que os hagais una ide de lo que os vais a encontrar:

“Terrorvision” es la típica película exploitation ochentera. Aprovecha 2 o 3 cosas que funcionaban muy bien en la época (alienígenas, monstruos y tiros) y las combina en un producto 100% serie B.

El argumento de “Terrorvision” la verdad es que es casi lo de menos y se puede reducir en un par de líneas: un monstruo alienígena se introduce en el televisor de una familia aprovechando la nueva antena que se han instalado y los miembros de la familia van dándose cuenta de que algo ocurre cuando algunos desaparecen o se comportan de forma extraña. Aquí lo importante es la ambientación y las disparatadas interpretaciones. Ya sabemos que toda la película va a transcurrir con la familia luchando contra el monstruo, pero es que lo que de verdad llama la atención es el nivel de las interpretaciones, las caracterizaciones o los decorados empleados. Es dificil tomarse esta película como lo que se supone que es, una película de terror. “Terrorvision” más bien parece una película a medio camino entre la comedia de golpes y porrazos, la ciencia ficción más cutrona y algo de gore brutote, pero haciendo que la sangre sea verde, y así parece para menos.

La verdad es que en general vale la pena ver “Terrorvision” porque es una hija de su tiempo, es 100% años 80, pero eso sí, si os animais a verla no espereis una obra de arte ni una profunda reflexión sobre la condición humana. Aquí hay 80 minutos de cutrepelicula ochentera en su estado más puro. Os indico algunos momentos y personajes que hacen que valga la pena ver esta ¿obra de culto?:

1. Las interpretaciones. Los ¿actores? de “Terrorvision” no se toman en serio en ningún momento y de hecho están sobreactuando todo el rato, pero lo gracioso de esto es que dentro de esta peli hasta funciona. Parece que en lugar de una  peli de terror estamos viendo una comedia superexagerada de serie B, o Z. Hay escenas que rozan el surrealismo de tanto que gesticulan y exageran. Mi favorita es cuando O.D, el novio heavy de la hija, huye corriendo del monstruo, porque NO CORRE!!!, simplemente agita los brazos como si lo hiciera.
2. La ambientación y decorados. Todo es tan terriblemente cutre y tan de cartón piedra que sientes hasta cariño por una ambientación tan barata, que parece salida de una tienda de chinos. No se lo que se gastarían, pero vamos, fue la partida presupuestaria más pequeña, eso seguro.
3. La incorrección política. Lo mejor de esta época era que en las películas se hacían y decían burradas a todo trapo, sin estar pendiente de si se ofendía o no a tal o cual colectivo minoritario. En “Terrorvision” hay burradas por un tubo, desde el abuelo, un loco paramilitar que se caragaría a cualqueira, hasta el nieto, al que vemos disparando ametralladoras a sus 10 años, o el matrimonio Putterman, que tiene como objetivo principal de su vida hacer un intercambio de parejas lo antes posible, estén o no sus huijos en casa.
4. El look del novio de la hija. El novio de la hija de la familia se llama O.D, y hay que recordarle por vestir una camiseta de W.A.S.P (de los que suena en la película su tema “Tormentor”) y sobre todo por lucir un pelucón más falso que un billete de 18 euros para simular una melena de heavy del metal. Aquí teneis un vídeo para que podais apreciar el poder de “Tormentor”:

Bueno, espero que con todos estos argumentos de gran nivel os animeis a ver semejante engendro y disfruteis en la medida en que es posible de esta pelicula de mercadillo ochentera.

“Exploradores” cuenta una historia que a todos nos hubiera gustado vivir de chavales: ir al espacio con nuestros amigos.

Exploradores, una película de amiguetes de instituto que se dan una vuelta por el espacio.

La historia que nos cuenta “Exploradores” es la de una aventura espacial en toda regla: tenemos a un chaval, Ben (interpretado por un adolescente Ethan Hawke), que está obsesionado con la vida extraterrestre y que devora película tras película de ciencia ficción. Ben tiene sueños bastante extraños en los que se ve flotando entre circuitos impresos. Recuerda tan bien estos sueños que dibuja lo que ve y lo comparte con su amigo Wolfgang (River Phoenix), el típico chaval superempollón que no tiene más amigos que Ben y que es continuamente ridiculizado por sus compañeros de instituto. Wolfgang le dice a Ben que lo que sueña es un circuito y que puede fabricarlo y conectarlo a su ordenador a ver que es lo que hace, así que tenemos a Wolfgang metido en su garaje-taller trabajando como un loco hasta que consigue fabricar el circuito. Al tema se apunta Darren, el típico chaval marginado de clase social baja que se hace amigo de Ben cuando evita que el chulillo de turno le rompa los morros en una pelea escolar. Ben, Wolfgang y Darren activan el circuito con el que ha soñado Ben y de la nada se genera una esfera perfecta del tamaño de una pelota de tenis que flota en el aire. A partir de aquí, y resumiendo, los chavales descubren que lo que tienen entre manos es un campo de fuerza y que pueden usarlo para, por ejemplo, viajar por el espacio.

Los protagonistas de “Exploradores” cumplen todos los arquetipos de los chavales preadolescentes: el chico normal, el rebelde y el empollón, pero todos son unos inadaptados que se sienten fuertes y unidos como grupo.

Después de varias pruebas, la panda de colegas descubre que puede utilizar el campo de fuerza para meterse dentro de él y desde allí dirigirse a donde quieran volando a velocidades inimaginables, así que deciden construir una especie de nave espacial para meterla dentro del campo de fuerza, y ellos a su vez meterse dentro para viajar al espacio exterior. Antes hacen varias pruebas con el campo de fuerza, que van desde hacer agujeros en el suelo y perforar media montaña a elevar por el aire a Ben, para que pueda espiar a Lori, la chica de la que está enamorado. Para construir la nave que les permitirá viajar utilizan una vieja atracción de feria y la bautizan como “El camino del trueno”, en honor de la canción de Bruce Springsteen “Thunder Road”.

En este vídeo podeis ver el proceso de construcción de “El camino del trueno” al ritmo de la banda sonora de la película, compuesta por Jerry Goldsmith:

Y aquí, tras haberlo construido, podemos ver el primer vuelo de “El camino del trueno”, pilotado por la panda de tres colegas:

Una vez que han conseguido ponerse a volar y han probado que el campo de fuerza funciona tras un primer vuelo se plantean el siguiente paso: ir al espacio exterior. Así que ni cortos ni perezosos se preparan para el viaje de sus vidas. Dicho y hecho, los chavales salen hacia el espacio exterior y una vez que han dejado la atmósfera terrestre se ven atraidos hacia el interior de una nave alienígena. Una vez han llegado allí, y depués de recorrer la nave en busca de sus habitantes, se encuentran finalmente con dos alienígenas que tienen una visión de La Tierra creada solo a partir de lo que han visto en emisiones de televisión de nuestro planeta. Los muchachos alucinan con lo que se encuentran, incluyendo a un alienígena intrepretando una versión del “All around the world” de Little Richard, que para la película fue grabada por Robert Palmer e inmortalizada en este videoclip:

De aquí al final hay algunos de los mejores minutos de la película, y conviene que si no la has visto la veas y si ya la has visto, pues mira, la vuelves a ver, que seguro que es mejor que el 95% de las cosas que te vas a encontrar hoy en día en la TV.

“Exploradores” es una película 100% Joe Dante, que el año anterior había firmado “Gremlins”. Es una aventura de adolescentes en su estado más puro, con el humor y la inocencia que corresponde, pero también con un mensaje de cierto fondo, que es la imagen de nosotros mismos como sociedad que transmitimos a través de la televisión. ¿Qué idea tendrías de la Tierra y de los humanos si tu única fuente de información fuera la televisión?, pues a esa pregunta te contestan los protagonistas alienígenas de “Exploradores”.

Toda la película está impregnada de homenajes al cine de ciencia ficción de serie B en forma de carteles, emisiones de autocine o a través de las películas que Ben ve en su televisión. A lo largo de toda la película se reconocen fragmentos de clásico de la ciencia ficción como “La Guerra de los Mundos” o “Ultimatum a la Tierra”, entre muchos otros.

En un clásico de las aventuras juveniles en toda regla, tanto por el tema de la película (¿quién no ha soñado de chaval con volar por el espacio?) como por el tratamiento y el desarrollo de la historia. Así que ya sabes, hazte un favor e inverte una hora y cuarente y dos minutos de tu vida en ver esta película, porque no te arrepentirás.