“Superman II” es una digna continuación de la primera película, pero es muy distinta, y para mi, no alcanza el nivel de la primera ni de lejos, aunque tiene su encanto.

Superman II. El cartel promete, pero lo que te encuentras no mola tanto, de verdad.

En “Superman II” hay ingredientes que invitan al optimismo: Superman se enfrenta a tres supervillanos con superpoderes, además pierde sus poderes y es tachado de cobarde por la sociedad, etc., pero esas cosas que prometen se ven comprometidas por los ingredientes que “estorban” en la película, como demasiados gags cómicos, el poquísimo protagonismo de personajes como Lex Luthor o Jimmy Olsen o el nulo carisma de Margot Kidder como Lois Lane (lo siento, pero nunca me ha convencido esta actriz como Lois Lane). Eso sí, Christopher Reeve está enorme, tanto en lo cómico como en lo dramático, y es, desde luego, lo mejor de la película. Pero bueno, vamos al grano y hablemos de lo que nos cuenta “Superman II”. La película arranca con un resumen de casi 10 minutos de la primera película mientras nos muestra los títulos de crédito, para luego contarnos la historia de tres criminales de Krypton, el general Zod, Non y Ursa, que son condenados por Jor-El, el padre de Superman, a vagar por la eternidad encerrados en la zona fantasma. A todo esto, de vuelta a la actualidad, unos terroristas amenazan con volar la Torre Eiffel con una bomba de hidrógeno. En París está Lois lane, y para allá que va Clark Kent. Superman se deshace de la bomba, lanzándola al espacio, pero ésta explota y libera a los tres criminales de la zona fantasma, que se dirigen a la Tierra a sembrar el caos y la destrucción, ya que al llegar a nuestro planeta adquieren los mismos poderes que el hombre de acero, ¿podrá Superman hacer frente a tres criminales con sus mismos poderes?.

Con este argumento inicial la cosa promete, ¿verdad?. El trailer original de “Superman II” (en inglés) nos ponía la miel en los labios:

Porque además de enfrentarse a tres supercriminales con sus mismos poderes, en “Superman II” el personaje interpretado por Christopher Reeve revela su identidad secreta, pierde sus poderes de forma voluntaria o comprueba en sus propias carnes lo que es el dolor y sangrar cuando en una pelea callejera es vapuleado por un camionero en un bar de carretera.

Entonces, ¿cual es el problema de “Superman II”?, pues la continuidad, que el conjunto no funciona como lo hizo la primera parte.

Desde su estreno “Superman II” tuvo su ración de pelémica ya que el director original (el mismo de la primera parte), Richard Donner, fue sustituido, por diferencias con los productores, por Richard Lester. El hecho de mezclar el trabajo de dos directores tan distintos (Donner, más “serio”; Lester, más orientado a la comedia) hace que el resultado final no tenga fuerza y que a veces haya huecos en la historia. Incluso las escenas de acción, como el combate entre los tres supercriminales y Superman en las calles de Metropolis, se quedan a medias, ya que Lester decide intercalar entre explosiones, puñetazos y demás escenas de comedia tontísimas, que hacen que el conjunto pierda fuerza, y además de los protagonistas tienen más protagonismo aquellos que menos carisma tienen.

Como no todo es blanco o negro, hay cosas buenas y no tan buenas en “Superman II”. Aquí 5 razones por las que “Superman II” me gusta bastante menos que su primera parte:

1. El poquísimo protagonismo de Lex Luthor. Teniendo a Gene Hackman como villano y un personaje como Lex Luthor es inexplicable que en esta segunda parte el personaje apenas intervenga y tan solo lo hace de forma forzada y metido con calzador en el argumento. Parece ser que en la versión original de Richard Donner, Lex Luthor tenía muchísimo más protagonismo.
2. El mucho protagonismo de Lois Lane (Margot Kidder). Lo siento, pero no me gusta Margot Kidder como Lois Lane, y su personaje resulta cansino e insufrible en esta película. No me la creo.
3. El exceso de comedia tontorrona. Que en medio de una pelea a muerte entre cuatro tipo que están destrozando una ciudad te metan una escena en la que a un transeunte se le vuela el helado para estamparse en la cara de otro le quita toda la fuerza. ¿Esto es comedia o acción?, porque las dos cosas juntas son igual a nulo éxito en ninguna de ellas.
4. La parte de la película en las cataratas del Niágara. Para mi, lo peor de la película. Ñoñisima parte que no aporta prácticamente nada salvo que la identidad de Superman es descubierta por Lois (no hace falta ser Einstein cuando el disfraz consiste en unas tristes gafas, eso sí, feísimas).
5. La sensación de huecos e inconexión a lo largo de toda la película. Todo el film está lleno de situaciones mal resueltas o sin ninguna explicación, como cuando Superman recupera sus poderes de nuevo (no sabemos como lo hace ni se nos cuenta en ningún momento), o el final, en el que nada queda claro. En general, a la peli le falta toda la fuerza que tenía la primera parte.

Y ahora, para no ser injusto y miserable, 5 cosas que sí me gustan en “Superman II”:

1. Christopher Reeve. Al no aparecer Marlon Brando en esta segunda parte y con Gene Hackman apareciendo solo en plan anecdótico, el protagonismo de Christopher Reeve es absoluto. El tipo brilla con luz propia tanto en su vertiente cómica como en la dramática. Solo Terence Stamp, en el papel de General Zod, le hace sombra a nivel de carisma.
2. Algunas escenas de comedia. Solo algunas, las que no se ven metidas con calzador y resultan naturales, como por ejemplo cuando los tres supervillanos cambian las caras del Monte Rushmore (a pesar de la cagada que se pegan diciendo la antiguedad que tienen cuando se acabaron en 1941 ) por las suyas propias.
3. El juicio en Krypton. Aunque no está muy bien resuelto, la verdad es que la ambientación del planeta Krypton, el tribunal y la zona fantasma resultan más creibles que muchas escenas posteriores.
4. La pelea entre Clark Kent y el camionero. Un Clark Kent sin los poderes de Superman es apaleado por un camionero, experimentando por primera vez la vulnerabilidad y el dolor de ser derrotado. Cuando recupera sus poderes se toma la revancha (claro, con superpoderes yo yambién me atrevo)

Se que había dicho que diría 5 cosas que me gustan de “Superman II” pero la verdad es que no me viene a la cabeza ninguna más que sea de verdad importante.

En fin, es una película que hay que ver con cierta perspectiva, que ya tiene más de 30 años, y no compararla demasiado con la primera parte, porque entonces vale muy poco. Siempre queda la duda de como hubiera sido “Superman II” de haber sido hecha integramente por Richard Donner. Parte de esta respuesta se desveló en la edición especial en DVD de la película con el montaje de Donner, a la que corresponde este trailer:

La verdad es que la versión de Donner tiene mucha más fuerza y continuidad respecto a la primera parte, pero bueno, “Superman II” quedó como quedó (por el interés en hacer caja de los productores) y eso es lo que hay que valorar. Si teneis tiempo, echad un rato viendo las dos primeras partes seguidas y vereis las difrerencias, pese a que se rodaron a la vez en su casi totalidad.

“Conan, el bárbaro” es la adaptación de parte de las historias del personaje, que de la mano de John Milius (director y guionista) y Oliver Stone (guionista) se convirtieron en película en 1982. Una película influenciada por las historias de Robert E. Howard, que adapta, y la estética del comic, dado que Conan ya llevaba años apareciendo en las páginas de comics y siendo muy popular.

Para encarnar a “Conan, el bárbaro” el elegido fue Arnold Schwarzenegger, en el papel que le lanzó al estrellato.

Conan el árbaro: espadas, magos, mujeres y aventuras.

“Conan, el bárbaro” nos cuenta la historia de Conan, un Cimmerio, un hombre del norte, que siendo niño ve como su familia y su pueblo son asesinados por un grupo de guerreros desconocidos que llevan un estandarte en el que dos serpientes se enfrentan entre sí con un fondo de sol y luna negros. Conan es hecho prisionero y esclavizado hasta la edad adulta, en la que su dueño lo explota como gladiador, haciendo algo que se le da muy pero que muy bien, combatir a muerte. Cuando sus vistorias son muchas, su dueño lo lleva al este donde aprende el arte de la espada y también tiene acceso a la cultura. Un día, su dueño libera a Conan, dándole la libertad y permitiéndole huir. Desde ese momento, cuando llevamos media hroa de película, lo que vemos en “Conan, el bárbaro” es el viaje que emprende Conan en busca de los hombres que asesinaron a su pueblo, en busca de venganza. En su camino encontrará una tumba donde conseguirá su espada, se cruzará con brujas, conocerá a Subotai, un arquero arquiniano que viajará con él, y finalmente ambos conocerán a Valeria, una guerrera y ladrona rubia junto con la que robarán en el templo de la serpiente de Seth. Al cometer ese robo, los tres son llevados ante el rey Osric, cuya hija se ha unido a los fieles de Seth y a quien él quiere recuperar. Les ofrece muchas riquezas, pero lo que a Conan le interesa es la venganza, ya que el lider del culto de Seth es Thulsa Doom (encarnado por James Earl Jones), el brujo responsable de la muerte de su pueblo.

A partir de este punto, “Conan, el bárbaro” se centra en el viaje de Conan a la montaña del poder de Thulsa Doom y en como el cimmerio buscará la venganza, le ayuden o no le ayuden sus compañeros. En este punto de su viaje conocerá a un mago que le ayudará y se enfrentará finalmente a aquellos que asesinaron a su familia.

En “Conan, el bárbaro” encontramos todo lo necesario para entender porque se ha convertido en película de culto y en la cima del género de espada y brujería: guerreros con espadas, magos, brujería, cultos secretos, serpientes gigantescas, etc…

Hoy en día “Conan, el bárbaro” es todo un clásico, aunque como suele suceder en su época se llevó bastantes palos, aunque fue todo un éxito comercial pese a su nivel de violencia y brutalidad (o precisamente por ello). Para entender lo que nos vamos a encontrar al ver “Conan, el bárbaro” lo mejor es ver el trailer de cine original (en inglés) donde podemos ver parte de lo mejor de la película:

Desde luego, si por algo “Conan, el bárbaro” se ha convertido en una película mítica y en un clásico por derecho propio es por su particular estilo, por su fuerza visual y por su impresionante banda sonora, de Basil Poledouris, que es el complemento perfecto para la película, más allá de algunas lagunas del guión y de la calidad interpretativa de los actores. Algunos momentos de “Conan, el bárbaro” que vale la pena recordar y que la han convertido en la película estandarte del subgenero de espada y brujería:

• En el minuto 23, más o menos, de película, oimos a Conan hablar por primera vez. Sentado en una mesa, le preguntan ¿qué es lo mejor de la vida?, a lo que Conan responde con un contundente “Aplastar enemigos, verlos destrozados y oir el lamento de sus mujeres”. Esto es toda una declaración de principios y lo demás son tonterias. Conan no se anda con chorradas.
• La escena de la orgía. Cuando Valeria, Subotai y Conan se infiltran en la montaña de poder para rescatar a la princesa de las garras de Thulsa Doom llegan al salón principal donde hay un amasijo de gente desnuda entregados a una orgía, mientras un cocinero revuelve y les sirve un potaje, en el que podemos ver parte de los ingredientes: manos y cabezas, humanas por supuesto.
• La crucifixión de Conan en el arbol del infortunio. Nuestro héroe bárbaro es capturado por Thulsa Doom en cierto momento de la película y es crucificado al sol en el arbol del infortunio, donde Conan se desembaraza de los buitres que quieren comerle de una manera muy propia de un bárbaro, a mordiscos.
• El principio de la película. Es simplemente brutal, poniéndote en situación y creándote muchas expectativas en apenas 10 minutos. De los primeros minutos, en los que el padre de Conan le explica quien es Crom, su dios y cual es el secreto del acero, pasamos al ataque de Thulsa Doom y su gente hasta la escena en la que la madre de Conan le protege blandiendo una espada frente al mago.
• Es una película 100% made in Spain. Así es, la película se rodó integramente en España y nuestra aportación en forma de actores fue la de Nadiuska haciendo de madre de Conan y Jorge Sanz, que afortunadamente no habla, hace de Conan niño, en el mejor papel de su carrera, sin duda.
• Su fuerza visual. El punto fuerte de la película no son los diálogos ni las interpretaciones, sino su fuerza visual, lo explicito de los combates, la ambientación de la era hyboria. Te crees que lo que ves pudo ser real, porque estos son guerreros reales, matan, decapitan, mutilan, y lo hacen sin remordimientos ni juicios morales y de una manera brutal y real. Aquí no hay grandes combates que duran 10 minutos. Espada contra espada, 4 o 5 golpes y listo. Desde luego, me parece más real que estar entrechocando espadas durante 10 minutos.

Para muestra, os dejo este vídeo que recopila algunas escenas de la película con la música de Basil Poledouris de fondo:

Y para fin de fiesta, el final de la película, con Conan sentado en untrono y la voz en off del narrador explicándonos que algún día fue rey por méritos propios  te deja con ganas de mucho más.

En “Amanecer Rojo” los Estados Unidos son invadidos y conquistados por Rusia y sus aliados.

Amanecer rojo, jovenes americanos salvando a la patria de la invasión roja.

La sola idea de que los Estados Unidos sean invadidos en su territorio ya es bastante atractiva y curiosona, y si encima los invasores son tus enemigos de toda la vida, los rusos, pues la cosa se pone bastante interesante. Así que lo que tenemos aquí, en “Amanecer rojo” es una película hecha en plena guerra fría sobre la posibilidad de que el pais de las barras y las estrellas sea invadido por los rusos malos y sus compinches, una idea bastante rocambolesca pero que desde luego tiene mucho atractivo y más aún si se trata de verlo en una película, como es el caso de esta.

La película está ambientada en la típica ciudad pequeña americana. Ya sabeis, chavales de instituto con sus cazadoras del equipo del colegio, etc…. Y precisamente todo empieza en un instituto, cuando los chavales ven como un montón de paracaidistas empiezan a caer del cielo.

Aquí podeis ver los primeros minutos de “Amanecer rojo”, el principio de la invasión:

“Amanecer rojo” comienza con una breve introducción escrita para situarnos en el momento en el que se va a producir la acción. Al inicio de la película leemos: ” La Unión Soviética sufre la peor cosecha de trigo en 55 años. Disturbios en Polonia. Invasión de tropas soviéticas. Cuba y Nicaragua alcanzan contingentes militares de 500.000 soldados. El Salvador y Honduras caen. El partido verde controla el parlamento de Alemania Occidental. Exige la retirada de las armas nucleares de suelo europeo. Estalla la revolución en México. La OTAN se disuelve. Estados Unidos se queda solo.” La acción empieza en apenas 5 minutos, cuando pasa lo que habeis visto en el video de antes en el patio del instituto. Un profesor sale a preguntar que pasa y es acribillado a balazos ante la atónita mirada de sus alumnos, que son tiroteados por los invasores. Unos pocos escapan en una furgoneta conducida por Jed (Patrick Swayze), un veinteañero que va a buscar a su hermano Matt (Charlie Sheen). Junto con ellos huyen del campo de batalla en que se ha convertido el instituto otros chavales como Robert, Daryl o Danny. En lugar de ir a sus casas a por sus padres, muertos de miedo al ver como su pueblo es ocupado por los invasores, van a la gasolinera del padre de uno de ellos donde se abastecen de comida, armas y gasolina y desde donde huyen a las montañas a esconderse hasta que pase el follón. Allí pasan un tiempo indeterminado (algo habitual en “Amanecer rojo”, no sabes nunca cuanto tiempo pasa entre unas cosas y otras) hasta que deciden bajar a echar un vistazo al pueblo solo para descubrir que hay campos de prisioneros, que todo está ocupado por rusos y cubanos y que les están buscando, así que vuelven a las montañas, donde deciden comenzar a pelear contra el invasor amparándose en esas montañas que tan bien conocen y actuando como una guerrilla, haciéndose llamar “Wolverines”, como el equipo de futbol americano del colegio. Los chavales pasan a ser unos guerrilleros en toda regla: tendiendo trampas, emboscadas e incluso fusilando a enemigos. En el tiempo que pasan en las montañas se les unen dos chavalas, las nietas de un tipo que a veces les da refugio y que quiere que estén a salvo con ellos. También conocen a un corenel americano que ha sido derribado y al que acogen que les cuenta como están las cosas por la guerra, etc. A todo esto los rusos y los cubanos se han propuesto acabar con los “Wolverines”, porque suponen una amenaza, así que traman un plan para librarse de ellos. Si quereis saber que pasa, ya sabeis, a ver la película toca.

En “Amanecer Rojo” un grupo de chavales de instituto se convierte en un grupo de duros guerrilleros que luchan contra el invasor ruso

Si con lo contado hasta ahora no os haceis mucha idea o no lo veis claro, aquí teneis el trailer original en inglés de “Amanecer rojo”:

Desde luego lo mejor de “Amanecer rojo” es el escenario que plantea: la idea de los Estados Unidos invadidos por rusos y cubanos que pelean una guerra convencional en suelo americano es algo muy atrevido y original, y la verdad que no he vuelto a ver nada similar hasta la fecha.

Por supuesto, hay cosas bastante increibles, como que unos chavalines de instituto se conviertan de la noche a la mañana en duros guerrilleros capaces de manejar armas pesadas, preparar trampas propias de una unidad especializada del ejercito y enfrentarse a un ejercito con toda la naturalidad del mundo.

Aún así, y pese a que es una película bastante larga, “Amanecer rojo” tiene los suficientes ingredientes para mantenernos un buen rato en el sofá, y además salen casi todos los actores jovenes de la época (Patrick Swayze, Charlie Sheen, C. Thomas Howell, Jennifer Grey, Lea Thompson, etc…) y hay un montón de escenas de lucha y de guerra de guerrillas. Eso sí, no nos libramos de los típicos discursos a la libertad, al sueño americano y bla bla bla, pero la verdad es que solo por su propuesta vale la pena ver este clásico menor del cine bélico-acción de los 80.

“RoboCop” nos enseña como será la policía del futuro: cyborgs mitad humanos mitad máquinas.

Robocop, el poster hacia que te apeteciera verla.

“RoboCop“, la película,  nos cuenta una historia del futuro cercano que parece muy real. En un futuro que está a la vuelta de la esquina las empresas privadas tienen tanto poder que incluso gestionan el cuerpo de policía de Detroit, la ciudad protagonista de “RoboCop”. La empresa PCO, una empresa privada, ha pasado a controlar el cuerpo de policía de la ciudad de Detroit a la vez que proyecta construir una nueva Detroit llamada Delta City. Para poder construir la nueva ciudad con garantías necesita erradicar el crimen y de ahí su interés en controlar a la policía (intereses inmobiliarios y urbanísticos, ¿os suena?, real como la vida misma), pero a la PCO no le gusta la policía convencional no, quiere un policía que esté disponible 24 horas al día y que no descanse ni tenga ningún tipo de debilidad, y para eso está el robot policía RP-209, un monstruo metálico para hacer respetar la ley. Pero este descomunal robot tiene muchos problemas y no acaba de funcionar bien y el éxito en controlar a la policía por parte de PCO pasa por el éxito del programa RoboCop, un cyborg creado con los restos de un policía asesinado en el cumplimiento del deber, Alex Murphy (Peter Weller). RoboCop es un policía disciplinado, que protege a los inocentes y hace respetar la ley y que patrulla Detroit evitando crímenes de todo tipo. Pero de forma accidental RoboCop descubrirá que los mismos tipejos que le mataron cuando era un hombre está relacionados con la empresa PCO, y entonces dejará de ser una máquina para recuperar su parte humana y buscar venganza y justicia desenmascarando a quienes le asesinaron.

Aunque RoboCop ha sido creado como una máquina tiene una parte humana que se rebela contra los intereses a los que sirve.

“RoboCop” es la historia de un policía mitad humano mitad máquina con un pistolón tremendo oculto en su pierna derecha que se dedica a despachar a los criminales a tiros, y de ahí no podía salir una mala película. Pero además de ser un peliculón de acción, “RoboCop” es una película llena de mucha ironía y mala leche, además de una crítica bastante dura al poder creciente de las empresas privadas, y todo ello salpicado de unos anuncios de TV que son tremendos, como los anuncios del juego familiar “Guerra termonuclear mundial” o el anuncio del centro de salud que comercializa 7 modelos diferentes de corazón artificial.

Lo dicho, en “RoboCop” encontrareis mucha ironía y mala leche con el futuro que nos espera. Además, los efectos especiales son de Rob Bottin, un auténtico maestro que demuestra su valor en películas como “Legend” o “La cosa”, no hacen sino mejorar el resultado final de “RoboCop“, porque verdaderamente el resultado es creible a la vez que espectacular. Te crees que lo que ves podrías ser cierto. Aquí teneis el trailer en español de “RoboCop”:

Para rematar la faena, “RoboCop” tiene una fuerza visual tremenda que se conserva intacta a día de hoy. Paul Verhoeven, en su segunda película USA después de “Los señores del acero” se lució a base de bien y definió su peculiar estilo mezcla de violencia, humor e ironía, que tan buenos resultados le daría en películas como “Desafío total” o “Straship Troopers” (lástima que sean de los 90). Su uso de una violencia excesiva y exagerada además de la presencia del cyborg policía y lo bien definidos que están el resto de personajes, hace que el resultado final de “RoboCop” siga siendo muy bueno a día de hoy. Una peli por la que no ha pasado el tiempo y en la que hay un montón de escenas y frases clásicas que ya han pasado a la historia, como por ejemplo:

1. “Vivo o muerto vendrás conmigo“, la clásica frase que RoboCop dice antes de detener a los sospechosos.
2. La escena del asesinato de Murphy. Una brutalidad en toda regla. El malo malísimo Clarence Boddicker y sus secuaces destrozan literalmente a un Murphy desarmado e indefenso.
3. Emil, uno de los secuaces de Boddicker, que se empotra con su furgoneta en un tanque de ácido y queda hecho una pena. Escena no apta para estómagos sensibles.
4. Los anuncios y noticias que aparecen a lo largo de la película como fondo a las retransmisiones de TV que ven los protagonistas. Se escuchan noticias como rebeliones en México y similares.
5. El malfuncionamiento del robot policía RP-209, que directamente deja hecho un despojo a un pobre diablo que se ofrece “voluntario” para que los miembros del comité de PCO vean como funciona. Aquí podeis ver como lo despacha, en español:

El personaje conocío dos secuelas en cine, además de una serie de comics en Marvel y una miniserie en TV y otra serie de TV pero de dibujos animados. Ví las secuelas, que no le llegan a la suela de los zapatos a esta película, y me colecciones los comics durante los primeros 12 o 15 números, pero eran bastante bastante malos. Desde luego todo lo bueno y sorprendente de la primera película se perdió en los productos derivados para explotar el personaje. Afortunadamente siempre podemos recuperar esta película para quedarnos con un buen sabor de boca.

Es una pena que no podamos hablar de “Mad Max”, la primera peli de la trilogía, porque es de 1979, pero sí que podemos hablar aquí de la segunda, “Mad Max 2, el guerrero de la carretera“, porque es de 1981. Esta película nació lógicamente al abrigo del éxito de la primera parte, protagonizada por un Mel Gibson al principio de su carrera, antes de embarcarse en grandes producciones hollywoodienses.

¿De qué trata “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”?

Mad Max 2, el guerrero de la carretera. Peliculón de acción-ciencia-ficción.

“Mad Max 2, el guerrero de la carretera” empieza con un prólogo narrado por una voz en off que nos cuenta como la humanidad entró en una guerra mundial que destruyó la civilización tal y como la conocíamos y como Max, un policía, acabó conviertiéndose en Mad Max (vamos, que nos resume la primera película). La voz en off acaba su narración justo cuando empieza la película, con Max en su coche oxidado y polvoriento, acompañado por un perro y recorriendo áridas carreteras solitarias llenas de polvo y solo transitadas por pseudo-punks motorizados y vestidos a medio camino entre una tribu india y un  jugador de rugby. Tras un encuentro fugaz con unos motoristas y conseguir un poco de gasolina de un camión abandonado, el bien más preciado de este futuro apocalíptico, Max cae en una trampa cuando se dirige a un vehículo volador que parece abandonado en medio del desierto. Un personaje le captura para apoderarse de su vehículo, pero las tornas cambian y es Max quien le hace prisionero. A cambio de no perder la vida, el personajillo le dice a Max que puede conseguir toda la gasolina que quiera en un sitio al que le puede llevar… y allí se encaminan. Cuando llegan, lo que Max encuentra es una refinería en toda regla, fortificada y asediada por una tribu de motoristas y tios chungos postapocalípticos que quieren apoderarse de esa gasolina. ¿Ayudará Max a los pobres de la refinería a buscar un futuro mejor o se aliará con los personajes que la asedian para tener su parte del pastel (de gasolina)? Esta incognita quedará desvelada si veis “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”

En “Mad Max 2, el guerrero de la carretera”, tan protagonista como los actores es la ambientación de un mundo devastado por la guerra nuclear

La historia de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es sencilla y sin ningún tipo de giro argumental raro ni profundidad social… estamos hablando de una película que cruza el cine de acción con el de ciencia-ficción de manera magistral, pero desde luego el gran mérito de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” está en crear un mundo propio y postapocalíptico, un futuro sucio, malvado y repleto de personajes como Humungus o el propio Max, con una estética a medio camino entre motoristas de Harley-Davidson, punks de barrio y jugadores de rugby. Para comprobar esto, echadle un ojo al trailer de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera“:

Como ya digo la historia de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es sencilla y directa: unos malos muy malos quieran apoderarse de la gasolina que tienen los buenos, que queiren empezar un mundo nuevo, y en medio está Mad Max, que ni es bueno ni malo, y solo mira por él mismo, aunque al final intervendrá para que la balanza de la justicia se decante del lado de los buenos. Y el gran valor de “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” es esa estética y una serie de momentos memorables para el cine de acción y ciencia ficción que han sido copiados hasta el asco en multitud de películas, como por ejemplo la escena del lanzamiento del boomerang-cuchillo o los combates en plena carretera entre Mad Max y los salvajes que pueblan ese mundo hostil, eso sin contar el montón de películas que surgieron a la sombra de esta y cuyo argumento era siempre el mismo: futuro postapocalíptico lleno de bandas de criminales malísimos y un héroe (o antihéroe) solitario que desafía a todos.

Solo por su ritmo, su estética y la fauna que desfila por la película vale la pena verla, que además tiene el mérito de que todo el protagonismo del guión vaya a parar a las situaciones, a la actitud de los personajes y a la ambientación y poco o muy poco al diálogo. en este futuro lleno de polvo, cuero y gasolina las palabras no son mejores que un buen cartucho de escopeta. Como remate, una de las escenas más famosas de la película, la de la escena del lanzamiento del boomerang:

Eddie Murphy rodó “El chico de oro” después de los megataquillazos que consiguió con “Superdetective en Hollywood” y “Entre pillos anda el juego” o “Límite 48 horas”. Más tarde rodaría “Superdetective en Hollywood II” o “El príncipe de Zamunda”. Los 80 fueron suyos y se convirtió en el cómico negro por excelencia.

En “El chico de oro” Eddie Murphy se lució combinando acción, humor, payasadas suyas y un toque de misterio y terror.

El chico de oro. Eddie Murphy hace de gracioso y de Indiana Jones a la vez.

En “El chico de oro” Eddie Murphy encarna a Chandler Jarrell, un investigador privado especializado en resolver casos de desapariciones de niños. Mientras Chandler está buscando a una chica de 16 años desaparecida, Cheryl Mosley, una joven tibetana le pide su ayuda para rescatar a un niño secuestrado en el Tibet, cuyo destino es salvar a la humanidad, ya que es el portador de la compasión. Lógicamente, Chandler, un tipo irónico y de la calle, se toma a guasa lo que la chica le cuenta, pero como ella insiste tanto y como encuentra algunos puntos en común entre la historia de ese chico del Tibet y la desaparición que está investigando, decide ayudarla a encontrar a “El chico de oro”. A partir de aquí nuestro amigo se ve metido en un fregado que incluye viajes al Tibet, culturas perdidas, pruebas dignas de Indiana Jones y enfrentamiento con seres que no son de este mundo, como el inigualable Sardo Numspa. Todo esto, por supuesto, aderezado con las típicas coñas clásicas de Eddie Murphy. La mezcla, la verdad, resulta de lo más atractiva, porque lo que acabamos teniendo es una película de acción con muchos golpes de humor y muchas aventuras e ingredientes sobrenaturales… vamos, que no te vas a aburrir viéndola.

Lo más destacable de “El chico de oro” es desde luego el argumento y el tratamiento de la historia, mezclando tantos elementos diferentes de una forma bastante equilibrada: hay acción, sí, pero la justa; hay humor, también, pero lo justo, porque aquí Eddie Murphy no hace cien papeles, hace uno y punto; hay amor, sí, pero el justito. En resumen, una película muy entretenida y disfrutable que es recordada por los que la han visto por un montón de escenas divertidas, como la forma de pedir el cuchillo, la forma de cantar en el avión o el sueño en el que Chandler Jarrell se enfrenta a Sardo Numspa.

Aunque Eddie Murphy es el protagonista de “El chico de oro”, quien de verdad sobresale es Charles Dance en la piel del maligno Sardo Numspa.

La acción empieza en el Tibet, donde vemos como los malvados secuaces de Sardo Numspa secuestran al chico de oro, a la vez que se nos muestran algunos de los poderes de este chaval y la galería de malos a los que se va a tener que enfrentar nuestro héroe. Del Tibet saltamos a Los Angeles, cuando conocemos a Chandler y le piden su ayuda para rescatar al niño. De Los Ángeles volvemos al Tibet, en la mejor parte de la película, con Eddie Murphy haciendo de las suyas por Katmandu e intentando ayudar al chavalín comportándose en ocasiones como un Indiana Jones salido de un barrio de Los Angeles. Y del Tibet volvemos a Los Angeles para el enfrentamiento final con los malos malísimos.

Desde luego “El chico de oro” nos pasara a la historia por ser una película profunda o llena de significados, pero es hoy en día muy pero que muy disfrutable, sobre todo por esa combinación tan acertada de acción, humor, fantasía y efectos especiales. Es una película poco común y la única pena es que no esté mejor montada, porque hay ocasiones en las que parece que todo pasa de una forma demasiado precipitada y sin muchas explicaciones, pero eso sí, reirte y pasarlo bien, está garantizado.

Aquí os dejo algunos de los mejores momentos para que os animeis a disfrutar de esta película:

Vídeo de “Body talk”, de Ratt, que suena a todo trapo cuando Chandler entra en la guarida de “los dragones amarillos” para descubrir que le hicieron a Cheryl, ya que su desaparición está relacionada con la del chico de oro:

La famosa escena de “quiero el cuchillo”. Así se les piden las cosas a unos monjes tibetanos, si señor:

El vuelo en avión a Katmandu, todo comodidad, y esto antes de que existiera RyanAir:

Yo entré en el singular mundo de Tim Burton de la mano de su “Batman”. El estilo del director se nota especialmente en la ambientación de Gotham City.

Aún así, fuí a ver “Batman” al cine, sorprendido de que hubiera entradas, y aquella película sobre el superhéroe de Gotham me cambió la vida en dos cosas fundamentales: fue la primera película de la que tuve una camiseta (la clásica, con el logo del murciélago, como el poster), y me descubrió el mundo de Tim Burton, al que le he sido fiel desde entonces.

El poster del Batman de 1989.

Por si alguien no lo sabe, “Batman” nos cuenta la historia de una ciudad, Gotham City, en la que el crimen no hace más que crecer, hasta que aparece un justiciero enmascarado y disfrazado a semejanza de un murciélago que comienza a dar cuenta de los criminales a base de golpes y utilizando un buen arsenal de artefactos extraños. Paralelamente, uno de los capos de la mafia de la ciudad se ve traicionado por un hombre su confianza, al que ordena matar arrojándole a un deposito de líquidos tóxicos, pero el secuaz, Jack Napier, vuelve convertido en El Joker, un criminal con el rostro desfigurado y particularmente peligroso por su personalidad mezcla de payaso y psicópata asesino que se convertirá en la némesis de Batman, quien en realidad es Bruce Wayne, millonario y playboy que bajo su aparente frivolidad esconde el secreto de ser el hombre murciélago, el azote del crimen de Gotham. Los caminos de ambos, El Joker y Batman, están destinados a encontrarse en la lucha entre el bien y el mal en la ciudad de Gotham. Este es el argumento principal de la película de una forma muy resumida, pero aunque el planteamiento es sencillo, el enfrentamiento entre un héroe y un villano, la trama se complica poco a poco, desvelando una serie de matices de lo más interesente que no conviene destripar a quien no la haya visto. Como aperitivo, aquí teneis el trailer original, en inglés, para que los que no la hayais visto os animeis:

En el “Batman” de Tim Burton, aparte de la acción, hay un tono sombrío e irónico y casi autoparódico que hace que el joker de Jack Nicholson sea el más cercano al espíritu del Joker del comic original.

Aparte de la línea argumental principal de “Batman“, paralelamente está el empeño de una periodista, Vicky Vale (encarnada por Kim Bassinger), empeñada en averiguar la identidad de Batman, y también otros argumentos menores. Pero el protagonismo y la chicha de la película están en el enfrentamiento entre Batman y El Joker.

Hoy en día es muy habitual comparar las dos versiones de Batman, la de Burton y la de Christopher Nolan. En aquel lejano 1989 solo se podía comparar el Batman de Tim Burton con los comics y las aventuras televisivas de Batman de los años 60-70, y yo lo tengo muy claro, vistas las películas de Batman de Burton y Nolan, me quedo en primer lugar con este Batman de 1989, por una serie de razones, claro que sí, que no es por capricho. A mi “Batman” de Tim Burton me convirtió en acerrrimo fan del director y hasta me compré durante una temporada comics del hombre murciélago por 4 sencillas razones:

1. La ambientación y la ciudad de Gotham. El trabajo de ambientación de esta película es sencillamente inmejorable, creando una ciudad intemporal (no se sabe ni tiene interés saber en que año estamos) y 100% obra de Tim Burton. Junto con Batman y El Joker, la ciudad de Gotham es la otra protagonista real de la película. Generalmente, yo no me fijo en estas cosas en una película, ni soy la típica persona que dice frases como “la iluminación en esta película es exquisita”, pero es cierto que Gotham, en esta película, es un personaje más gracias al cuidado trabajo de crear una ciudad oscura y perfectamente creible. Un cruce entre la ciudad de “Blade Runner” y un Chicago de los años 30.
2. El Joker. Jack Nicholson encarnó al Joker y pudo dar rienda suelta a todo su histrionismo y arsenal de muecas. En mi opinión está insuperable, bordando el papel tal y como se planteaba el personaje del Joker en los comics. Es un tipo que no sabes de qué va, imprevisible, loco y malvado como nadie. Creo que la gente cuando compara su interrpetación con la de Heath Ledger en “El caballero oscuro” de 2008, no se da cuenta de que la interpretación de Nicholson es mucho más cercana al espíritu del comic original: un payaso asesino totalmente incrotolable e impredecible.
3. Los artilugios de Batman. Independientemente de que guste o no ver a Michael Keaton haciendo de Batman, el arsenal de gadgets y aparatejos que salen en esta película es tremendo, empezando por el Batmovil, y siguiendo con el Batarang, o cualquier otro de los cacharros que utiliza Batman para combatir el crimen.
4. La ironía y la oscuridad. Toda la película está impreganda de una carga de oscuridad importante y de cierta ironía y mala lecha, algo muy típico de Burton y que se agradece en esta película, que gana bastante con esa orientación. Si hubiera sido la típica película de acción su tono hubiera sido diferente, eso seguro.

Recuerdo que hubo una polémica tremenda con el tema de que Michael Keaton fuera el elegido para encarnar a Batman. En su día yo también pensaba que un tipo así, tan normal y tan tirillas no pegaba con el personaje, pero pasados los años creo que fue un acierto, porque es de las pocas veces que ves a un tio absolutamente normal haciendo de superhéroe, no a un guaperas supermusculoso. Fue un empeño personal de Tim Burton, y el tiempo le ha dado la razón, o así lo veo yo. Independientemente de que guste o no Michael Keaton, lo cierto es que es un tipo normal y corriente que en “Batman” tiene una vida extraordinaria.

En definitiva, para mí, la mejor versión de Batman que ha visto el cine, junto con su secuela “Batman Returns”, a partir de ahí, coincidiendo con la salida de Tim Burton como director, todo fue cuesta abajo hasta que Christopher Nolan le ha dado nueva vida al personaje. Incisto en que para mi el Batman de 1989 es el mejor, por estructura de la historia, muy compacta y bien narrada, como por la ambientación y el carisma de los personajes… en fin, por casi todo. El final de los 80 vió nacer la mejor versión de Batman en pantalla grande.

En “La jungla de cristal” Bruce Willis se convirtió por primera vez en John McClane, ese policía irónico y cabroncete que le lanzó al megaestrellato.

La jungla de cristal, la película que convirtió a Bruce Willis en héroe de acción.

“La jungla de cristal” comienza mostrándonos como John McClane llega a la ciudad de Los Angeles procedente de Nueva York. Es un policía que viene a reunirse con su mujer en la fiesta de Navidad que se celebra en la empresa donde ésta trabaja, y cuya sede está en el Nakatomi Plaza, un edificio de oficinas que aún no está terminado (de ahí lo de “La jungla de cristal”, aunque el título original “Die Hard” es más traducible como “Duro de matar”). Nuestro amigo John se va para allá, a ver con qué se encuentra porque se nos da a entender que la relación son su mujer está muy deteriorada. Cuando llega, conoce a algunos compañeros de Holly, su mujer, y se encuentra con ella: charlan a solas en un baño mientras John se refresca, y empiezan a discutir… ella sale del baño porque la reclaman para dar un discurso en la fiesta, y es en ese momento cuando unos terroristas se apoderan del edificio. Han pasado 18 minutos desde que empezó la película y ya están todas las cartas sobre la mesa: el edificio entero cerrado a cal y canto por unos terroristas y todo el personal que trabaja en el Nakatomi Plaza recluido y amenazado por los terroristas salvo uno, John McClane, que al oir los disparos y el follón, se escabulle del baño vestido con un pantalón y una camiseta blanca de tirantes y sin zapatos y huye con su arma reglamentaria hacia los pisos superiores, desde donde intentará pedir ayuda y “ocuparse” de los terroristas. Aquí es donde realmente empieza “La jungla de cristal“.

En “La jungla de cristal” la acción es la verdadera protagonista de la película. Toda la historia está articulada para presentarnos una serie de situaciones de acción pura y dura a cual más intensa.

Desde este momento la película se convierte en lo que todos sabemos que es: un carrusel de acción, mamporros, tiros y golpes en el mejor sentido de la palabra, y todo salpicado por la ironía y los chistes de John McClane, capaz de bromear en más de una ocasión con los tios que están intentando matarle. Y este fue el gran acierto de la película en mi opinión, porque lejos del típico héroe de acción justiciero, John McClane es un tio cargado de mala leche, ironía y una elevada dosis de humor cabrón, algo que se demuestra cuando bromea con los nombres de los terroristas o en sus conversaciones con el sargento Powell, un policía del exterior del edificio con el que consigue contactar. Además, vemos a John McClane usar por primera vez (luego lo hará en todas las secuelas) su famoso chascarrillo “yippie-kay-yay, hijo de puta“. Veámoslo aquí en versión original:

Desde el punto de vista de la acción, “La jungla de cristal” es una película impecable. Desde el momento de la entrada de los terroristas en el edificio Nakatomi Plaza, el ritmo de la película es trepidante y no decae en ningún momento, estando muy bien estructurada y llevándonos hasta el desenlace final en un estado de tensión máximo, en el que conocemos las verdaderas intenciones de los terroristas. Probablemente, “La jungla de cristal” sea una de las mejores películas de acción de los últimos 25 años, y desde luego se nota que hay un trabajo de guión y dirección, porque aquí toda la acción la llevan los personajes, y no hay nada de grandes efectos especiales a lo loco.

Aquí os dejo los que yo recuerdo como los mejores momentos de “La jungla de cristal“, sin desvelar demasiado para aquellos que no la hayais visto aún:

1. La escena de los cristales. Como ya sabeis, McClane huye descalzo cuando entran los terroristas y a lo largo de la película tarda en poder calzarse, primero porque no encuentra botas o zapatillas de su número (ese es el tipo de humor que reina en esta película) y luego por lo que le pasa con unos cristales que le dejan en el camino y que el pobre John tiene que sacarse en un baño.
2. Como llamar la atención de alguien. En un primer momento McClane intenta que la policía venga en su ayuda, pero las comunicaciones están cortadas y el tema no es fácil. Un policía, el sargento Powell, entra en el Nakatomi después de que McClane haya activado la alarma de incendios, pero como no ve nada raro, se marcha. Viendo que su única posibilidad se va, John McClane se las ingenia para llamar su atención de una forma muy espectacular, lanzando una cosita por la ventana. Si quereis saber que es, a ver “La jungla de cristal” tocan.
3. Los nombres de los terroristas. La forma en la que McClane se cachondea de los terroristas y apunta sus nombres para luego jugar con las relaciones entre ellos es también de traca. Algo muy sencillo pero muy bien planteado en la película.
4. El tiroteo en la mesa de reuniones. Una de las escenas de tiros más potentes transcurre en una larga mesa de reuniones en la que McClane juega al ratón y al gato con un terrorista.
5. La escena de la manguera. Una auténtica joya de la pirotecnia y las explosiones. Lo que te puede ayudar una manguera cuando todo parece que vaya a saltar por los aires solo lo sabe John McClane.

Desde luego, “La jungla de cristal” es una de las pocas películas de acción de los últimos años (aunque ya tenga más de 20 años) que recomendaría a cualquiera, y lo cierto es que no solo se conserva estupendamente sino que es muy pero que muy válida hoy en día y desde luego objetivamente mejor que la mayoría de cintas de acción del siglo XXI, más basadas en los efectos y las pirotecnias barrocas que en una buena historia y unos buenos personajes.

En “Kickboxer”, Van Damme se empleó a fondo: entrenamientos golpeando arboles, peleas con los puños llenos de cristales, bailes disco en la jungla… lo tiene todo!!!

Kickboxer, con este poster como no ir a verla.

El argumento de “Kickboxer” no es más simple porque no se puede: Kurt Sloane (Jean-Claude Van Damme) ve como su hermano Eric, campeón del mundo de kickboxing, va a pelear contra los mejores en Tailandia, y allí, el campeón local, Tong Po, lo deja paralítico de una soberana paliza. Kurt, cegado por la sed de revancha, se propone vengar a su hermano y para ello se entrena con el mejor preparador de kickboxing de Tailandia, Xian Chow, que le enseña los secretos del Muay Thai, la forma de kickboxing de la zona, a base de unos entrenamientos más duros que el acero y que son lo mejor de la película. Kurt se prepara a conciencia y finalmente se enfrenta a Tong Po en un combate a vida o muerte. ¿Quién ganará?.

Y así es “Kickboxer“, una película basada en el entrenamiento al que se somete Kurt hasta que se convierte en el guerrero definitivo y pelea con Tong Po para vengar a su hermano. No hay más argumento ni complicados giros de guión ni sopresas de hijos secretos ni nada de eso, esto es una película de artes marciales y mamporros a todo trapo, dividida en tres partes claras: 1, el hecho que provoca las ansias de venganza de Kurt; 2, el durísimo entrenamiento al que se somete, en plena jungla tailandesa, para convertirse en el guerrero de kickboxing definitivo; y 3, la lucha final contra Tong Po, el malo más malo del mundo mundial.

“Kickboxer” es un vehículo de lucimiento de Van Damme y un producto destinado a entretenernos a base de artes marciales e historias de venganza. Aquí no hay ninguna clase de ambiguedad. La película es lo que ves.

Y en esta simplicidad de “Kickboxer” es donde está su gracia. Toda la película está pensada como un entretenimiento puro y duro al más puro estilo de cine de acción sin ninguna pretensión más que hacernos pasar un buen rato. O sea, que la película es mala como película, pero es que tú no te vas a poner a ver “Kickboxer” para ver increibles interpretaciones y mensajes sociales, sino para ver escenas de entrenamiento en artes marciales como estas:

Pero no todo van a ser increibles patadas voladoras, en “Kickboxer” hay espacio para el amor y hasta para el humor, porque de hecho una de las escenas favoritas de todo el que ha visto la película es una en la que Jean Claude Van Damme se marca un baile discotequero con dos chavalas estando todo borracho en un bareto en medio de la jungla tailandesa… esto hay que verlo porque es impagable:

Y sin duda alguna, los platos fuertes de la película son por un lado los entrenamientos salvajes a los que se somete Kurt, con su momento culminante con la escena de la palmera. Este hombre se entrena tan a fondo que puede derribar un arbol a base de mamporros. Aquí teneis una selección de las mejores escenas de “Kickboxer“:

Y para concluir, y que os animeis a ver la peli si o si, os dejo la pelea final entre Kurt y Tong Po. Si no has visto la peli no seas melón y no la veas:

Cuando tengais una tarde rara de esas que no sabes que ver porque no te apetece nada, recuperad “Kickboxer” y por lo menos podreis entreteneros un buen rato sin pensar mucho más que un ratoncico, y eso no es tan fácil de conseguir, no, aunque lo parezca.

“Karate Kid” fue la película que popularizó el karate en los 80.

Karate Kid, un clasicazo: la patada de la grulla, la cera...

Toda esta fiebre colectiva en favor del karate la desató una simple película, “Karate Kid“, que genero un par de secuelas y que añadió varias frases y posturas (como olvidar el momento en que Daniel San se sube al poste para entrenar la patada esa de la grulla) a la cultura popular del siglo XX y XXI. ¿Pero era “Karate Kid” para tanto?, pues la verdad es que no lo sé, pero la película en sí fue de lo más entretenido y por lo menos en España tuvo un éxito brutal, y seguro que los gimnasios de karate se llenaron de nuevos alumnos. De hecho, yo fui uno de ellos. “Karate Kid” nos contaba la historia de Daniel, un chavalín que cambia de ciudad con su madre porque ésta ha encontrado trabajo en una nueva ciudad, así que se mudan. Lógicamente, Daniel no tiene amigos ni conoce a nadie, aunque pronto se hace amiguete del señor Miyagi, el portero del bloque de apartamentos en el que viven. En el instituto, nuestro amigo Daniel no tiene ningún amigo y encima comete el error de fjarse en la chavala que es la típica chica popular del instituto, así que los matones de turno la toman con él, y de hecho un día le persiguen para darle una soberana paliza, porque todos saben karate, ya que son miembros de “Los Cobras”, un grupo de karate. Daniel salva el pellejo porque el señor Miyagi se enfrenta a los abusones y les da una lección porque su karate es mucho mejor que el de aquellos.

“Karate Kid” fusionó magistralmente el cine de artes marciales con las películas de adolescentes ochenteros.

Aquí teneis el trailer original remasterizado de “Karate Kid” (eso sí, en inglés):

Sorprendido por las habilidades del señor Miyagi, Daniel quiere aprender karate y quiere que Miyagi le enseñe, pero el anciano portero del bloque de apartamentos le insiste en que el karate aparte de un arte marcial es una filosofía y una forma de vida, y de hecho para empezar le pone a dar cera a coches (”dar cera, pulir cera”) y a pintar la valla de la finca, lo que Daniel no entiende porque no ve que relación tiene eso con el karate. Como es un chaval que aprende karate de un viejo maestro, de ahí viene el título de la película: “Karate Kid”.

Aquí podemos ver (de nuevo en inglés, eso sí) el momento de “dar cera, pulir cera” en “Karate Kid”, que en inglés es “wax on, wax off”:

Poco a poco Daniel va entendiendo que lo que el señor Miyagi le enseña es algo más complicado que simplemente dar patadas y puñetazos, y que es un estilo de vida en el que hay un código de honor y unas normas a cumplir. El señor Miyagi le enseña esos valores y técnicas a través de ejercicios como el de dar cera a los coches, pintar la valla o coger una mosca con los palillos de comer. Todos ellos representan algo que debe aprenderse para entender la filosofía del karate. Realmente, el verdadero protagonista de “Karate Kid” no es Daniel, sino el señor Miyagi, mucho más carismático y que encuentra en el chaval la oportunidad de enseñar y redimirse de los errores de su pasado.

El ejercicio de cazar la mosca con los palillos, ideal para desarrollar una paciencia infinita:

Para rematar la película hay un campeonato de karate local al que se apuntan “Los Cobras” y también se apunta Daniel (o Daniel San, como le llama Miyagi). El campeonato demuestra que el chaval ha aprendido mucho y que lleva el karate en su interior, aunque deberá enfrentarse en una pelea final al lider de “Los Cobras”, que recurrirá a todos los trucos sucios que pueda para ganar el combate.

“Karate Kid” triunfo masivamente gracias a su combinación de historia de adolescentes + karate + aprender de los mayores + honor. Fue un exitazo que consagró (y enterró) a Ralph Macchio, su protagonista, que ya nunca podría quitarse el kimono, más aún después de participar en dos secuelas de la película. Una película imprescindible para cualquiera.

Para rematar os dejo el final de la película (y en portugués, que le da un toque “exótico”), por aquello de la patada de la grulla, pero a los que no la hayais visto os recomiendo que lógicamente no lo veais. Vosotros mismos.