“Cyborg” es Van Damme en estado puro. Una película de entretenimiento, tortas, acción… pura serie B que bebe de otros clásicos ochenteros.

La historia que nos cuenta “Cyborg” bebe directamente de muchos clásicos del cine ochentero y sobre todo de la saga “Mad Max” refrita con “Terminator” y algún toque de artes marciales made in Van Damme. La película nos cuenta que la Tierra está sumida en la destrucción y el apocalipsis por una plaga que se ha extendido entre la población, y en este furo apocalíptico América está sometida a una anarquía social donde el caos reina a sus anchas, con matones y personajes de todo tipo imponiendo su ley. Únicamente, la hermosa Pearl, mitad humana mitad robot, posee el conocimiento necesario para desarrollar una vacuna que pueda salvar el mundo de su situación actual. Pero Pearl es capturada por un grupo de piratas del futuro que pretenden apoderarse del antídoto y así dominar el mundo. Ahora, sólo el héroe Gibson (Jean Claude Van Damme) con su increíble habilidad para la lucha y el manejo de las armas, podrá rescatarla y salvar lo que queda de civilización enfrentándose a todo tipo de personajes… ¿o no? (currado el argumento y superoriginal, ¿eh?)

Si quereis intuir lo que os vais a encontrar al ver “Cyborg” aquí teneis un adelanto en forma de trailer:

Lo gracioso de “Cyborg” y lo que la hace atractiva como película es su cutrez (eso sí, cutrez digna, que es una serie B, pero no una serie Z) y su historia interna. Los personajes se llaman como marcas de guitarra e instrumentos: Gibson, Fender, Pearl…, los decorados son, esto, ejem, en fin, esa clase de decorados. Pero Van Damme sale victorioso de todo eso erigiéndose como el protagonista absoluto y luciendo todo su repertorio en la película.

La historia interna tiene su guasa, porque “Cyborg” se hizo para que Cannon, la productora, aprovechara el pastizal que se había gastado en disfraces y decorados para dos películas que no llegó a rodar, un film de Spiderman y la secuela de “masters del Universo”. Con tanto dinero gastado, decidieron hacer una peli, y en un fin de semana el director Albert Pyun se sacó el guión de la manga. Se gastaron 500.000 $ en la peli y recaudaron más de 10 millones a nivel mundial, así que si tenemos en cuenta que hablamos de una serie B que se gestó en un fin de semana, la palabra exitazo se queda corta.

Y sí, “Cyborg” es mala, y es olvidable, pero oye, ahí tenemos a Van Damme en su época de esplendor dorado y encima en un futuro tipo Mad Max y repartiendo a saco… ¿quien necesita más para pasar un buen rato?

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“Depredador” es una película redonda, plagada de escenas míticas y que vió nacer a una criatura que daría mucho que hablar (y más películas)

La historia que nos cuenta “Depredador” es, de inicio, más simple que el mecanismo de un chicle: un comando de mercenarios liderado por el carismático Dutch (Schwarzenegger) es contratado por la CIA para rescatar a unos pilotos apresados por la guerrilla en el típico pais de la selva centroamericana. La misión es un éxito (aunque únicamente consiguen rescatar a una chavala que hace de florero durante toda la película), y los mercenarios machacan a los locales (hasta aquí tenemos la típica película de guerra en jungla) pero durante el viaje de regreso se dan cuenta de que algo invisible está dándoles caza uno a uno. Ese algo resulta ser un cazador alienígena provisto de increibles habilidades y cacharrillos de caza varios que se queda con las calaveras de sus víctimas como trofeos. Desde aquí, la película vira a un estilo que cruza la ciencia ficción y la acción pura y dura. Los mercenarios deberán enfrentarse a semejante bestia con los pocos recursos que tienen… ¿conseguirán detenerle?

“Depredador” fue un taquillazo y dió a conocer a una de las crituras más carismáticas del cine, el predator. Aquí podeis ver su trailer:

La película está llena de acción a raudales, a un ritmo trepidante, y el “Depredador” pasa a ser el protagonista principal desde su primera aparición hasta el final. Además, tenemos a un grupo de tios hipermusculosos que no dejan de decir macarradas y frases de esas para el recuerdo, del estilo de “no tengo tiempo para sangrar”.

En resumen, “Depredador” es un clásico moderno y ochentero que no debes perderte

Y oye, si ya la has visto, pues la puedes volver a ver porque vale la pena.

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El precio del poder (Scarface) nos descubrió a Tony Montana, un antiheroe en toda regla, en esta historia de mafia, poder, criminales y venganza

Desde luego es una película con una capacidad de sorpresa e impacto visual de primer nivel, en la que la violencia se muestra muy crudamente y donde los personajes tienen un atractivo que hace que te olvides de que, en realidad, son auténtica escoria. Todo eso y algo más os encontrareis en “El precio del poder”.

La película nos cuenta la historia de Tony Montana (Al Pacino) y Manny Ray (Steven Bauer), dos presos cubanos a los que el régimen de Fidel Castro ha permitido exiliarse en los Estados Unidos. En la ciudad de Miami se integran en el clan del narcotraficante Frank López, organización en la que Montana asciende poco a poco hasta terminar enfrentándose a su propio jefe con el resultado que podemos imaginar. La novia de éste, llamada Elvira (Michelle Pfeiffer), se convierte en el objeto de deseo de Tony, quien acabara casándose con ella en una relación amor-odio de primer nivel. “El precio del poder” es un remake del “Scarface” de Howard Hawks por parte de Brian de Palma y Oliver Stone como guionista, que se ocuparon de actualizar y renovar el clásico de Hawks, convirtiéndolo a su vez en un nuevo clásico que hoy día casi roza la categoría de icono y donde hay míticas secuencias que han quedado ya como clásicos modernos en la retina de muchos espectadores.

“El precio del poder” es una película que a pesar de tener ya casi 30 años y ser un remake no ha perdido valor si no más, al contrario, ha ganado en calidad con unos perfectos y brillantes acabados que la primera versión, quizás por la época, no tuvo, y las presentes no consiguen.

Brian de Palma se alejó por aquellos tiempos del cine hichcockniano para pasarse a un cine que daría de que hablar: una película épica posmoderna sobre gángsteres, casi diría que un precursor de Tarantino en la forma de mostrar la violencia de una forma muy cruda. Una verdadera obra maestra del cine de los últimos 40 o 50 años con una capacidad de impactar visualmente que no está al alcance de cualquiera.

De postre, uno de los trailers origindales de 1983 de “El precio del poder”:

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Pero empecemos por el principio. En 1984, James Cameron era un joven director de 30 años que tenía como experiencias dirigiendo el corto “Xenogenesis”, en 1978, y la horrorosa “Piraña 2: los vampiros del mar”, en 1981. En estas que en 1984 el amigo James salta a la fama absoluta por dirigir “Terminator“, una película aparentemente de serie B protagonizada por uno de los cachas ochenteros por excelencia, Arnold Schwarzenegger, hiperfamoso en aquellos años por haber protagonizado las dos entregas de Conan en el cine, “Conan el bárbaro” y “Conan el destructor”.

Terminator, parece humano, pero no lo es, como Belén Esteban.

“Terminator” cambiaría en poco tiempo las vidas de ambos y la de casi todos los que participaron en esta película violenta, futurista y dura, donde los buenos modos no tienen cabida y donde lo oscuro campa a sus anchas. Esta película sentó las bases de un moderno cine de acción y ciencia ficción: más realismo, más dureza y menos elementos amables en una historia clásica, que en momentos parece un western, pero contada de una forma radicalmente nueva. Por si alguien no lo sabe esta historia mitad ciencia ficción mitad acción salvaje cuenta lo siguiente: en el futuro, la humanidad vive dominada por las máquinas, que se han apoderado del mundo lideradas por Skynet, una computadora que casi ha doblegado por completo a la raza humana, pero un grupo de humanos resiste y combate a las máquinas, liderados por John Connor. Para eliminar a John Connor, Skynet envía a un Terminator, un cyborg, una máquina con aspecto humano, al año 1984 para matar a Sarah Connor, la madre del futuro lider de la resistencia y así borrar a éste de la existencia. Pero la propia resistencia, que conoce los planes de Skynet envía a un salvador, Kyle Reese, que deberá destruir al Terminator y proteger a Sarah Connor para que ésta no sufra ningún daño.

“Terminator” es la combinación perfecta de acción, ciencia-ficción, suspense y algo de terror, fusionando de manera magistral todos esos géneros.

Este es el punto de partida de “Terminator“, que empieza con la llegada al presente, a 1984, del Terminator (Schwarzenegger) y de Reese, ambos en pelota picada. Los dos intentan localizar lo antes posible a sarah Connor, uno para matarla, el Terminator, y el otro, para protegerla, Reese. La película es una oscura persecución de ambos buscando a Sarah Connor y persiguiéndose entre sí para ver quien consigue su objetivo antes. Todo esto ante una alucinada Sarah Connor, que no puede creer que ella sea la llave de la esperanza del futuro para la raza humana.

Sin querer desvelar muchos detalle de la película, que hay que verla o es que vives en otro planeta, sí que llaman la atención muchas cosas. No solo la historia, sino más bien la manera de contarla, haciendo protagonista a una máquina de matar sin ningún sentimiento. Prácticamente toda la película transcurre de noche, y hay decenas de escenas y situaciones que han pasado a la historia del cine moderno, como por ejemplo la mecánica que sigue el Terminator para eliminar a Sarah Connor. Como no sabe quien es ni que aspecto tiene, se limita a seguir la guía telefónica e ir “visitando” a todas las Sarah Connor que encuentra. También ha hecho historia el famoso “Volveré”, que el Terminator le dice a un policia cuando éste no le permite pasar al interior de la comisaria. Y por supuesto, el final, que es de traca e infarto…

A mí personalmente, las cosas que más me impactaron de “Terminator” en su día fueron:

• Los efectos especiales. Son pocos y podrían ser mejores, pero están muy muy bien para la época. Especialmente memorable es el final, con el Terminator en todo su esplendor metálico o la escena delante del espejo en la que el Terminator nos deja ver parte de su cara metálica.
• La escena de la discoteca. No es de las más famosas, pero no sé porque me enccanta. el Terminator andando tranquilamente por una discoteca ochentera rodeado de bailongos y en busca de su presa: Sarah Connor.
• La llegada del Terminator. Totalmente desnudo, nuestro querido Terminator se dirige hacia unos punks en busca de ropa para vestirse. Los pobres desgraciados cometen la imprudencia de llevarle la contraria… mala decisión.
• Los flashbacks de Reese sobre el futuro. Verdaderamente no son Flashbacks, pero a lo largo de la película Reese sueña varias veces con su vida en el futuro, como soldado a las ordenes de John Connor y luchando contra las máquinas. Un futuro negro, polvoriento y decadente en el que la raza humana es una especie en vías de extinción.

Creo que todos hemos visto “Terminator” por lo menos un par de veces, pero desde luego si está en un día aburrido y no sabes muy bien que hacer siempre es una buena opción. Para refrescaros la memoria, unos cuantos vídeos:

Trailer de más de 3 minutos de 1984 de Terminator:

La famosa escena del “volveré”, en español:

La escena de la armería en español, así va un Terminator de compras:

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En “La jungla de cristal” Bruce Willis se convirtió por primera vez en John McClane, ese policía irónico y cabroncete que le lanzó al megaestrellato.

La jungla de cristal, la película que convirtió a Bruce Willis en héroe de acción.

“La jungla de cristal” comienza mostrándonos como John McClane llega a la ciudad de Los Angeles procedente de Nueva York. Es un policía que viene a reunirse con su mujer en la fiesta de Navidad que se celebra en la empresa donde ésta trabaja, y cuya sede está en el Nakatomi Plaza, un edificio de oficinas que aún no está terminado (de ahí lo de “La jungla de cristal”, aunque el título original “Die Hard” es más traducible como “Duro de matar”). Nuestro amigo John se va para allá, a ver con qué se encuentra porque se nos da a entender que la relación son su mujer está muy deteriorada. Cuando llega, conoce a algunos compañeros de Holly, su mujer, y se encuentra con ella: charlan a solas en un baño mientras John se refresca, y empiezan a discutir… ella sale del baño porque la reclaman para dar un discurso en la fiesta, y es en ese momento cuando unos terroristas se apoderan del edificio. Han pasado 18 minutos desde que empezó la película y ya están todas las cartas sobre la mesa: el edificio entero cerrado a cal y canto por unos terroristas y todo el personal que trabaja en el Nakatomi Plaza recluido y amenazado por los terroristas salvo uno, John McClane, que al oir los disparos y el follón, se escabulle del baño vestido con un pantalón y una camiseta blanca de tirantes y sin zapatos y huye con su arma reglamentaria hacia los pisos superiores, desde donde intentará pedir ayuda y “ocuparse” de los terroristas. Aquí es donde realmente empieza “La jungla de cristal“.

En “La jungla de cristal” la acción es la verdadera protagonista de la película. Toda la historia está articulada para presentarnos una serie de situaciones de acción pura y dura a cual más intensa.

Desde este momento la película se convierte en lo que todos sabemos que es: un carrusel de acción, mamporros, tiros y golpes en el mejor sentido de la palabra, y todo salpicado por la ironía y los chistes de John McClane, capaz de bromear en más de una ocasión con los tios que están intentando matarle. Y este fue el gran acierto de la película en mi opinión, porque lejos del típico héroe de acción justiciero, John McClane es un tio cargado de mala leche, ironía y una elevada dosis de humor cabrón, algo que se demuestra cuando bromea con los nombres de los terroristas o en sus conversaciones con el sargento Powell, un policía del exterior del edificio con el que consigue contactar. Además, vemos a John McClane usar por primera vez (luego lo hará en todas las secuelas) su famoso chascarrillo “yippie-kay-yay, hijo de puta“. Veámoslo aquí en versión original:

Desde el punto de vista de la acción, “La jungla de cristal” es una película impecable. Desde el momento de la entrada de los terroristas en el edificio Nakatomi Plaza, el ritmo de la película es trepidante y no decae en ningún momento, estando muy bien estructurada y llevándonos hasta el desenlace final en un estado de tensión máximo, en el que conocemos las verdaderas intenciones de los terroristas. Probablemente, “La jungla de cristal” sea una de las mejores películas de acción de los últimos 25 años, y desde luego se nota que hay un trabajo de guión y dirección, porque aquí toda la acción la llevan los personajes, y no hay nada de grandes efectos especiales a lo loco.

Aquí os dejo los que yo recuerdo como los mejores momentos de “La jungla de cristal“, sin desvelar demasiado para aquellos que no la hayais visto aún:

1. La escena de los cristales. Como ya sabeis, McClane huye descalzo cuando entran los terroristas y a lo largo de la película tarda en poder calzarse, primero porque no encuentra botas o zapatillas de su número (ese es el tipo de humor que reina en esta película) y luego por lo que le pasa con unos cristales que le dejan en el camino y que el pobre John tiene que sacarse en un baño.
2. Como llamar la atención de alguien. En un primer momento McClane intenta que la policía venga en su ayuda, pero las comunicaciones están cortadas y el tema no es fácil. Un policía, el sargento Powell, entra en el Nakatomi después de que McClane haya activado la alarma de incendios, pero como no ve nada raro, se marcha. Viendo que su única posibilidad se va, John McClane se las ingenia para llamar su atención de una forma muy espectacular, lanzando una cosita por la ventana. Si quereis saber que es, a ver “La jungla de cristal” tocan.
3. Los nombres de los terroristas. La forma en la que McClane se cachondea de los terroristas y apunta sus nombres para luego jugar con las relaciones entre ellos es también de traca. Algo muy sencillo pero muy bien planteado en la película.
4. El tiroteo en la mesa de reuniones. Una de las escenas de tiros más potentes transcurre en una larga mesa de reuniones en la que McClane juega al ratón y al gato con un terrorista.
5. La escena de la manguera. Una auténtica joya de la pirotecnia y las explosiones. Lo que te puede ayudar una manguera cuando todo parece que vaya a saltar por los aires solo lo sabe John McClane.

Desde luego, “La jungla de cristal” es una de las pocas películas de acción de los últimos años (aunque ya tenga más de 20 años) que recomendaría a cualquiera, y lo cierto es que no solo se conserva estupendamente sino que es muy pero que muy válida hoy en día y desde luego objetivamente mejor que la mayoría de cintas de acción del siglo XXI, más basadas en los efectos y las pirotecnias barrocas que en una buena historia y unos buenos personajes.

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Yo entré en el singular mundo de Tim Burton de la mano de su “Batman”. El estilo del director se nota especialmente en la ambientación de Gotham City.

Aún así, fuí a ver “Batman” al cine, sorprendido de que hubiera entradas, y aquella película sobre el superhéroe de Gotham me cambió la vida en dos cosas fundamentales: fue la primera película de la que tuve una camiseta (la clásica, con el logo del murciélago, como el poster), y me descubrió el mundo de Tim Burton, al que le he sido fiel desde entonces.

El poster del Batman de 1989.

Por si alguien no lo sabe, “Batman” nos cuenta la historia de una ciudad, Gotham City, en la que el crimen no hace más que crecer, hasta que aparece un justiciero enmascarado y disfrazado a semejanza de un murciélago que comienza a dar cuenta de los criminales a base de golpes y utilizando un buen arsenal de artefactos extraños. Paralelamente, uno de los capos de la mafia de la ciudad se ve traicionado por un hombre su confianza, al que ordena matar arrojándole a un deposito de líquidos tóxicos, pero el secuaz, Jack Napier, vuelve convertido en El Joker, un criminal con el rostro desfigurado y particularmente peligroso por su personalidad mezcla de payaso y psicópata asesino que se convertirá en la némesis de Batman, quien en realidad es Bruce Wayne, millonario y playboy que bajo su aparente frivolidad esconde el secreto de ser el hombre murciélago, el azote del crimen de Gotham. Los caminos de ambos, El Joker y Batman, están destinados a encontrarse en la lucha entre el bien y el mal en la ciudad de Gotham. Este es el argumento principal de la película de una forma muy resumida, pero aunque el planteamiento es sencillo, el enfrentamiento entre un héroe y un villano, la trama se complica poco a poco, desvelando una serie de matices de lo más interesente que no conviene destripar a quien no la haya visto. Como aperitivo, aquí teneis el trailer original, en inglés, para que los que no la hayais visto os animeis:

En el “Batman” de Tim Burton, aparte de la acción, hay un tono sombrío e irónico y casi autoparódico que hace que el joker de Jack Nicholson sea el más cercano al espíritu del Joker del comic original.

Aparte de la línea argumental principal de “Batman“, paralelamente está el empeño de una periodista, Vicky Vale (encarnada por Kim Bassinger), empeñada en averiguar la identidad de Batman, y también otros argumentos menores. Pero el protagonismo y la chicha de la película están en el enfrentamiento entre Batman y El Joker.

Hoy en día es muy habitual comparar las dos versiones de Batman, la de Burton y la de Christopher Nolan. En aquel lejano 1989 solo se podía comparar el Batman de Tim Burton con los comics y las aventuras televisivas de Batman de los años 60-70, y yo lo tengo muy claro, vistas las películas de Batman de Burton y Nolan, me quedo en primer lugar con este Batman de 1989, por una serie de razones, claro que sí, que no es por capricho. A mi “Batman” de Tim Burton me convirtió en acerrrimo fan del director y hasta me compré durante una temporada comics del hombre murciélago por 4 sencillas razones:

1. La ambientación y la ciudad de Gotham. El trabajo de ambientación de esta película es sencillamente inmejorable, creando una ciudad intemporal (no se sabe ni tiene interés saber en que año estamos) y 100% obra de Tim Burton. Junto con Batman y El Joker, la ciudad de Gotham es la otra protagonista real de la película. Generalmente, yo no me fijo en estas cosas en una película, ni soy la típica persona que dice frases como “la iluminación en esta película es exquisita”, pero es cierto que Gotham, en esta película, es un personaje más gracias al cuidado trabajo de crear una ciudad oscura y perfectamente creible. Un cruce entre la ciudad de “Blade Runner” y un Chicago de los años 30.
2. El Joker. Jack Nicholson encarnó al Joker y pudo dar rienda suelta a todo su histrionismo y arsenal de muecas. En mi opinión está insuperable, bordando el papel tal y como se planteaba el personaje del Joker en los comics. Es un tipo que no sabes de qué va, imprevisible, loco y malvado como nadie. Creo que la gente cuando compara su interrpetación con la de Heath Ledger en “El caballero oscuro” de 2008, no se da cuenta de que la interpretación de Nicholson es mucho más cercana al espíritu del comic original: un payaso asesino totalmente incrotolable e impredecible.
3. Los artilugios de Batman. Independientemente de que guste o no ver a Michael Keaton haciendo de Batman, el arsenal de gadgets y aparatejos que salen en esta película es tremendo, empezando por el Batmovil, y siguiendo con el Batarang, o cualquier otro de los cacharros que utiliza Batman para combatir el crimen.
4. La ironía y la oscuridad. Toda la película está impreganda de una carga de oscuridad importante y de cierta ironía y mala lecha, algo muy típico de Burton y que se agradece en esta película, que gana bastante con esa orientación. Si hubiera sido la típica película de acción su tono hubiera sido diferente, eso seguro.

Recuerdo que hubo una polémica tremenda con el tema de que Michael Keaton fuera el elegido para encarnar a Batman. En su día yo también pensaba que un tipo así, tan normal y tan tirillas no pegaba con el personaje, pero pasados los años creo que fue un acierto, porque es de las pocas veces que ves a un tio absolutamente normal haciendo de superhéroe, no a un guaperas supermusculoso. Fue un empeño personal de Tim Burton, y el tiempo le ha dado la razón, o así lo veo yo. Independientemente de que guste o no Michael Keaton, lo cierto es que es un tipo normal y corriente que en “Batman” tiene una vida extraordinaria.

En definitiva, para mí, la mejor versión de Batman que ha visto el cine, junto con su secuela “Batman Returns”, a partir de ahí, coincidiendo con la salida de Tim Burton como director, todo fue cuesta abajo hasta que Christopher Nolan le ha dado nueva vida al personaje. Incisto en que para mi el Batman de 1989 es el mejor, por estructura de la historia, muy compacta y bien narrada, como por la ambientación y el carisma de los personajes… en fin, por casi todo. El final de los 80 vió nacer la mejor versión de Batman en pantalla grande.

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Es una pena que no podamos hablar de “Mad Max”, la primera peli de la trilogía, porque es de 1979, pero sí que podemos hablar aquí de la segunda, “Mad Max 2, el guerrero de la carretera“, porque es de 1981. Esta película nació lógicamente al abrigo del éxito de la primera parte, protagonizada por un Mel Gibson al principio de su carrera, antes de embarcarse en grandes producciones hollywoodienses.

¿De qué trata “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”?

Mad Max 2, el guerrero de la carretera. Peliculón de acción-ciencia-ficción.

“Mad Max 2, el guerrero de la carretera” empieza con un prólogo narrado por una voz en off que nos cuenta como la humanidad entró en una guerra mundial que destruyó la civilización tal y como la conocíamos y como Max, un policía, acabó conviertiéndose en Mad Max (vamos, que nos resume la primera película). La voz en off acaba su narración justo cuando empieza la película, con Max en su coche oxidado y polvoriento, acompañado por un perro y recorriendo áridas carreteras solitarias llenas de polvo y solo transitadas por pseudo-punks motorizados y vestidos a medio camino entre una tribu india y un  jugador de rugby. Tras un encuentro fugaz con unos motoristas y conseguir un poco de gasolina de un camión abandonado, el bien más preciado de este futuro apocalíptico, Max cae en una trampa cuando se dirige a un vehículo volador que parece abandonado en medio del desierto. Un personaje le captura para apoderarse de su vehículo, pero las tornas cambian y es Max quien le hace prisionero. A cambio de no perder la vida, el personajillo le dice a Max que puede conseguir toda la gasolina que quiera en un sitio al que le puede llevar… y allí se encaminan. Cuando llegan, lo que Max encuentra es una refinería en toda regla, fortificada y asediada por una tribu de motoristas y tios chungos postapocalípticos que quieren apoderarse de esa gasolina. ¿Ayudará Max a los pobres de la refinería a buscar un futuro mejor o se aliará con los personajes que la asedian para tener su parte del pastel (de gasolina)? Esta incognita quedará desvelada si veis “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”

En “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”, tan protagonista como los actores es la ambientación de un mundo devastado por la guerra nuclear

La historia de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es sencilla y sin ningún tipo de giro argumental raro ni profundidad social… estamos hablando de una película que cruza el cine de acción con el de ciencia-ficción de manera magistral, pero desde luego el gran mérito de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” está en crear un mundo propio y postapocalíptico, un futuro sucio, malvado y repleto de personajes como Humungus o el propio Max, con una estética a medio camino entre motoristas de Harley-Davidson, punks de barrio y jugadores de rugby. Para comprobar esto, echadle un ojo al trailer de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera“:

Como ya digo la historia de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es sencilla y directa: unos malos muy malos quieran apoderarse de la gasolina que tienen los buenos, que queiren empezar un mundo nuevo, y en medio está Mad Max, que ni es bueno ni malo, y solo mira por él mismo, aunque al final intervendrá para que la balanza de la justicia se decante del lado de los buenos. Y el gran valor de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es esa estética y una serie de momentos memorables para el cine de acción y ciencia ficción que han sido copiados hasta el asco en multitud de películas, como por ejemplo la escena del lanzamiento del boomerang-cuchillo o los combates en plena carretera entre Mad Max y los salvajes que pueblan ese mundo hostil, eso sin contar el montón de películas que surgieron a la sombra de esta y cuyo argumento era siempre el mismo: futuro postapocalíptico lleno de bandas de criminales malísimos y un héroe (o antihéroe) solitario que desafía a todos.

Solo por su ritmo, su estética y la fauna que desfila por la película vale la pena verla, que además tiene el mérito de que todo el protagonismo del guión vaya a parar a las situaciones, a la actitud de los personajes y a la ambientación y poco o muy poco al diálogo. en este futuro lleno de polvo, cuero y gasolina las palabras no son mejores que un buen cartucho de escopeta. Como remate, una de las escenas más famosas de la película, la de la escena del lanzamiento del boomerang:

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“Los inmortales” es una historia de espadas, honor, inmortalidad y lucha entre el bien y el mal.

Los inmortales: gente que no muere, duelos a espada y Rock´n´Roll.

En lo que a la película se refiere, “Los inmortales” tiene todo lo necesario para que le guste a cualquiera: tios con espadas, gente inmortal, acción, las dosis justas de fantasía, un poco de sentido del humor y peleas a espada en las que se cortan cabezas… ahí es nada amigos. Ah, y también hay una historia de amor (no, dos), por supuesto. Entonces direis, ¿pero de qué va “Los inmortales” con toda esta mezcla de cosas que acabas de decir? La historia comienza con un tipo (Christopher Lambert) viendo un combate de lucha libre en el Madison Square Garden. A mitad del combate, el tipo se levanta y se dirige al aparacamiento, donde se encuentra con otro hombre, con el que empieza a hablar como si se conocieran de toda la vida. Repentinamente, ambos sacan una espada cada uno y comienzan a pelear como posesos con el único objetivo de acabar el uno con el otro. Al final del combate, el vencedor es el primero al que vimos viendo el combate. Su nombre es Connor McLeod, y es inmortal. Pertenece a una raza de hombres elegidos por los dioses con el único objetivo de exterminarse entre ellos a lo largo de los años hasta que solo quedé uno, que recibirá el premio final de los dioses como regalo por haber acabado con todos los demás inmortales.

Es dificil encuadrar a “Los inmortales” en un género concreto, porque tiene elementos de acción, ciencia-ficción, fantasía, amor…

La película tiene un hilo narrativo centrado en la actualidad, en el presente, en el que Connor vive como un anticuario de exito y se ve presionado por la policía, al estar siempre relacionado con esas extrañas peleas con espadas y las consecuentes decapitaciones; y tiene otro hilo narrativo, que es el mejor, en el que se nos cuenta su historia desde que descubrió en el siglo XVI que era inmortal, al caer herido de muerte a manos de Victor Kruger, un sanguinario inmortal cuyo único objetivo es acabar con todos los demás inmortales para ganar el premio.

Aquí teneis el trailer original de “Los inmortales“:

La película está salpicada de la historia de Connor a lo largo de los años, así que en “Los inmortales” vemos como Connor es exiliado en el siglo XVI, como combate medio borracho en un duelo en la Francia del siglo XVII, como se enfrenta a los nazis en la segunda guerra mundial, etc… Conocemos su historia a lo largo de los años y también como se hace amigo y aprendiz de otro inmortal de origen egipcio y que ahora tiene una identidad española, Juan Sánchez Villalobos Ramírez, interpretado por Sean Connery, que le enseña tanto el manejo de la espada como los beneficios y problemas de ser inmortal. Ambos se hacen grandes amigos, y en esta parte es donde Connor aprenderá lo más duro de ser inmortal: él sobrevive, pero aquellos a los que ama mueren.

Ramírez dándole lecciones a Connor McLeod. En este caso, la importancia del equilibrio:

Con todos estos hilos argumentales, y alguno más que me dejo, “Los inmortales” es en resumen la historia de un duelo entre el bien y el mal, entre Connor McLeod y Victor Kruger, que a lo largo de cientos de años se buscan y se encuentran para ser el único inmortal que quede en pie. Connor evita siempre los enfrentamientos, pero Victor Kruger busca la manera de enfrentarse a él, especialmente cuando son los dos únicos inmortales que quedan sobre la faz de la tierra.

A pesar de que el protagonista sea Connor McLeod, interpretado por ese armario inexpresivo que es Christopher Lambert, la atención se la roban facilmente Juan Sánchez (Sean Connery) y Victor Kruger (Clancy Brown), dos personajes mucho más carismáticos y atractivos que el propio protagonista. Ni hablemos ya de los actores, porque comparar a Sean Connery con Christopher Lambert es casi ofensivo.

La historia, hoy en día, es totalmente válida, más de 20 años después de su estreno. Una película que mezcla acción, saltos en el tiempo, fantasía, suspense… de ahí no puede salir nada malo. “Los inmortales” es hoy igual de entretenida que hace 20 años. No cambiara la forma de pensar de nadie ni falta que hace. Es una película de entretenimiento con música de Queen de fondo, así que solo por eso ya vale la pena verla. Para muestra de la unión música de Queen + película, aquí teneis el vídeo del tema “Princes of the universe”, bien salpicado de imágenes de “Los inmortales“:

En el lado negativo, el éxito de “Los inmortales” generó dos secuelas (o tres, que ya he perdido la cuenta) totalmente prescindibles y horrorosas, además de una serie de TV protagonizada por Duncan McLeod, otro inmortal, primo de Connor McLeod. Esta es la consecuencia negativa, mucha cantidad de producto de muy baja calidad para aprovechar el tirón que generó la idea de unos tíos inmortales batiéndose en duelo con espadas en la actualidad.

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En “Acorralado” Sylvester Stallone se pone por primera vez en la piel de John Rambo. No sería la última.

La verdad es que hoy en día “Acorralado” no ha perdido nada de su frescura, y sigue siendo una película muy disfrutable, de acción pura y dura, pero a la vez con un mensaje claro en su argumento y con un estilo que definió la manera de hacer mucho del cine de acción que se hizo desde entonces. Volví a ver “Acorralado” hace apenas una semana y pensaba que habría quedado envejecida y obsoleta, pero para nada, sigue siendo 100% dinamita (o napalm, por aquello del Vietnam).

Acorralado, una peli de Stallone que mola.

La historia de “Acorralado” no puede ser más simple: John Rambo (Sylvester Stallone), un veterano del Vietnam, va en busca de un viejo amigo de su unidad en una zona montañosa de los Estados Unidos. Cuando le comunican que su amigo ha muerto de cáncer contraido en Vietnam, deambula hasta llegar a un pueblo en el que el Sheriff local le intercepta y le invita a que no se quede allí, ya que gente de su calaña (sucio, sin afeitar y con el pelo largo) no es bien recibida. El Sheriff se ofrece a llevarle hacia el norte, y cuando deja a Rambo allí éste se da media vuelta y vuelve al pueblo buscando un lugar donde comer. El Sheriff le detiene y le lleva a comisaria, donde le fichan, le encierran y le hacen pasar bastante malos ratos a base de bañarle a manguerazo limpio y reducirle asfixiándole, por ejemplo. Mientras es humillado por los policias, Rambo tiene recuerdos de su estancia en Vietnam y de como fue torturado. Harto y cansado de que le humillen, Rambo estalla, les da una paliza a todos los policias que le rodean y se fuga de la comisaria, robando una moto hasta que llega a un frondoso bosque del norte, donde se esconde de los policias que le persiguen. El Sheriff local, obsesionado con encontrarle, pone en movimiento a todos sus agentes para que capturen a ese hombre, del que acaban de descubrir que es un ex boina verde condecorado en Vietnam y que ahora mismo está, como dice el título de la película, “Acorralado“.

Trailer original de “Acorralado” (en inglés, “First Blood”):

En este punto solo llevamos unos 20 minutos de “Acorralado“, y el resto de lo que nos queda es el juego del gato y el ratón con Rambo. Los policias y militares quieren capturarle y Rambo pone en práctica todo lo que sabe sobre lucha y tácticas de guerra para librarse de ellos y ridiculizarlos. Los policias se ven impotentes para darle caza, más aún cuando Rambo, armado con tan solo un cuchillo, es capaz de reducirlos a todos ocultándose entre la maleza y haciendo un par de trampas con sus manos. Los deja a todos malheridos pero vivos y pide por favor que le dejen en paz, que no ha hecho nada. Pero el Sheriff local no parece dispuesto a dejarlo correr.

“Acorralado” tiene un ritmo frenético y consigue que sintamos la presión de Rambo, rodeado de personas que quieren darle caza a toda costa, como si fuera un animal.

Para rematar la faena, aparece el ejercito dispuesto a dar caza al boina verde loco, y entonces aparece el Coronel Trautman, ex jefe de Rambo, que se presenta allí no para salvar a Rambo de los que quieren darle caza sino para salvarles a ellos de Rambo.

Una de las frases más celebres de “Acorralado”, pronunciada por el el Coronel Trautman:

De principio a fin “Acorralado” tiene un ritmo muy rápido y agil, la verdad, y en ningún momento se hace ni aburrida ni lenta. Eso sí, diálogos en “Acorralado” hay pocos, porque a fin de cuentas lo que vemos en pantalla es un grupo de hombres intentando cazar a un hombre solo, pero el lenguaje visual de la película está muy bien llevado y todo queda claro y conciso, sin necesidad de palabras.

“Acorralado” nos lanza además un doble mensaje: por un lado, el de los veteranos del Vietnam, que después de dejarse el culo por su pais son recibidos como asesinos y socialmente despreciados, algo que explica muy bien el propio Rambo en su charla final con el Coronel Trautman; por otro lado, lo que “Acorralado” nos cuenta también es como los egos personales y la sed de venganza solo conducen a generar violencia sin sentido, sin cuestionarse o no si eso es necesario.

Si algo me ha llamado la atención al volver a ver “Acorralado” es que Rambo no mata a nadie en toda la película y que el personaje inspira incluso cierta ternura y pena, a fin de cuentas solo es un pobre tipo que hizo lo que debía y al que todos han dejado de lado precisamente por eso, por hacer lo que había que hacer. Seguro que si no habeis visto “Acorralado” en mucho tiempo el subconsciente os dice que Rambo se carga a un montón de gente, pero la verdad es que el único muerto que hay ni siquiera puede atribuírsele a Rambo. Y algo que me ha sorprendido, y mucho, es este final alternativo de “Acorralado”, mucho más duro y apropiado que el original, pero eso sí, menos rentable:

Lógicamente, quien decidiera tomo la decisión correcta comercialmente hablando, convirtiendo a las películas de Rambo en una de las franquicias más rentables de los 80 con dos títulos más.

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En “Al filo del abismo”, un Christian Slater de 19 años busca venganza subido en su skate

A mi la verdad es que la película me gustó un montón en su momento, en el que yo era un adolescente, y me pasó un poco como cuando ví “Karate Kid“, que me entraron ganas de aprender karate. Pues es ver “Al filo del abismo” y al terminar la película tienes unas ganas tremendas de coger un skate y aprender a hacer las cosas tan chulas que ves en la película. Claro que te pones a ello, te das un buen par de leches y generalmente se te olvida la idea (o no).

“Al filo del abismo” nos cuenta la historia de Brian, un chaval americano de instituto típico, que es un rebelde y un malote (el mayor detallazo de la película es que el personaje de Christian Slater lleva camisetas de The Cramps… eso es muy grande!) y que se pega todo el día pegado a su skate y yendo con sus amigotes (uno de ellos es el mismísimo Tony Hawk, aquí con 20 añitos, y ahora leyenda mundial del skate) a buscar sitios donde hacer el cabra y acrobacias arriesgadísimas. Hasta aquí todo “normal”, pero el caso es que Brian tiene un hermano asiático adoptado llamado Vinh que trabaja en una tienda propiedad de un vietnamita y colabora con una ONG que envía medicamentos a Vietnam. Los dos se llevan a matar aunque se quieren, pero son tan distintos como la leche y el vino. Pero resulta que un día Vinh descubre algo que no debe en los envíos de medicamentos a Vietnam de la ONG y es asesinado. Obsesionado por la muerte de su hermano, Brian se propone descubrir quienes son los asesinos de su hermano, averiguar por que lo han matado y llevar a los responsables ante la justicia, aunque para ello deba renunciar a su skate, a sus pendientes, a su pinta de malote, a su música y ponerse “Al filo del abismo“… aunque al final su skate será su mejor arma para enfrentarse a los criminales.

Esta es la historia de base de “Al filo del abismo”, un argumento muy poco creible que la película utiliza casi como relleno de las escenas de skate.

Aquí teneis el trailer de “Al filo del abismo”, para que veais de que va la película:

Desde luego la historia ya digo que no hay por donde cogerla. Vamos a ver, un chavalin de instituto que se enfrenta solo con su ingenio a una organización mafiosa y consigue averiguar él solito una conspiración de nivel internacional que es responsable de la muerte de su hermano adoptado asiático. No sé, todo esto en “Al filo del abismo” está cogido con alfileres, aunque Christian Slater, dentro de lo que es este hombre, está correcto en su papel, al igual que los secundarios.

Eso sí, lo verdaderamente grande e importante de esta película son las escenas de skate, no lo olvidemos. Esto es así, insisto, la película es un pretexto para ver como los chavales hacen unas piruetas acojonantes con el skate, que incluyen desde bailar hasta huir de motos, y si no me creeis aquí teneis una buena recopilación de escenas de skate de “Al filo del abismo”.

Al final de la película, si os animais a verla, descubrireis quienes eran los malos malísimos que mataro a Vihn y que fue lo que éste descubrió para merecer ser asesinado, pero probablemente os olvideis de eso a los 5 minutos pero os acordeis durante mucho tiempo de las escenas de skate, como la huida de las motos, el “paseo” con acrobacias por una obra en construcción o la búsqueda de piscinas con forma de riñón. Solo por esta característica tan particular vale la pena echarle un vistazo si no teneis cosa mejor que hacer.

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