Con “La mosca”, David Cronenberg creó una película que combina a la perfección terror, gore, drama, sensibilidad y amor.

“La mosca” es además una película de actores y personajes, mucho más que de efectos y maquillaje, aunque el trabajo de Chris Wallas en efectos y maquillaje es sencillamente espectacular.

Si algún despistado por ahí que no ha visualizado “La mosca”, la película nos cuenta la historia de Seth Brundle (Jeff Goldblum), un científico que ha descubierto el modo de teletransportar objetos de un lugar a otro: mete un objeto en una cabina, y éste aparece en otra cabina situada en otro lugar, y todo ello en un segundo. Lógicamente el invento tiene tela, y Seth Brundle es considerado en parte visionario y en parte loco. Una periodista, Veronica (Geena David), que trabaja en una publicación científica, se interesa mucho por el trabajo de Seth. El bueno de Seth confía en Veronica y le enseña todos los entresijos del teletransporte y el principal problema con el que se encuentra: es capaz de teletransportar objetos sin problemas, pero cuando lo hace con seres vivos (esa escena en la que Seth Brundle teletransporta un mono y este aparece, literalmente, del revés) o con materia orgánica, algo no marcha bien. Veronica lo prueba en sus carnes cuando Seth le da de comer un filete normal y otro teletransportado, y el filete teletransportado a Veronica le sabe francamente mal. Ambos entablan una relación (que se lian, vamos) y entretanto Seth consigue resolver el problema de teletransportar seres vivos, y no se le ocurre mejor manera de probar que funciona, que teletransportándose a sí mismo, pero oh! sorpresa, en el momento en que el se teletransporta había una mosca dentro de la cámara, ¿qué pasara ahora con Seth, dado que al salir del teletransporte la mosca ya no está?, ¿o sí está?.

Si os he despestardo la curiosidad, aquí teneis el trailer original de “La mosca” en inglés, para que vayais abriendo boca:

A partir del momento en el que Seth Brundle se teletransporta con la mosca, la película gira primero hacia el suspense y el misterio y luego hacia el terror y el gore, y todo ello a un ritmo constante y muy intenso, con la maestría de Cronenber y un ritmo envidiable: nada sobra y nada falta, y todo a su justo momento. Primero descubrimos que la mosca se ha fusionado con Seth y luego vamos viendo poco a poco como éste cambia de personalidad, primero, y de aspecto, después.

Tras su fusión con la mosca, Seth pasa de ser un tipo tímido a un animalote sexual, desarrolla una fuerza y resistencia sobrehumanas y cada vez le gusta más el dulce, pero poco a poco esos cambios se irán acentuando y derivando a lo físico. Veronica le descubre unos extraños pelos en la espalda que son solo el principio de una mutación física de órdago, porque vamos viendo poco a poco como al amigo Seth se le cae el pelo, las uñas, los dientes y no sabemos si algo más, y va evolucionando hacia un ser que es un híbrido de mosca y humano, literalmente, con elementos de los dos, sin alas ni ojos grandes, pero capaz de pegarse a las paredes aunque también de hablar.

Para que os hagais una idea del cambio físico que experimenta Seth Brundle, aquí teneis un “Tras las cámaras”, en inglés, en el que vemos como se hizo una escena de las gores de verdad, del gore bueno, con viscera fina y desde luego no apta para gente a la que le de repelús encontrase un bicho por el suelo:

En la transformación, que es el verdadero eje de la película, muchísima gente ha querido ver una metáfora de Cronenberg sobre la enfermedad o los cambios que experimenta una persona cuando padece un sentimiento extremo. No sé cual sería la intención de Cronenberg en la película, pero desde luego “La mosca” cuenta con una de las transformaciones físicas más impactantes de la historia del cine, y lo mejor es que esa tranformación, no solo física, sino también psíquica, tiene un sentido y es coherente.

ULTRASPOILER!!!, el climax de la transformación es la escena final de la película, con la transformación definitiva de hombre a hombre-mosca, o como diría el propio Seth Brundle a Brundle-mosca. No apta para estómagos sensibles. En inglés y con calidad cutre, como debe ser:

Desde luego, “La mosca” merece por derecho propio un puesto en lo más alto del cine de terror moderno, además de contar una historia muy bien hilada (solo hay tres personajes humanos en la película, algún secundario muy secundario y los animales) y tener un fondo de historia de amor pero creible, no llena de babosadas ni romanticismo barato. Una película a la que el tiempo ha tratado muy bien y ha revalorizado más aún, si cabe, por lo que nuestra obligación es siempre darle un visionado de vez en cuando. David Cronenberg se lo merece, y Seth Brundle también.

“Maniquí” es la típica comedia tonta de los años 80, con todos los defectos y virtudes que eso supone.

La historia que nos cuenta “Maniquí” es de traca y pandereta. La película comienza enseñándonos el antiguo Egipto, donde una mujer, Ema (Kim Cattrall) se queja a su madre de que queiren casarla con hombres que no le interesan y que además ella quiere vivir su vida, y le pide a los dioses que no permitan que su vida sea esa, así que los dioses le conceden esa oportunidad, y Ema desaparece, literalmente. Luego aparecen los créditos iniciales de la película, en formato de dibujos animados, que nos dan a entender que nuestra protagonista pasa por todos los momentos de la Historia. Y así llegamos a la época actual, en la que vemos a un joven escultor, Jonathan (Andrew McCarthy), que trabaja en una fábrica creando maniquíes y que está orgullosísimo de su última creación, un maniquí perfecto. Como el chaval se dedica a convertir cada maniquí en una pieza de arte y es muy lento, pierde el trabajo, y vemos como deambula de trabajo en trabajo, siempre aportando una visión artística y perdiendo el trabajo: desde jardinero a pizzero. Su novia, una ejecutiva agresiva, no comparte su visión romántica y artística de la vida y le reprocha su poca estabilidad continuamente.

Al final, el amigo Jonathan consigue trabajo en unos grandes almacenes en decadencia gracias a salvarle la vida a la dueña, y empieza a trabajar de mozo de almacen, pero resulta que allí, en esos almacenes, está el maniquí perfecto que él ha creado, así que se pone a diseñar un escaparate y de repente, el maniquí cobra vida, con el cuerpo y forma de Kim Cattrall.

Resulta que el maniquí, de nombre Ema, o Emmy, como la llama Jonathan, solo es visible a sus ojos, por la maldición egipcia que le cayó encima. Juntos entablan una relación que da lugar a un montón de embrollos. Jonathan consigue relanzar a los grandes almacenes gracias a sus escaparates, diseñados entre él y Ema, que entablan una relación de dudoso futuro, ya que ella es un maniquí, no lo olvidemos.

Mientras tanto, la competencia intentará descubrir el secreto del chaval, y para ello utilzara espias (el jefe de seguridad de los grandes almacenes, más tonto que un pan) y todo tipo de tretas, siendo el climax de la película el secuestro del maniquí para impedir que Jonathan siga llevando clientes a los grandes almacenes gracias a sus increibles escaparates.

El problema con “Maniquí” es que toda la película nota mucho el paso de los años. El argumento no se desarrolla para nada, y nunca sabemos la historia de Ema o porque le cayó la maldición, y todo se basa en los tontísimos gags de la pareja protagonista en el centro comercial (escenas de la pareja bailando como locos; la pareja pillada besándose, y como los ven más personas, Ema es un maniquí; los líos que se montan otros personajes al oir a Jonathan hablando con alguien y cuando llegan siempre está solo con un maniquí), la mayoría provocados por el hecho de que Ema solo se mueve cuando solo la mira Jonathan, por lo que le pillan besando a un maniquí, durmiendo con él, etc. y la gente piensa que está loco.

Aquí podeis ver el vídeo musical del tema principal de la película “Maniquí”, “Nothing gonna stop us now”, de Starship, un exitazo ochentero, salpicado de imágenes de la película. Os ayudará a haceros una idea de a lo que os enfrentais:

Para colmo los personajes secundarios de la película son típicos y acartonados como pocos: el jefe de seguridad tonto a más no poder (y que tiene perros con nombres como Rambo o Terminator), el directivo malo malísimo (encarnado por un James Spader repeinado hasta el asco), el escaparatista profesional, el insufrible Hollywood Montrose, un gay negro con todos los peores tópicos del género (vestido con colores chillones, siempre gritando, etc.).

Los gags de la película tienen muy poca gracia, la verdad, y si soportas verla es por todos sus tics típicamente ochenteros, empezando por la ¿música? y terminando por el vestuario. De todas formas, se ve con cierto cariño, porque recuerda una época en la que muchas comedias solo pretendían arrancar un par de sonrisas al espectador, sin ninguna pretensión más. Aquí no hay lugar a ninguna reflexión ni a nada que no sea entretenimiento palomitero fast-food puro y duro. Aún así, no se salva ni queriendo: un argumento y un desarrollo tan simplones no llenan los 80 y pico minutos que dura, hasta se te hace larga y todo. Aquí tenemos un vivo ejemplo de lo mal que le sienta el tiempo a una película cuando no tiene una base sólida.

En “Una pandilla alucinante” tenemos una película que cruza el género de monstruos con las películas de grupos de chavales.

Esta curiosa mezcla es lo que nos ofrece “Una pandilla alucinante”, un cruce imposible entre las películas de monstruos con las películas protagonizadas por grupetes de chavales, donde no faltan todos los tópicos: en la pandilla hay un listo, un gordo y un macarra, como debe ser. Pero bueno, ¿de qué va “Una pandilla alucinante”?.

“Una pandilla alucinante” comienza con un flashback hace 100 años, donde vemos a Van Helsing combatiendo a Drácula en un castillo. Una joven recita junto a Van Helsing unas palabras y se abre un vórtice dimensional que absorbe a todos los del castillo. Acto seguido pasamos a la actualidad, donde vemos el típico instituto americano de ciudad pequeña típica americana y conocemos a unos chavales de entre 12 y 14 años calculo que son colegas y se pirran por las películas de monstruos y por todos los temas filosóficos que les rodean (como por ejemplo las formas de matar a un vampiro o si el hombre lobo tiene pelotas o no), y se llaman a si mismos “La pandilla del monstruo” (que es la traducción literal de “The monster squad”, el título original de la película). En la pandilla tenemos al típico líder, Sean, que luce a lo largo de casi toda la peli una camiseta con la frase “Stephen King rules” (Stephen King manda); el Cebao, u Horace, que es el típico chaval gordete y graciosete; Patrick, el colega de Sean y el último que se apunta a la pandilla, que es Rudy, el chungo, porque va en bici con chupa de cuero, fumando, con gafas de sol y calcetines blancos, con un par. Para mi, Rudy el mejor. Todos ellos forman “Una pandilla alucinante”.

El caso es que sin ninguna explicación, con un absurdo argumental tremendo, el diario original de Van Helsing, va a parar a manos de Sean, ya que sus padres lo han comprado en un anticuario y se lo regalan a su hijo, que no puede leer el diario porque está en alemán.

En otro giro argumental absurdísimo pero muy cachondo, vemos como el ataud del conde Drácula, junto con una caja que contiene a Frankenstein van en un avión, que oh casualidad, aterriza en la ciudad de los chavales, donde para más inri, hay una exposición egicpcia y también un tipo en una comisaria que dice ser un hombre lobo.

Antes de seguir aquí teneis el trailer en castellano  de “Una pandilla alucinante”:

En resumen, ya tenemos a todos los monstruos clásicos en la ciudad de los chavales, el diario de Van Helsing también está allí, ¿qué nos falta?, un extraño amuleto que también aparece en una casa del pueblo como por arte de magia. Con todo este batiburrillo, resulta que hay gente que empieza a morir víctima del conde Drácula, de Frankenstein, de la momia, del hombre lobo y del monstruo de la laguna negra, que mira, también pasaba por allí.

Al final los chavalines descubren gracias a un vecino aleman (que casualidad, un diario en aleman y tienen un vecino aleman) que lo que pasa es que cada 100 años el mal tiene la oportunidad de conquistar La Tierra, y una virgen debe recitar un conjuro para enviar a los seres malignos al limbo y que permanezcan otros 100 años allí, más o menos.

¿Y qué hace la pandilla del monstruo? Pues responsabilizarse de acabar con el mal y salvar a la humanidad, ahí es nada, el futuro del planeta en manos de 4 imberbes y un viejete alemán.

Como podeis ver, el argumento es demencial y no tiene ni pies ni cabeza en muchos casos, pero la película es un entretenimiento puro y duro que encima ha aguantado bastante bien el paso del tiempo, puede que por los monstruos creados por Stan Winston o por que a pesar de su aparente inocencia, es una película muy bien concebida para entretener. Es una película llena de clichés y giros muy predecibles, pero la verdad es que tiene un encanto especial y un buen montón de secuencias para el recuerdo, como las conversaciones sobre como acabar con los monstruos, las escenas en las que hacen las balas de plata (como si lo pudiera hacer cualquiera) o las secuencias en las que los jovenzuelos se enfrentan a cada uno de los monstruos.

En realidad, la película es un vehículo de entretenimiento muy bien hecho, con el único fin de divertir al público mezclando dos cosas con mucho tirón en la época: las pandillas de chavales y los mostruos de cine.

Así que ya sabeis, ha llegado el momento de que os senteis a que los protagonistas de “Una pandilla alucinante” os ayuden a resolver grandes enigmas del mundo moderno, como si el hombre lobo es capaz de conducir un coche. A disfrutarla.

Con “La Cosa”, John Carpenter firmó su obra maestra, una película de terror perfecta llena de efectos viscerales que asusta y acojona de verdad.

Carpenter tiene un estilo muy propio y distinguible, reconocible por hacer uso del humor más negro de vez en cuando y también por usar siempre recursos propios de la serie B, un lugar en el que el director parece sentirse cómodo.

“La cosa” trata de un grupo de hombres aislados en un lugar inhóspito, la Antartida, que deben enfrentarse a una amenaza desconocida y terrorífica que no comprenden y no saben como combatir.

En “La cosa”, John Carpenter nos cuenta la historia de una estación científica norteamericana en la Antartida, cuyos habitantes, pocos y todos hombres, se despiertan un buen día viendo como un helicóptero persigue y dispara a un perro que corre por la nieve. El perro se refugia en la estación americana, y los ocupantes del helicóptero van a por él, teniendo que enfrentarse con los americanos, que no entienden que pasa y porque son atacados. Los perseguidores del perro mueren en la refriega, y los americanos descubren que son miembros de la estación noruega, así que deciden ir allí a ver que ha pasado, y van en helicóptero, pilotado por MacReady (Kurt Russell, el actor fetiche de Carpenter). Lo que encuentran al llegar es desolador: la estación noruega ha sido quemada y todos sus habitantes están muertos. Una vez allí, encuentran unas cintas de vídeo, que se llevan, junto con un cadaver muy extraño y calcinado.

Con todo ello vuelven a su base, donde descubrirán con espanto que los noruegos encontraron una nave alienígena en el hielo, de donde sacaron a un ser que despertó y acabó con todos ellos imitando su forma (de ahí lo de “la cosa”). A eso se enfrentan el piloto MacReady y todos sus compañeros, y encima solitos en la Antartida.

Aquí podeis ver el trailer de “La cosa” en español, para que os hagais idea de lo que os vais a encontrar:

Con este argumento de base, todo empieza a complicarse, sobre todo cuando queda claro que la cosa puede transformarse en cualquiera de ellos, lo que hace que todos desconfien de todos y nadie se fie de nadie. Además, todos ven como es la cosa cuando deben aniquilar al perro al que perseguían los noruegos, ya que había sido “poseido” por la criatura y se transforma en un monstruo híbrido entre varios perros, tentáculos y no se cuantas cosas más. Un bicho digno de haber salido de la mente de H.P Lovecraft.

Al final, “La cosa” es una historia de la lucha por la supervivencia de unos pocos hombres frente a una amenaza que no comprenden ni saben como combatir. Decididos a impedir que la cosa llegué al mundo civilizado, los hombres de la estación norteamericana deben encontrar una manera de combatir al alienígena y además salvar el culo, con MacReady, el piloto encarnado por Kurt Russell, a la cabeza. Aunque secundado por personajes bastante interesantes, como el furibondo Childs (Keith David) o el inestable Palmer (David Clennon), entre otros.

La película está llena de escenas que rozan el gore, gracias a los efectos especiales creados por Rob Bottin, simplemente magistrales, y que nos muestran toda la capacidad de la criatura para transformarse en las aberraciones más grandes que podamos imaginar, como el perro del principio de la película, o la gigantesca boca-abdomen en el momento de la reanimación cardiopulmonar de Norris, momento en el que también puede verse está famosa escena de la cabeza-araña:

También es antológica la escena de la “prueba de la sangre”, el sistema de que desarrolla el personaje de Kurt Russell para descubrir quien está infectado por “La cosa” y quien es humano.Aquí la famosa escena, en versión original:

Aunque hay que ser justo y reconocer que la película está llena de escenas clásicas en el terror, lo que ayuda a crear esa sensación de soledad absoluta que envuelve toda la película, creando unos ambientes que consiguen que de verdad estes inquieto de principio a fin.

A mi, en su día, me dió un miedo atroz “La cosa” y me impacto por su capacidad de aterrorizar desde el punto de vista físico, con unos monstruos que acojonan, y desde el punto de vista psiquico, con unos protagonistas desquiciados cada vez más porque no saben si quien tienen delante es humano o no, y el espectador tampoco lo sabe.

Aquí teneis una buena recopilación de escenas de “La cosa”:

“La cosa” es un remake de “El enigma de otro mundo”, película de 1951, y lo que sorprende es pensar que aunque hoy es un título imprescindible y de culto, en su momento fuera un fracaso comercial en toda regla, recuperando a duras penas la inversión para hacerla.

Desde luego, el cine de terror moderno le debe mucho a este pedazo de película tanto en lo estético como en lo ambiental, así que no dejeis pasar más tiempo sin echarle un vistazo, sea la primera vez o una más. Yo nunca me canso de verla, de verdad.

Fotos como esta, de "Top Gun", inundaban las carpetas y las habitaciones de las chavalas adolescentes en los años 80.

Porque claro, a lo mejor eras una chavala modernilla y tal y en plena explosión de éxito de “Top Gun” o “Dirty Dancing” querías ponerte en la carpeta fotos de Patrick Swayze o escenas de la película, así que cogías tus tijeras y cada revista, periódico o publicación que andara por casa en la que se hablará de la película y salieran fotos era un víctima propicia para ser recortada y luego esa foto iba a parar a varios destinos posibles: la carpeta del cole, la mesa de estudio o el típico corcho que estaba colgado en la pared de tu cuarto, o directamente a la pared o la puerta. Y ya había decorado lo que fuera con una escena de tus pelis favoritas.

Los chavalotes también lo hacíamos, claro que sí. Recuerdo perfectamente recortar de alguna revista fotos y siluetas de películas como “Regreso al futuro”, “La Mosca” o “Gremlins”, que luego iban a parar a mi carpeta, a los forros de los libros o vete tú a saber a qué sitios (recuerdo pegar fotogramas de pelis en los muebles de mi cuarto, por ejemplo, o incluso en algún cuaderno en blanco, como si fueran albumes). Lo importante era poder decorar lo que fuera con nuestras escenas favoritas de las películas que estaban de moda entonces.

Una escena de "Robocop" que podría haber estado en cualquier carpeta o pared de cualquier chavalote de los años 80.

El sistema desde luego era así de rústico: solo necesitabas unas buenas tijeras y localizar la revista de turno en la que aparecía algún fotograma de cualquier peli o serie que molara en aquel momento. Después de eso, solo había que aplicarse con la tijera para que el recorte fuera limpio, y ya estaba, entocnes era el momento de ver donde poníamos nuestro nuevo trofeo recortado, para lo cual te armabas de celo, pegamento de barra, el forro del libro o carpeta o el siempre efectivo pegamento imedio.

Esta costumbre tan bonita fue desapareciendo poco a poco, o esa es la impresión que me da a mi, porque hoy en día es muy normal que haya miniposters, postales de películas, etc. pero en los 80 el material escaseaba y había que agudizar el ingenio a base de rebuscar en revistillas de las que compraban las abuelas. Estos recortes lo mismo te servían para decorar carpetas, paredes o lo que fuera que para hacerte caratulas de cintas de vídeo que grababas con la película en cuestión.

Lo mejor era cuando lo que recortabas era una silueta de un personaje, que la dificultad ya subía, y si te quedaba bien aquello era ya lo máximo, porque habías empleado un buen rato en recortar a conciencia el pelo o los detallitos pequeños. Recuerdo recortar una silueta de Chewbacca, con todo aquel pelo, no sé de que revista, alguna teleindiscreta o similar, y llenarme de orgullo al ver que había podido recortarla sin cometer ninguna masacre sobre la foto.

“Superman II” es una digna continuación de la primera película, pero es muy distinta, y para mi, no alcanza el nivel de la primera ni de lejos, aunque tiene su encanto.

Superman II. El cartel promete, pero lo que te encuentras no mola tanto, de verdad.

En “Superman II” hay ingredientes que invitan al optimismo: Superman se enfrenta a tres supervillanos con superpoderes, además pierde sus poderes y es tachado de cobarde por la sociedad, etc., pero esas cosas que prometen se ven comprometidas por los ingredientes que “estorban” en la película, como demasiados gags cómicos, el poquísimo protagonismo de personajes como Lex Luthor o Jimmy Olsen o el nulo carisma de Margot Kidder como Lois Lane (lo siento, pero nunca me ha convencido esta actriz como Lois Lane). Eso sí, Christopher Reeve está enorme, tanto en lo cómico como en lo dramático, y es, desde luego, lo mejor de la película. Pero bueno, vamos al grano y hablemos de lo que nos cuenta “Superman II”. La película arranca con un resumen de casi 10 minutos de la primera película mientras nos muestra los títulos de crédito, para luego contarnos la historia de tres criminales de Krypton, el general Zod, Non y Ursa, que son condenados por Jor-El, el padre de Superman, a vagar por la eternidad encerrados en la zona fantasma. A todo esto, de vuelta a la actualidad, unos terroristas amenazan con volar la Torre Eiffel con una bomba de hidrógeno. En París está Lois lane, y para allá que va Clark Kent. Superman se deshace de la bomba, lanzándola al espacio, pero ésta explota y libera a los tres criminales de la zona fantasma, que se dirigen a la Tierra a sembrar el caos y la destrucción, ya que al llegar a nuestro planeta adquieren los mismos poderes que el hombre de acero, ¿podrá Superman hacer frente a tres criminales con sus mismos poderes?.

Con este argumento inicial la cosa promete, ¿verdad?. El trailer original de “Superman II” (en inglés) nos ponía la miel en los labios:

Porque además de enfrentarse a tres supercriminales con sus mismos poderes, en “Superman II” el personaje interpretado por Christopher Reeve revela su identidad secreta, pierde sus poderes de forma voluntaria o comprueba en sus propias carnes lo que es el dolor y sangrar cuando en una pelea callejera es vapuleado por un camionero en un bar de carretera.

Entonces, ¿cual es el problema de “Superman II”?, pues la continuidad, que el conjunto no funciona como lo hizo la primera parte.

Desde su estreno “Superman II” tuvo su ración de pelémica ya que el director original (el mismo de la primera parte), Richard Donner, fue sustituido, por diferencias con los productores, por Richard Lester. El hecho de mezclar el trabajo de dos directores tan distintos (Donner, más “serio”; Lester, más orientado a la comedia) hace que el resultado final no tenga fuerza y que a veces haya huecos en la historia. Incluso las escenas de acción, como el combate entre los tres supercriminales y Superman en las calles de Metropolis, se quedan a medias, ya que Lester decide intercalar entre explosiones, puñetazos y demás escenas de comedia tontísimas, que hacen que el conjunto pierda fuerza, y además de los protagonistas tienen más protagonismo aquellos que menos carisma tienen.

Como no todo es blanco o negro, hay cosas buenas y no tan buenas en “Superman II”. Aquí 5 razones por las que “Superman II” me gusta bastante menos que su primera parte:

1. El poquísimo protagonismo de Lex Luthor. Teniendo a Gene Hackman como villano y un personaje como Lex Luthor es inexplicable que en esta segunda parte el personaje apenas intervenga y tan solo lo hace de forma forzada y metido con calzador en el argumento. Parece ser que en la versión original de Richard Donner, Lex Luthor tenía muchísimo más protagonismo.
2. El mucho protagonismo de Lois Lane (Margot Kidder). Lo siento, pero no me gusta Margot Kidder como Lois Lane, y su personaje resulta cansino e insufrible en esta película. No me la creo.
3. El exceso de comedia tontorrona. Que en medio de una pelea a muerte entre cuatro tipo que están destrozando una ciudad te metan una escena en la que a un transeunte se le vuela el helado para estamparse en la cara de otro le quita toda la fuerza. ¿Esto es comedia o acción?, porque las dos cosas juntas son igual a nulo éxito en ninguna de ellas.
4. La parte de la película en las cataratas del Niágara. Para mi, lo peor de la película. Ñoñisima parte que no aporta prácticamente nada salvo que la identidad de Superman es descubierta por Lois (no hace falta ser Einstein cuando el disfraz consiste en unas tristes gafas, eso sí, feísimas).
5. La sensación de huecos e inconexión a lo largo de toda la película. Todo el film está lleno de situaciones mal resueltas o sin ninguna explicación, como cuando Superman recupera sus poderes de nuevo (no sabemos como lo hace ni se nos cuenta en ningún momento), o el final, en el que nada queda claro. En general, a la peli le falta toda la fuerza que tenía la primera parte.

Y ahora, para no ser injusto y miserable, 5 cosas que sí me gustan en “Superman II”:

1. Christopher Reeve. Al no aparecer Marlon Brando en esta segunda parte y con Gene Hackman apareciendo solo en plan anecdótico, el protagonismo de Christopher Reeve es absoluto. El tipo brilla con luz propia tanto en su vertiente cómica como en la dramática. Solo Terence Stamp, en el papel de General Zod, le hace sombra a nivel de carisma.
2. Algunas escenas de comedia. Solo algunas, las que no se ven metidas con calzador y resultan naturales, como por ejemplo cuando los tres supervillanos cambian las caras del Monte Rushmore (a pesar de la cagada que se pegan diciendo la antiguedad que tienen cuando se acabaron en 1941 ) por las suyas propias.
3. El juicio en Krypton. Aunque no está muy bien resuelto, la verdad es que la ambientación del planeta Krypton, el tribunal y la zona fantasma resultan más creibles que muchas escenas posteriores.
4. La pelea entre Clark Kent y el camionero. Un Clark Kent sin los poderes de Superman es apaleado por un camionero, experimentando por primera vez la vulnerabilidad y el dolor de ser derrotado. Cuando recupera sus poderes se toma la revancha (claro, con superpoderes yo yambién me atrevo)

Se que había dicho que diría 5 cosas que me gustan de “Superman II” pero la verdad es que no me viene a la cabeza ninguna más que sea de verdad importante.

En fin, es una película que hay que ver con cierta perspectiva, que ya tiene más de 30 años, y no compararla demasiado con la primera parte, porque entonces vale muy poco. Siempre queda la duda de como hubiera sido “Superman II” de haber sido hecha integramente por Richard Donner. Parte de esta respuesta se desveló en la edición especial en DVD de la película con el montaje de Donner, a la que corresponde este trailer:

La verdad es que la versión de Donner tiene mucha más fuerza y continuidad respecto a la primera parte, pero bueno, “Superman II” quedó como quedó (por el interés en hacer caja de los productores) y eso es lo que hay que valorar. Si teneis tiempo, echad un rato viendo las dos primeras partes seguidas y vereis las difrerencias, pese a que se rodaron a la vez en su casi totalidad.

Una escena clásica de Dirty Dancing: Johnny y Baby ensayando en el agua.

“Dirty Dancing” se ha convertido en la historia moderna modelo del amor entre la chica inocente y el chico malote pero de buen corazón.

Dirty Dancing, amores prohibidos a ritmo de baile.

A mi personalmente nunca me ha entusiasmado “Dirty Dancing”, pero hay que ser justo y reconocer que como película se convirtió en todo un icono, arrastrando a las masas y consiguiendo que Patrick Swayze se convirtiera en un sex-symbol mundial y estuviera en las carpetas de las adolescentes de todo el mundo. Desde luego, eso se consiguió en base a la química de los protagonistas, el carisma de Swayze y a una elección de canciones y bailes que hicieron de la película un producto ideal para hacer soñar a las adolescentes del planeta con esa historia de amor prohibido. El argumento de “Dirty Dancing” es sencillo y claro: estamos  a principios de los 60, y la familia Houseman se va de vacaciones a un hotel de la montaña, donde entre las actividades que hay para entretener a los huéspedes destaca el baile, y en concreto el profesor Johnny Castle, del que se enamora perdidamente Baby, la menor de las 2 hijas del matrimonio Houseman. Baby empieza a intimar con los empleados del hotel y en concreto con Johnny y los bailarines, que viven aparte en el complejo hotelero. La relación entre ambos acaba convirtiéndose en una historia de amor prohibido (una niña bien con un macarra bailongo… no way!!!), descubrimiento de experiencias nuevas (el sexo para Baby, la confianza para Johnny), etc. Johnny le enseña a bailar, y Baby le enseña a él el valor de la confianza y bla bla bla… en resumen, una historia de amor de vacaciones que además pone sobre la mesa cuestiones de fondo, como las diferencias de clases, la hipocresía de los niños bien o el aborto, aunque esas líneas no se explotan a fondo, porque “Dirty Dancing” es sobre todo entretenimiento basado en la música y el baile, no busquemos más. La historia evoluciona conforme van bailando y compenetrándose como pareja, hasta el emotivo climax final, con ambos bailando la canción “Time of my life” en el escenario principal del hotel.

Para que os hagais una idea de lo que os puede ofrecer “Dirty Dancing”, aquí teneis el trailer en español:

Lo cierto es que lo que funciona en “Dirty Dancing” es la química de los protagonistas y el conjunto.

Además, las coreografías y las canciones de “Dirty Dancing” tuvieron un éxito bestial que catapultó a la banda sonora al olimpo de la música y lleno el planeta de jovencitas deseosas de encontrar un profesor de baile como el Johnny Castle interpretado por Patrick Swayze, que se convirtió en el mayor objeto de deseo del planeta, pese a que ya llevaba unos añitos apareciendo en películas de bastante éxito.

Toda la película está plagada de escenas que han quedado grabadas en la retina de la gente que ha visto “Dirty Dancing”, como esta escena en la que Baby y Johnny ensayan al ritmo de “Hey Baby”:

Entre otras muchas escenas de la película, también son especialmente recordadas las escenas en las que Baby ensaya sola sobre un puente, el ensayo del baile final con Baby partiéndose de risa, etc. Como digo, un buen puñado de escenas hiperpopulares y taquilleras a más no poder, sobre todo el baile final, al ritmo de “The time of my life”, que ganó el Oscar a mejor canción:

Para rematar la faena, la banda sonora de la película fue tan o más exitosa que la propia película e incluso sirvió para que Patrick Swayze se estrenará como cantante con su canción “She´s like the wind”, que todavía hoy derrite el corazón de las mujeres de medio mucho con ese ritmo de balada romanticona de factura perfecta:

Desde luego, no sé como se vería “Flash Gordon” en 1980, pero 30 años después, el tiempo le ha pasado muuuuucha factura, y es una película ultrahortera aunque con cierto encanto y desde luego una cierta reputación de film “de culto”. Si digo que es tan hortera es porque el vestuario, los decorados, los personajes, TODO es hortera en esta película, que parece hecha a trozos por un principiante y con un argumento que es un despropósito, tanto si conoces el comic original de Flash Gordon como si no.

En “Flash Gordon” todos los cliches horteras de los 80 están presentes en formato de ciencia ficción, mezclados con la serie B.

Flash Gordon, el cartel sí que mola. La peli, no tanto

Pero empecemos por el principio y a ver como lo cuento para que se entienda. “Flash Gordon” es la adaptación de un cómic de aventuras espaciales nacido en los años 30. El argumento de la película es una chorrada como un piano, pero tiene su encanto, por lo absurdo y bizarro que es: el emperador del planeta Mongo, Ming, decide destruir La Tierra, y empieza a hacer que en nuestro planeta sucedan todo tipo de cataclismos. Al mismo tiempo parten desde un pequeño aeropuerto en un avión el jugador de futbol americano Flash Gordon y la periodista Dale Arden. Los pilotos de la avioneta desaparecen en medio de un extraño fenómeno atmosférico provocado por Ming, con lo que Flash hace aterrizar la avioneta justo (que casualidad) en casa del Doctor Zarkov, un científico que sabe que Ming es el culpable. Ming obliga a Dale y a Flash a viajar con él a Mongo para detener a Ming y salvar a La Tierra.

Una vez han llegado a Mongo, los tres son llevados ante Ming, que encuentra especialmente atractiva a Dale Arden y se propone hacerla suya, a la vez que su hija, Aura, se encapricha de Flash Gordon, ante los celos de su prometido, el príncipe Barin.

Para que os hagais una idea de lo que os espera si decidís invertir tiempo en ver “Flash Gordon” aquí teneis el trailer original de la película:

A lo largo de la película Flash deberá enfrentarse a todo tipo de situaciones hasta que consiga que los pueblos de Mongo, principalmente los hombres halcón, liderados por Vultan, y el pueblo del príncipe Barin, se unan para derrocar al tirano Ming y así salvar a La Tierra de su amenaza.

Aunque el argumento sea rocambolesco y absurdo, quizás si la película tuviera buenos efectos, un guión bien cosido y un par de actores solventes, la cosa sería para tener en cuenta, pero es que no hay nada en “Flash Gordon”, que se salve, es que es todo como muy cutre pero sin querer serlo. No es como esas películas que saben que son serie B y no se toman nada demasiado en serio. No, aquí tenemos una película muy mala que en todo momento nos quieren colar como una superproducción, y no cuela. De hecho, fue un fracaso tremendo en la taquilla.

A pesar de su cutrerio y lo hortera que es, hoy en día “Flash Gordon” es una película de culto.

Nada es creible en esta película, ni los efectos especiales, que parecen de instituto, ni el vestuario, cutrísimo y horterisima, ni los actores, todos horribles, aunque salvo a Max Von Sydow en el papel de Ming, que por lo menos tiene presencia. La historia es que ni existe, es un desproposito en si misma: Dale y Flash se enamoran y se prometen amor eterno en menos de un día, los hombres lagarto parecen muñecos del Ikea, Aura pasa de mala malísima a buena buenísima en dos minutos, de repente están en un sitio y luego en otro sin ninguna explicación, los decorados parecen los de una obra de alumnos de colegio, la capacidad de actuación de Sam J. Jones, el protagonista que hace de Flash, es la de una figura de porcelana…

Pero eso sí, hay que verla, porque “Flash Gordon” es una de esas película, que por lo bueno o por lo malo ha trascendido a su tiempo y se ha hecho un hueco en la memoria. Seguro seguro que todos los que la hayais visto la recordareis, a pesar de que habreis visto otro montón de películas de la época mucho mejores. Pero esas no las recordais.

Lo que todo el mundo recuerda es la canción principal de la película, obra de Queen, en sus horas más bajas. Aquí teneis el videoclip de la canción principal de “Flash Gordon”, titulada “Flash”. Desde luego, la época más confusa del grupo de Freddie Mercury, aunque es de lo poco salvable de la película, y eso si le tienes cariño al grupo, que si no ni así:

Para terminar y podais contemplar la obra maestra de la ciencia ficción hortera, aquí una recopilación de escenas de la película en castellano:

Por supuesto, espero que después de haber leido esto y visto estas maravillas audiovisuales, corrais a hacer un hueco en la agenda para sumergiros en este mundo de purpurina espacial y teatrillo que es “Flash Gordon”.

“El sentido de la vida” fue la cuarta y última película de los Monty Python originales.

Monty Python se ofrecen en esta película a desvelarnos el sentido de la vida.

Si no habeis visto “El sentido de la vida” es bastante dificil explicar de que va esta película, porque precisamente trata de lo que dice el título, de desvelar el sentido de la vida, ¿por qué estamos aquí?, ¿de donde venimos?, ¿a dónde vamos? y todas esas grandes cuestiones filosóficas, ahí es nada, y encima en un tono de comedia irónica y surrealista. Para arrojar luz sobre semejante tema, los Monty Python nos proponen un viaje a través de la vida, desde el nacimiento hasta la muerte, pasando por diferentes etapas de nuestra existencia que a su vez se dividen en varios sketches. Es decir, “El sentido de la vida” no tiene un hilo argumental común sino que son una serie de sketches entrelazados para que descubramos “El sentido de la vida”. Eso sí, la mala lecha, la ironía, el surrealismo y un humor absurdo y ácido campan a sus anchas por toda la película en una serie de sketches que han hecho historia, como el del restaurante, la donación de órganos o el número musical de la familia católica, “cada esperma es sagrado”.

Hoy en día, casi 30 años después de haber sido estrenada, “El sentido de la vida” mantiene toda su mala leche y toda su validez.

“El sentido de la vida” comienza con una introducción en una pecera y con una animación que es muy recomendable de ver y que contiene los títulos de crédito iniciales. Antes de la introducción algunas versiones de “El sentido de la vida” incluyen un cortometraje que enfrenta a dos compañías de seguros como di fueran barcos de piratas, pero ya digo que no está en todas las ediciones de la película.

Aquí podeis ver los títulos inciales de la película, muy recomendables, en castellano:

Después de los créditos, empieza lógicamente la película, y lo hace con el segmento titulado “El milagro de la vida” que contiene dos sketches, el primero, en el que una mujer da a luz en un quirofano muy particular y saturadísimo de gente y el segundo, en el que una familia católica tradicional de 63 hijos debe decidir que hacer para salir adelante después de que el padre de familia se quede en paro.

El número musical que acompaña a este sketch de “El sentido de la vida”, que se titula “Cada esperma es sagrado” es impagable.

Un número musical bruto, irónico, irreverente y que se mete con el catolicismo más radical de una forma bastante original y musical. Para los que no lo conozcais o querais volver a verlo, aquí teneis el número musical “Cada esperma es sagrado” en castellano:

Tras estos dos sketches llega la segunda parte “Crecimiento y aprendizaje”, que también contiene dos sketches para representar esta fase de la vida. El primer sketch se desarrolla en una escuela tradicional mientras se celebra el oficioso religioso, y el segundo, y más recordado, es en una clase de adolescenets en la que un profesor (John Cleese) les explica, literalmente, como un hombre y una mujer conciben un hijo, utilizando a su propia esposa para el ejemplo práctico, como se puede ver en este vídeo:

La tercera parte de la película “La guerra” (o algo así) también tiene dos sketches que hablan de la guerra y de como nos comportamos las personas en ese entorno. El primer sketch está ambientado en la I Guerra Mundial y el segundo en la guerra de los británicos contra los zulús del siglo XIX. Ambos sketches son bastante buenos, pero en el segundo se ironiza y mucho sobre la flema británica de los oficiales, que no pierden la compostura por nada, ni aunque pierdan una pierna.

Llegados a este punto de “El sentido de la vida” hay un sketch titulado “La mitad de la película” que es precisamente eso, la mitad de la película, y que contiene una invitación a participar en un juego y además una serie de marcianadas tremendas (muñecos de elefantes azules, habitaciones marcianas), etc.

La cuarta parte es “La edad media” (la crisis de los 40, vamos), de un único sketch, y en el que una pareja americana de mediana edad está en un hotel de vacaciones con una ambientación entre hawaiana y de mazmorra medieval. La pareja va a cenar y elige entre un menú de conversaciones que les ofrece el camarero.

La quinta parte “Transplantes de órganos vivos” es burra a más no poder, y casi roza el gore, ya que vemos a dos enfermeros que se presentan en casa de un matrimonio para exigirle al marido la donación de su hígado. El marido responde que lo está utilizando, a lo que los enfermeros replican, “no sea egoista hombre”, para acto seguido proceder a extirparle el hígado de forma muy explícita, ante el asombro de su mujer, a la que se llevan a un número musical sobre las maravillas del universo. Parece y es surrealista, y aquí lo pueden ver ustedes:

La sexta parte “Los años del otoño” contiene dos sketches, el primero es un número musical, y el segundo, yo creo que es el sketch más conocido de esta película, en el que un hombre gordísimo va a un restaurante de lujo a comerse toda la carta, mientras vomita encima de los camareros, maitres y demás. Finalmente, cuando está lleno a  más no poder, el maitre le invita a comer una chocolatina muy muy fina, con lo que consigue que el cliente, literalmente, explote. Hay que verlo (aquí están los dos sketches en versión original y subtitulados al castellano), un clásico no apto para todos los estómagos:

La séptima y última parte de “El sentido de la vida” es “La muerte” que también tiene número musical y un sketch, y luego llega “El final de la película”, un poco menos surrealista que “La mitad de la película”. Y se acabó.

El humor de “El sentido de la vida” no es fácil ni es una película pensada para que cualquiera la disfrute. Es un humor muy de mala leche, muy de ironía y muy de tomárselo todo a coña. Me figuro que cuando la película se estrenó levantaría unas cuantas ampollas por como se descojona de las religiones o por el uso del gore en algunos sketches. Desde luego, la película es para verla, aunque solo sea porque ofrece algo diferente, algo nuevo y una forma de ver la vida entre lo absurdo y lo surrealista, y se agradece que haya puntos de vista diferentes. Desde luego, es una película a la que el tiempo no parece afectar para nada y que conviene volver a ver de vez en cuando.

“Tygra, hielo y fuego” es una película de espada y brujería hecha para adultos en formato de dibujos animados.

Además del hecho de ser una película de dibujos animados y estar orientada a un público adulto, lo que llama la atención de la película, entre otras cosas, es el tono sensual de los personajes femeninos (Tygra, la protagonista, se pasa toda la película embutida en un bikini minúsculo e insinuando sus curvas) y el realismo de su técnica de animación, con unos movimientos perfectos, que aunque tengan casi 30 años parecen hechos por personas y no por dibujos animados (se uso la técnica del rotoscopio, primero se filmaba a los actores y luego se dibujaba encima de sus movimientos, consiguiendo un realismo alucinante).

Todo esto está muy bien, pero, ¿de qué va “Tygra, hielo y fuego”?. En resumen, la película nos cuenta que en un mundo gobernado por la magia, el manejo de la espada y criaturas fantásticas, el reino del hielo, gobernado por Nekron, quiere conquistar el mundo, y para ello Nekron va expandiendo sus glaciares por toda la tierra. Solo el reino de fuego, lleno de volcanes y gobernado por el rey Jarol resiste de momento a la invasión de los glaciares. Nekron expande sus glaciares hacia el reino de fuego y destruye todos los pueblos con los que se encuentra, incluido el de Larn, un joven guerrero que ve como los subhumanos de Nekron aniquilan a su pueblo, aunque él consigue escapar con vida. Para doblegar al rey Jarol, Nekron ordena secuestrar a Tygra, su hija, que es raptada de sus aposentos por los subhumanos, aunque consigue escapar hasta una ciudad perdida y abandonada donde conocera a Larn que también ha llegado hasta allí. Aún así, los subhumanos consiguen volver a secuestrar a Tygra y la llevan ante Nekron. Larn, con la ayuda de un misterioso guerrero que empuña un hacha llamado Darkwolf, convence al rey Jarol para intentar un último ataque a la fortaleza de Nekron con el único objetivo de acabar con él y con su reino de hielo. De esto va “Tygra, hielo y fuego” y no os destripo el final ni la chicha de la película, que si no esto pierde toda la gracia.

Para que os hagais mejor idea de lo que os espera si os decidía a ver “Tygra, hielo y fuego“, aquí teneis el trailer en inglés:

En “Tygra, hielo y fuego” lo que vais a encontrar es una historia sencilla con argumento más sencillo aún. Todo ello con bárbaros, espadas, mujeres jamonas, bestias de reinos olvidados y demás parafernalia.

Desde luego, el punto fuerte de “Tygra, hielo y fuego” es sin duda la técnica de animación que se empleo, que hace que los movimientos de los protagonistas sean 100% reales. A ver, a nivel de animación lo que se puede hacer hoy en día poco tiene que ver con esto, pero desde luego, lo que se ve en esta película es bastante veraz a nivel de movimientos, y la historia, por su simpleza, tiene mucho de físico y de acción en plan primitivo, y en ese punto la animación de la película brilla. Aquí podeis ver a Darkwolf en acción para que veais como se las gastan estos bárbaros:

También es cierto que “Tygra, hielo y fuego” tiene la misma complejidad que un chicle, pero ey, esto no es cine de arte y ensayo. Una película con bárbaros, espadas, magia y bestias voladoras que se llaman dragones halcones no puede esconder nada más que la sana intención de hacernos pasar menos de hora y media en un mundo de fantasia donde los heroes son muy machos y las mujeres son muy voluptuosas, algo que le viene de casta a Frank Frazetta, el ilustrador que parió esta película, y si no aquí podeis ver unas cuantas mujeres desde el punto de vista de Frank Frazetta:

El que espere encontrar otra cosa que no sea lo que he contado se va a dar de morros contra una película basada en los paisajes, la acción y lo típico de sus personajes, entre los que brillan los dos secundarios, Darkwolf y el malvado Nekron, que tienen bastante más carisma que los protas, Tygra y Larn.

En resumen, una pequeña joya a recuperar por lo atrevido de su propuesta (fue un fracaso absoluto en taquilla) y por intentar hacer algo diferente al tratar de llevar literlamente un comic de espada y brujería a la gran pantalla. De poster, el combate final entre Darkwolf y Nekron -- SPOILER: Si quereis ver la película y que no os destripe el final, no veais este vídeo. Avisados estais: